TRANSAMERICA

GLOBALIZACIÓN, ARTE TROPICAL Y LA MÍTICA RUTA 66


Hay temas que aparentemente no guardan ninguna relación como los automóviles y las carreteras con el arte y las tribus salvajes. Sin embargo, cuando uno encuentra las relaciones latentes, empieza una gran aventura. Este texto es una descripción de una de esas aventuras.

La palabra Transamerica, en sus diversos usos, desde el titulo de una película, hasta en forma abreviada (Trans Am) como el nombre de un modelo de automóvil, generalmente se refiere a la acción de atravesar el continente americano, de manera más especifica Norteamérica, mejor dicho Estados Unidos, aludiendo al viaje hacia el Oeste. Esta travesía simbólicamente representa la expansión de Estados Unidos, la gran conquista del lejano y salvaje Oeste, para unir por tierra al civilizado Este, con California, adonde solo se llegaba de manera segura por barco en los tiempos de la fiebre del oro.

El popular y potente Trans Am de fines de los 60s Poder y libertad sobre ruedas Un símbolo de la gran capacidad industrial de Estados Unidos

La expansión de los Estados Unidos hacia el Oeste, representó para la mentalidad de la época, extender los limites de la civilización. La civilización occidental, que llevaría el progreso y la modernidad a tierras habitadas por las salvajes tribus indias.

Tenemos al arte como testimonio de esa mentalidad, que consideraba a los pueblos nativos, ajenos al progreso, hasta el punto de pensar que el único indio bueno es el indio muerto. La tristemente celebre frase del general Philip O. Sheridan.






Este cuadro pintado alrededor de 1872, por John Gast, llamado El Progreso Estadounidense, es una representación alegórica de la doctrina del Destino Manifiesto. Esa idea de que Estados Unidos debía llevar la civilización por todo el continente mediante expansión territorial, desde el Atlántico al Pacífico.

En la escena, una mujer angelical (a veces identificada como Columbia, una personificación del s. XIX de Estados Unidos) lleva la civilización hacia el Oeste junto a los colonizadores, tendiendo líneas del telégrafo y vías del ferrocarril, mientras huyen los indios y los animales salvajes.

Han pasado más de 100 años y en las Américas, hay quienes consideran todavía en este s. XXI, a los verdaderos americanos como representantes del atraso, tal como nos quiere decir el artista peruano Alfredo Márquez con Katatay.

Esta necesidad y anhelo de unir el Este con el Oeste continuó en el s. XX, en plena era del automóvil, lo que llevo al gobierno de Estados Unidos a construir la llamada U.S. 66 también conocida como U.S. Route 66, Route 66 (Ruta 66). La famosísima carretera que unía Chicago con Los Angeles, y que desde 1938 hasta 1985 fue el gran camino que siguieron muchisimas personas que dejaron el Este, para lograr un futuro diferente en la anhelada California.

Pero la Ruta 66 fue más que una simple vía. Por casi medio siglo fue la principal ruta comercial y la mayor arteria turística hacia la costa oeste. Llego a poseer cierta mística, que la convirtió en un símbolo más de identidad de Estados Unidos.

A manera de la expansión hacia el oeste, que llevó la “civilización” a los llamados territorios salvajes en el s. XIX, en el siglo pasado, la Ruta 66 representó la llegada del progreso para muchos pequeños pueblos de mineros y granjeros.

En la década de los 30s cuando la Ruta 66 no estaba todavía completamente pavimentada, sirvió de vía para muchos granjeros pobres golpeados por la Gran Depresión, que dejaron el Medio Oeste, el otrora lejano y salvaje Oeste, para dirigirse a California por un futuro mejor, en la mayoría de los casos inexistente. Las fotografías de Dorothea Lange son el mejor documento visual de ello.

Madre Migrante
Dorothea Lange


En la década de los 50s Estados Unidos se convierte en el país del automóvil, prácticamente todo ciudadano se movilizaba sobre ruedas. En la misma década el país entra en la carrera espacial la cual junto a la cultura del automóvil, van a configurar la imagen de progreso y poderío industrial y tecnológico de Estados Unidos.

A lo largo de la Ruta 66 van aparecer cafeterías, restaurantes de comida rápida con servicio en el vehículo (drive through), moteles, tiendas de combustibles y lubricantes, etc... Esta carretera va ayudar a difundir el llamado estilo de vida americano (american way of life) de origen citadino e industrial, en las zonas rurales del país, con las hamburguesas y la comida rápida, el supermercado, también al automóvil como la extensión de uno mismo. Difusión que con el tiempo transcenderá los limites propios del país para llegar a todo el mundo, pues para muchos, la globalización en las últimas décadas no es más que la imposición de la cultura popular de Estados Unidos a nivel global.

Ya que con la globalización Occidente ha llegado a todas partes, no hay que olvidar que Estados Unidos es una nación fundada por europeos y aunque el tronco cultural de Occidente esté arraigado en el viejo continente, la cultura en la que vivimos nosotros en el presente es, esencialmente, norteamericana. Es la llamada cultura global, que convierte, al menos en algunos aspectos, a la población mundial en una gran masa, donde sus principales expresiones son de origen estadounidense, como: Coca Cola, Mc Donalds, CNN, IBM, Kentucky Fried Chicken, etc.

La carrera espacial y la cultura del automóvil, dieron origen a una nueva arquitectura que tuvo su auge en Norteamérica en las décadas de los 50s y 60s: la arquitectura googie. Arquitectura de carácter futurista, pues era el ejemplo de lo que demandaba la sociedad ante la perspectiva de un futuro altamente tecnológico. Los diseños googies se basaban en el uso de tejados afilados, la presencia de formas geométricas y de las líneas curvas que recuerdan la aerodinámica de los aviones y cohetes, así como el uso masivo del cristal y de las luces de neón. Quizás el último intento de la arquitectura de renovarse dentro de la modernidad, antes de caer en el pastiche aparentemente sin sentido de la actual arquitectura posmoderna.

En la década del 60 en plena época del Hippismo, la Ruta 66 se convierte en el camino para alcanzar la utopía, que muchos jóvenes Hippies buscanron dirigiéndose a California, sobre todo a San Francisco, ciudad que se caracterizo por su espíritu de libertad y tolerancia.

Precisamente fue Jack Keruak con la novela En El Camino, quien motivó, con el mítico viaje a través del país, a la juventud hippie, y convirtió a la Ruta 66 en una verdadera leyenda.




Los Supersonicos

Los Supersonicos (The Jetsons), dibujo animado futurista producido por conocida empresa Hanna Barbera en la década del 60. Esta serie de animación hecha para la televisión, que mostraba automóviles voladores y ciudades aéreas, con edificios muy a lo googie, representaron la fiebre que afectó a la cultura popular de los Estados Unidos en esos años, consecuencia de un anhelo popular por un futuro brillante, siempre vinculado al desarrollo tecnológico espacial.

Con la declaración de Hawaii como Estado Oficial de Estados Unidos, en 1959, surge el interés por las expresiones hawaianas y en general de la Polinesia. Interés, en versión del s. XX, por lo exótico de los míticos mares del sur y sus islas con playas llenas de palmeras. Así la arquitectura googie se va nutrir de motivos hawaianos y de esta manera a lo largo de Estados Unidos, van a aparecer edificaciones con alguna referencia al ambiente hawaiano y a sus las playas tropicales: el llamado estilo Tiki.

Clifton's Pacific Seas

Restaurante “exótico” en Los Angeles

De esta manera, la modernidad arquitectónica se nutrió de lo exótico para innovar, como también sucedió en las artes plásticas, con la influencia de los paisajes de Tahití en el “primitivismo” de Gauguin, de las máscaras africanas en el cubismo de Picasso y de los grabados japoneses en los impresionistas. En el siglo XX, en el plano cultural, el proyecto moderno tuvo que alimentarse de lo exótico, de lo periférico en las fronteras de Occidente, para salir de un aparente agotamiento.

En un viaje, ya no del Este al Oeste, del Pacifico al Atlántico, sino de Norte a Sur, nos trasladamos de la América Anglosajona a la América Latina y nos damos cuenta que aquí en el Sur, para ser más específicos en el Perú, esta asimilación de motivos tropicales se esta dando actualmente en las artes visuales contemporáneas. Pero la situación es distinta a la mencionada líneas arriba, pues en el Perú, que es en gran parte un país tropical, por la latitud donde esta situado, así como también por la selva amazónica, que ocupa una gran porción de su territorio, no pueden los artistas peruanos tener una visión exótica sobre los temas del trópico, pues lo tropical les pertenece, le es propio y no ajeno o extraño, significados de lo exótico.

En el Perú, país en la periferia de Occidente, como toda América Latina, donde el proyecto de modernidad nunca ha terminado de realizarse, se vive actualmente una posmodernidad donde se mezclan diferentes expresiones en un ejemplo de hibridación cultural, uno de los más ricos del mundo por todos los matices que muestra. Más que una posmodernidad se podría hablar de modernidades alternativas.

No hay que olvidar que Gauguin estuvo en el Perú. Para un pintor como él, situado desde una perspectiva europea, cuanto parecido habría entre el Perú y Taihití. Tampoco hay que olvidar la intención de Thor Heyerdahl de unir el Perú con la Polinesia en la famosisima balsa Kon Tiki, que lo llevó, precisamente, hasta la Polinesia Francesa cerca de Tahití, en un viaje de hace aproximadamente entre unos 5 a 6 siglos, lo realizó Túpac Inca Yupanqui, según el historiador José Antonio del Busto.


Relecturas modernas y contemporáneas de lo tropical.

Figura estilo Tiki

Pitcairn Motel

Garden Grove, California
Motel demolido en 1998

Marzo

Talla en madera del artista peruano amazónico Santiago Yahuarcni

La figura representa al mes de marzo en el calendario de las Once Lunas del pueblo nativo amazónico Huitoto.

Cuando va cayendo el sol
Obra del pintor urbano amazónico Christian Bendayán

Este escrito, está lejos de ser un ensayo o un texto de tesis, sin embargo, le he colocado algunas conclusiones, para darle un toquecito académico y que no pase solo por un pasatiempo mental o un ejercicio de redacción.

Conclusiones:

Es relevante la importancia de las relaciones entre la modernidad y la búsqueda de un futuro mejor, causante de tantos movimientos migratorios a lo largo de la historia. La búsqueda de la utopía. Migraciones que en Estados Unidos en el siglo pasado, estuvo marcada por la mitificación de la Ruta 66 y también por la posesión el automóvil propio, posesión que resaltó la sensación de libertad predicada por el sistema.

Hay que considerar a la importancia del automóvil para la consolidación de Estados Unidos, como una potencia industrial democrática. Aquí en América del Sur, por razones obvias, no surgió el culto al automóvil como en Norteamérica. En una región donde el proyecto de industrialización fue fallido, el transporte público (trenes, buses, minibuses, camiones) fue, es y seguirá siendo, el único transporte para los miles de trabajadores latinoamericanos.

Latinoamérica, a pesar de una fallida industrialización, consecuencia de un proceso modernizador truncado, quizás por estar en la periferia de Occidente, no se libró de utilizar el ideal de modernidad para oprimir a los pueblos nativos y hasta de señalarlos como encarnaciones del atraso. Sin embargo, dichos pueblos están enriqueciendo las diversas modernidades alternativas que se están forjando actualmente.

La modernidad en el plano cultural del s. XX no hubiera sido posible sin el aporte de los trópicos, de la misma manera, la Europa industrial no se hubiera formado sin el aporte de las colonias.

Humano Genérico

Humano Genérico de Javier Ramos Cucho en la Bruno Gallery



Humano Genérico
(aporte textual al discurso plástico-visual)

Hasta que punto es tan grave esta llamada globalización, en el sentido de que aparentemente nos esta quitando nuestras identidades, al ser todos parte de una gigantesca masa, cada vez más dependiente de la tecnología. Un supuesto proceso que comenzó con la llamada digitalización de la información y al parecer seguirá con la digitalización de la cultura, del conocimiento y después, con la misma naturaleza. ¿Estamos viviendo la condición final de la humanidad tal como la conocemos?. ¿Estamos llegando a los últimos días en esta realidad, proclamados por la escatología cristiana?.

Algunos afirman que el progreso fue solo un mito, un mito de esos tiempos, antes de la caída del muro de Berlín, donde los jóvenes creían ingenuamente en algo llamado revolución. Pero al parecer ya no progresamos, y hemos perdido la esperanza en las revoluciones, que nos llevarían a lo que ahora consideramos utopías. No será, recordando a Baudrillard, que al parecer vivimos actualmente solo en utopías inmediatas, aparentes, dentro de un gigantesco simulacro de la realidad ( la virtualización de la realidad ) en esta época de realidades virtuales.

En esta cuarta muestra individual, Javier Ramos Cucho, nos muestra esa nueva condición humana, vinculada al gran simulacro, que él ha llamado: el humano genérico. Este representado por esos cuerpos humanos con cables y protuberancias mecánicas a manera de extremidades, que nos acercan al concepto del cyborg, en el universo surrealista – expresionista del artista, que podría ser considerado una alternativa más entre los simulacros de la realidad que podemos apreciar.

Dentro de este simulacro no somos más que puntos en este universo de redes: Internet, Facebook, redes de telefonía celular, redes de cajeros automáticos, etc... Todos de alguna manera estamos conectados, interconectados por el Mainstream global, del cual no podemos escapar. Así el humano genérico, es una abstracción más allá de las individualidades, que se pierde en el mar de las mencionadas redes.

JAVIER RAMOS CUCHO
http://javieramoscucho.blogspot.com/

BRUNO GALLERY
Noviembre 2009
Francia 565b Miraflores

HERNANDO DE SOTO Y LOS OSOS MONTAÑESES

Mucha gente que esta en los cuarentas, se acordarán que en su niñez veían en la televisión a Los Osos Montañeses (Hillbillies Bears), esa familia de típicos montañeses, representados por osos. Muchos al leer el título de este texto, se preguntaran que relación existe entre el famoso economista peruano Hernando De Soto y esta familia de osos montañeses.


Los montañeses, llamados hillbillies en los Estados Unidos, generalmente son los habitantes de los Montes Apalaches, de ahí el calificativo de montañes, una de las regiones más pobres y marginadas de América del Norte.

Recordamos que al habitante rural de los Andes se lo identifica con la llama, de manera despectiva: ese es una llama. De la misma manera tomando un animal como ejemplo, la productora de dibujos animados, para la televisión, Hanna-Barbera, representó a los montañeses como osos, por ser ese, el animal más representativo de los grandes bosques que cubren América del Norte.

A raíz del conflicto de Bagua, Hernando De Soto empezó a investigar y llegó a la conclusión que el principal problema de los indígenas peruanos, es que no poseen legalmente propiedades con valor económico, lo que les impide generar riqueza. Pues, como se sabe, para De Soto, el derecho a la propiedad es el principal requisito para generar capital. A excepción de los indígenas amazónicos en aislamiento voluntario que viven cerca de la frontera con Brasil, entre las regiones de Ucayali y Madre de Dios, casi todos los habitantes de la Amazonía están inmersos en el sistema económico y legal peruano. Sin embargo, a pesar de ello, no gozan de los mismos derechos referente a la propiedad como los demás ciudadanos, pues la ley peruana solo contempla la posesión de la propiedad comunal, para las comunidades indígenas, que según De Soto, no favorece a los nativos, pues estos títulos no dan valor económico a los terrenos.




Los pueblos amazónicos han defendido sus territorios por siglos, con la intención de preservar sus recursos de caza, pesca o recolección de frutos. Siguiendo esa lógica, las comunidades actualmente poseen títulos de territorios comunales, reconocidos por el Estado Peruano, que en este mundo moderno tienen un valor sobre todo ancestral o cultural, más que económico y que en este S. XXI no tienen una finalidad práctica.

En algunas comunidades, los indígenas han dividido las tierras comunales en propiedades particulares creando títulos de propiedad que tienen valor para ellos, pero desgraciadamente no son reconocidos por el Estado Peruano, por lo tanto no poseen valor legal.

Teniendo en cuenta lo anterior, De Soto afirma que la solución para el problema indígena es que la propiedad colectiva sobre sus tierras, sea remplazadas con títulos de propiedad, que permitirán a los indígenas generar capital.

Si volvemos a mirar la serie de los osos montañeses, nos damos cuenta que el papá oso siempre lleva su escopeta no solo para cazar sino también para defender su propiedad de intrusos. Nos muestra la importancia de la propiedad privada y su defensa, hasta en lo más apartado de los Estados Unidos, donde viven los montañeses, considerados atrasados e ignorantes por los habitantes de las grandes ciudades.

A raíz de los luctuosos acontecimientos de Bagua, Hernando De Soto ha traído a unos nativos del Canadá y de Alaska para que cuenten sus experiencias, a los indígenas amazónicos, sobre como están aprovechando los beneficios de la globalización, en un congreso llamado simbólicamente, el Encuentro entre El Aguila y El Condor. Hay que tener en consideración que los nativos en América del Norte, Estados Unidos o Canadá, no sufren la marginación legal por parte de ningún gobierno, ya que poseen autonomía legislativa, por lo tanto, autoridad soberana para gobernarse por sí mismos. Por lo mismo no voy a tratar de los indígenas de América del Norte y menos aun comparar su situación con los amazónicos, no tiene sentido. Sin embargo, hay que considerar la iniciativa de Hernando De Soto para mostrar que algunos pueblos en la periferia de Occidente, están aprovechando las ventajas del capitalismo globalizado para generar riqueza.

Otra serie de televisión sobre montañeses, los Beverly Ricos (Beverly Hillbillies), trataba de una familia de montañeses ignorantes que nunca vivieron en una ciudad, donde el papá siempre salía con su escopeta a la manera del papá oso, mencionado líneas arriba. Esta familia de montañeses encontró petróleo en su propiedad y al venderla se hicieron millonarios, mudándose desde la zona más pobre de los Estados Unidos a la más rica: Beverly Hill.



No estoy haciendo una comparación entre los nativos de las Américas, sino entre los indígenas amazónicos peruanos y los montañeses de los Apalaches. Estos últimos no son indígenas, pero sus condiciones de pobreza y postergación, son pertinentes para este texto.

Aquí, el problema es la posición del Estado frente a las comunidades más apartadas del país, ¿Es posible que una familia campesina o indígena en lo más profundo del Perú encuentre petróleo, venda el terreno y se vuelva millonaria como los Beverly Ricos? Al parecer, si estamos hablando de la mayoría de los indígenas que habitan zonas comunales no es posible, pues como indica De Soto, dicha familia no es dueña del terreno donde habita y por lo tanto no lo puede vender. Pero, si pertenecen a la comunidad, tampoco esta podría hacerse rica, porque la propiedad comunal no posee valor comercial, no se puede usufructuar. Aparte, las comunidades no son propietarias de las riquezas del subsuelo, debajo de sus territorios, que son dados en concesión a grandes empresas extractivas, mineras o petroleras, debido a la idea ingenua, de que los recursos son de todos los peruanos.

Hay que tener en cuenta lo siguiente: ¿hasta que punto tienen valor los territorios comunales para los indígenas amazónicos? y no me refiero al valor económico sino cultural. Esta claro que para De Soto los nativos quieren entrar a la modernidad, para eso según el economista, tiene que haber un cambio en la estado legal referido a la propiedad de sus tierras. De Soto afirma que no hay conflicto entre el mundo indígena amazónico y la modernidad, ya que otros pueblos se han integrado muy bien a esta.

Entonces cabría hacernos estas preguntas:
¿De que forma, las comunidades podría conservar sus territorios comunales de un gran valor cultural para ellos, y a la vez adoptar un régimen de propiedad privada, sea colectiva o individual, con valor comercial?.

¿Por qué todavía en el S. XXI, los nativos no poseen el derecho a la propiedad privada, uno de los derechos fundamentales de la condición de ciudadanía?. ¿Acaso, todavía sigue esa mirada limeña de considerar a los indígenas como personas de segunda categoría?.

El Arte de Mucho en la Bruno Gallery

MUCHO en la Bruno Gallery

UNA ESTROFIALIAZIÓN A LAS KARUMPTRAS NÁMICAS


Lo más hermoso de Florencia es el restaurante McDonald's
Andy Warhol



Y se inaugura la Bruno Gallery, un nuevo espacio en Lima para el arte contemporáneo. Arranca con uno de los ejemplos más llamativos que la escena artística limeña nos puede ofrecer: el arte de Mucho. ¿quién es Mucho?. Mucho no es un sujeto real. Él no es más que un concepto, una construcción intelectual. Aquí el arte conceptual no tiene como consecuencia solo a la obra material, sino también el mismo artista es una obra de arte.

Las dos últimas décadas del siglo pasado, estuvieron marcadas por una terrible violencia política, que el arte contemporáneo, en los trabajos más inteligentemente elaborados, reflejó y denunció. Luego aparecen en Lima, en este s. XXI, en medio de esta globalización galopante de la era Internet, nuevas expresiones, donde los referentes locales, si es que existen, se pierden dentro de un conjunto de signos, procedentes de esa cultura global, de la cual nadie parece poder escapar. El arte de Mucho es una de estas expresiones.

Después de la tormenta, dicen, regresa la calma (la aparente calma). Libre de la violencia que marcó a los artistas de las generaciones anteriores, Mucho asume, en una posición local, la transformación que afectó a las artes visuales, iniciada por la llamada Cultura Pop, en un proceso de apropiación de las múltiples expresiones de la cultura de masa globalizada y de las huellas que las vanguardias artísticas han dejado en ella. Mucho se alimenta del pop art, del comic, del arte conceptual, del graffiti, del diseño gráfico, de la tipografía y de la ilustración. Un conjunto donde los intercruces y las diferencias (incluyendo los títulos en inglés de sus obras) no cancelan sentidos, sino al contrario, la diversidad y las posibles fricciones a causa de ella, los potencian y relacionan.

Su trabajo se acerca a los neoexpresionistas de los ochenta en los Estados Unidos, y nos recuerda a Basquiat y Haring, pintores vinculados con el graffiti de la calle. Sin embargo, Mucho está alejado de los graffiteros y su arte callejero, teniendo con el arte del graffiti solo una relación sutil.
De Basquiat y de Haring, Mucho rescata la expresión personal, superando cualquier tendencia impersonal, propias del minimal art; así como la importancia de la figuración en medio de la abstracción; el uso de elementos fantásticos; la fuerza expresiva del action painting; la ilusión de profundidad casi inexistente; la poca factura técnica (en el sentido más clásico); así como también, la recreación distorsionada de la realidad que nos acerca al arte psicodélico. Mucho también nos recuerda a Liechestein, a través de las influencias del pop art y del comic, que se manifiestan en los colores encendidos y en la reproducción de figuras propias de las historietas o los dibujos animados.

Mucho, junta los referentes de esta actualidad globalizada, a manera del pastiche, bajo una estética urbana, en el sentido más juvenil y actual del término, acercándose al afiche, al graffiti, al fanzine y al perfil visual de las actuales ciudades icónicas, donde los letreros luminosos son los mayores protagonistas.

El arte dc Mucho, es representativo del lado más globalizado de una ciudad periférica como Lima. No consiste en una propuesta de hibridación entre lo global y lo local, entre lo moderno y la tradición, o entre el centro y la periferia, que nos recuerda al concepto de cultura híbrida de García Canclini; ni tampoco, en una posición de resistencia basada en la reinterpretación del discurso de un supuesto dominador, como son calificadas algunas expresiones desde la teoría poscolonial.

¿Qué significa: Una Estrofialiazión a Las Karumptras Námicas, el llamativo título de la exposición? Francamente no posee un significado lógico, según las propias palabras del artista. Un juego de palabras que apela al lado lúdico del arte, donde cada lector construye sus propios significados, apelando al hecho de que actualmente, como en ningún período de la historia, la obra de arte se presta a una mayor diversidad de sentidos, recordándonos el concepto de obra abierta de Umberto Eco.

(Texto pensado para la exposición)

BRUNO GALLERY
Calle Francia 565 b - Miraflores

UNA ESTROFILIZIACIÓN A LAS KARUMTRAS NÁMICAS
Viernes 19/09/09 7:30 p.m.

MUCHO ART
http://theartofmucho.blogspot.com/

Cazando las principales tendencias de cafeterías en Lima

Este texto es el lado escrito de un ejercicio que consiste en la búsqueda de las tendencias en las cafeterías en Lima. Para continuar voy a definir qué significa tendencia: tendencia es simplemente la dirección o rumbo del mercado. Significado que encontré al consultar Wikipedia.

Entonces, lo que voy a tratar de encontrar, son las direcciones que va a seguir el negocio de las cafeterías, mejor dicho, para ser más especifico, las mismas cafeterías, como locales comerciale

La caza de tendencia (cool hunting)
Antes de describir y presentar un estudio de los tipos de cafeterías que existen en esta ciudad, voy a explicar en que consiste el oficio del cazador de tendencias o cool hunter como se le conoce en el contexto anglosajón. Cool hunter o cazador de lo cool, es la persona que sale a la calle y trata de hallar, de cazar, lo cool, ¿qué es lo cool?. La palabra cool no se puede traducir precisamente al castellano, pero se lo puede considerar como un calificativo para todo lo nuevo, lo llamativo, lo vistoso, lo modernísimo, lo que esta de moda, en otras palabras, las tendencias que se están imponiendo o se van a imponer, en gustos y colores.

Por lo tanto, este ejercicio consiste en encontrar las tendencias de las cafeterías que se están imponiendo en el gusto de los consumidores: las cafeterías cool.

Voy a ser más específico para definir qué es y qué hace un cazador de tendencias. Un cool hunter es una persona que sale a la calle y empieza una lectura de la ciudad, para interpretarla, como si fuera una gran obra de arte, con todos sus íconos, colores y diseños. Tratar de comprender el porqué de ellos. Hallar el porqué de las tendencias, de las diferencias en los gustos y de las preferencias en los colores, y dentro de todas esas preferencias ubicar lo cool.

Lima un conjunto de sensibilidades diferentes
Dije que el cool hunter debe de interpretar la ciudad como una obra de arte, o al menos como una exposición de ellas, pero para esto, debemos considerar que toda obra artística, no solo es un ejemplo de expresión personal, sino que es hija de su tiempo, como dijo Vasili Kandinsky. En otras palabras, es también el resultado de una expresión colectiva, de un tipo de sensibilidad singular perteneciente a un grupo social vinculado a un espacio y tiempo específico.

Un cazador de tendencias tiene que percibir, esas sensibilidades singulares en una gran ciudad. ¿Cuántas sensibilidades diferentes se pueden percibir en Lima?. Esta es una forma diferente de ver la ciudad, que supera a la desfasada división de clases: la alta, la media y la baja, proporcionando una perspectiva distinta a la escala utilizada por los mercadólogos, y su división de la sociedad con letras: las clases A, B, C, D... Esta escala no es mas que un indicador de la capacidad de gasto, pues si una persona posee una gran capacidad porque gana 15000 al mes, entonces pertenece a la clase A. También difiere de esas últimas clasificaciones de la sociedad por estilos de vida: el joven emprendedor, el señor tradicionalista, el afortunado, la ama de casa tradicional, el moderno, etc...

Se habla de la multi culturalidad que hay en el Perú, pero no se toca el tema cuando se habla de Lima. Cuántas culturas coexisten en Lima, cómo se pueden ubicar y definir a través de sus sensibilidades y expresiones. Volviendo a lo que dije líneas arriba, la ciudad esta dividida en grupos culturales que se expresan según sus sensibilidades particulares y los cool hunters, tienen que poseer la capacidad de hallar y diferenciar esas expresiones y sensibilidades.

Para dividir a una ciudad en diferentes grupos culturales, cada uno con su propia sensibilidad ante la vida y por lo tanto sus propias preferencias y formas de manifestarse, me he basado en el concepto alemán de Zeitgeist (espíritu del tiempo) que se lo puede interpretar como el espíritu de un determinado pueblo, representativo de un momento único en la historia. Este espíritu se manifiesta en la cultura, política, arte y religión, y en las estructuras sociales y económicas.

A comienzos de la década de los sesenta en Inglaterra, un grupo de teóricos en la universidad de Birmingham, fundaron lo que se conoce como estudios culturales. Una nueva forma de estudiar la realidad cultural, cuando la cultura popular de los Estados Unidos empezó a influir a la Inglaterra de entonces, la cual ya no era la misma después de la Segunda Guerra Mundial. Surgieron los debates sobre las relaciones entre la cultura local y sus influencias externas, las diferencias entre la alta cultura y la popular, entre la cultura de masas, las culturas populares y la cultura juvenil, pues con la posguerra aparece la juventud como un sector diferenciado de la sociedad, con identidad propia.

Por ejemplo, un sector como la juventud que estudia en universidades privadas y que posee automóviles desde los 18 años, por lo tanto casi nunca o nunca, han utilizado el transporte público, se diferencia de otro sector, conformado por los jóvenes que estudian en universidades estatales, que viven en la periferia de Lima y utilizan el transporte público a diario. Existe, como dije antes, la cultura juvenil, pero no se puede pensar que la juventud es una sola, un joven que casi nunca necesitó del transporte público, no va a sentir igual que uno que sí lo necesita para ir a clases a diario. Estos dos grupos pertenecen a sectores con sensibilidad diferentes, pues ellos nunca van a sentir igual ante al realidad. ¿Cómo estos grupos de jóvenes diferentes se expresan a la hora de elegir sus gustos y preferencias?. Es tarea del cool hunter averiguarlo.

Una vez que el cool hunter perciba los gustos y preferencias de estos sectores con sensibilidades diferentes, será capaz de percibir cuales tendencias se van a imponer y porqué, ya que percibirá la que más va a gustar a las mayorías.

En búsqueda de las cafeterías cool
¿Cómo debe ser una cafetería cool? ¿la que se va imponer ante las demás por estar a la moda? La pregunta del millón de dólares.

Como estamos en la búsqueda de tendencias novedosas, cools, dejamos de lado las cafeterías tradicionales como el conocido Café Haití, que desde hace décadas es una tradición en Miraflores.

Por eso nos centramos en la gente joven por ser los principales consumidores de lo nuevo.

En mi recorrido por la ciudad, con la intención de cazar tendencias, descubrí lo siguiente:
Que los jóvenes y sobre todo los llamados adultos jóvenes (los muy jóvenes no son clientes de cafeterías) son los principales consumidores de las cafeterías que podrían ser calificadas cool. Personas con gustos cosmopolitas marcados fuertemente por la globalización, con una sensibilidad fuerte para percibir y adaptarse a los cambios, muchos conocen un segundo idioma, de preferencia el inglés, poseen estudios universitarios o técnicos superiores, están al día en el uso de las nuevas tecnologías de comunicaciones orientadas al usuario final, como los teléfonos celulares o el Internet. Para ser más especifico, podría señalar que los principales clientes están, entre los estudiantes de postgrado, yuppies, creativos como publicistas, arquitectos, diseñadores etc...

¿Que tipo de cafetería seria la más atractiva para esta clase de clientes?
Explorando la ciudad encontré las siguiente propuestas, que a mi parecer son las más importantes:

News Café

Restaurante que también cumple el papel de una cafetería, fuera del horario habitual para el almuerzo o la cena. Como cafetería es el típico lugar al estilo del Café Haití, solo con la diferencia de tener un estilo moderno, contemporáneo, actual, sin embargo, no ofrece una imagen juvenil. Solo hay 3 locales en Lima y no parece tener muchas expectativas de crecimiento, por lo tanto no reúne los requisitos para ser considero una tendencia de valor.

Starbucks

Super famosa cadena extranjera exportadora del american way. La cadena de cafeterías más cool en la escena limeña. Es la única cadena de cafeterías en lima que posee un local dentro de una universidad, la UPC. Tiene un fuerte posicionamiento en la juventud. El auto servicio, el café en vasos y no en la tradicional taza, el WiFi, la cantidad enorme de bebidas hechas a base de café, son elementos que construyen la imagen juvenil de la marca y son parte del ambiente especial que se les ofrece a los clientes, llamado por la empresa, el tercer lugar (los otros son el hogar y el trabajo), que consiste en que las cafeterías tengan un ambiente hogareño.

En el Starbucks de Conquistadores (foto diurna), las plantas y el color verde del logotipo, rompen con la frialdad del conjunto, un buen uso de los colores.

El poseer como local a una casa tradicional con techo a dos aguas, como el Starbucks del Óvalo Gutiérrez (foto nocturna), no favorece a la imagen moderna y juvenil de la empresa.

Un elemento clave en la imagen juvenil y moderna de la empresa, es el servir café en vasos de cartón plastificado. Cuando Starbucks llego a España, se creó la polémica sobre si los españoles romperían la tradición de tomar café en taza, sin embargo Starbucks gano y sigue en España.

En pocos años Starbucks abrió 25 locales en el Perú. Es una tendencia a tener muy en cuenta.


Tanta

La conocida cadena de Gastón Acurio. Como cafetería, el servicio que brinda es similar al News Café, siendo más un restaurante que una cafetería propiamente dicha. No ofrece una imagen juvenil. Su principal característica es la imagen de peruanidad que posee, por varias razones: por el nombre en quechua que significa pan, por la imagen de Acurio como un chef promotor de la cocina peruana y que se acerca a todos los sectores del país, por la comida y bebidas que sirve. La peruanidad de Tanta ayuda a que la marca sea vista de una manera no tan elitista como una cafetería del nivel del News Café o del Bohemia.

Tanta es una tendencia a considerar.

Estas dos fotos son del Tanta del Centro de Lima, situado en el lugar que antes era ocupado por el Bohemia, servicio similar a News Café, que fracasó en el Centro, pero después abrió un local en Mega Plaza Norte, quizá tratando de conseguir como clientes a los empresarios del cono norte. Una nueva clase empresarial emergente. Al parecer el Bohemia resultó tener una imagen elitista, Sanisidrina, para los oficinistas que trabajan en esa zona del Centro, la mayoría empleados de la municipalidad de Lima.

El Bohemia no reúne los requisitos para ser considerada una tendencia de valor.


Urban Café

Una cafetería que la consideré en esta búsqueda por la forma del local, una caja translúcida de policarbonato. Un diseño que trata de ser muy urbano, al considerar el nombre de la cafetería. Es obvio que la forma del local, aparte de estar diseñada para aprovechar el espacio de la manera más racional posible, está pensada para adaptarse a la estética del edificio de los multicines que hacen recordar a la llamada arquitectura Hi-Tech, que se caracteriza por el diseño de edificios que con sus estructuras metálicas y fachadas transparentes, parecen máquinas.

Un típico caso de la arquitectura que encaja dentro del modernismo de la escuela alemana de la Bauhaus y que hace recordar al minimalismo escandinavo. Está bien para Berlín o hasta para Nueva York, pero no para Lima. Encaja bien en el Óvalo Gutiérrez a lado de los multicines ¿pero en otro lugar de Lima?

Hay un solo local Urban Café en Lima, y no es difícil deducir lo dificultoso que sería la expansión de esta cadena en la ciudad, si es que este diseño arquitectónico es parte de la imagen corporativa de la empresa. Muy pocos lugares armonizarían con una cafetería en forma de caja plástica. El diseño del local puede ser muy cool para algunos, pero no veo en Urban Café una tendencia de valor.

Altomayo

Servicio similar a Tanta, la diferencia radica en que son cafeterías propiamente dichas y no restaurantes como la cadena de Gastón Acurio. Las dos marcas venden peruanidad, sin caer en los clichés de siempre, como la imagen de un indio con plumas o de ruinas prehispánicas, pero mientras que Tanta toma como referente la peruanidad andina o "chola", Altomayo considera a la selva o Amazonía. Esta elección es notable, en el color verde de la marca, en la figura estilizada del monito en el logotipo. La selva es el tema principal de la marca de café Altomayo, dueña de esta cadena de cafeterías, pues el café es producido en esta zona del país, y sirve para resaltar el valor natural del café que venden.

El nombre Altomayo es largo para un negocio de esta naturaleza, donde mejor son los marcas cortas, fáciles de decir y recordar (a lo mucho tres sílabas). En este caso funciona, pues la gente relaciona la cafetería con la marca de café instantáneo.

Esta cadena una tendencia a considerar, pero no ofrece la imagen moderna y juvenil de Starbucks.

Mc Café

Mc Donalds entró a competir en el terreno de las cafeterías, después de hacerlo con las ensaladas, los helados, desayunos y el pollo.

Como se aprecia en la foto del Mc Café en el Mc Donald del Óvalo Gutiérrez, la cafetería se encuentra en el primer piso con un decorado de acabados y muebles en madera donde prima el color marrón, lo cual le da una seriedad que contrasta con el colorido del segundo piso que pertenece al Mc Donald propiamente dicho, la cadena de hamburguesas. La decoración de los locales de esta cadena esta basada de colores vivos y alegres, pues este negocio está orientado al mercado infantil (no hay que olvidar al payaso Ronald) y familiar, pues los niños van a los locales con sus padres.

Lo interesante de este local es la parte de cafetería que esta al aire libre y su relación con la calle, al parecer hay gente que acude a estos locales para ser vista desde la calle. Podría ser una forma inconsciente de buscar cierto reconocimiento o estatus.

Al parecer entró al negocio del pollo para competir con KFC, y repite la estrategia con Starbucks. Ofrece una imagen sobria diferente al ambiente propio del Mc Donalds, es obvio que se quieren dirigir hacia otro tipo de clientes, como yuppies, intelectuales, universitarios, intención que la cadena de hamburguesas mostró con sus desayunos y ensaladas.

Es una sombra de Starbucks. Podría ser considerada como la tendencia de la cafetería que acompaña a una cadena de hamburguesas o fast food en general.

Cafetería de la Facultad de Ingeniería Industrial de la Universidad de San Marcos





Este negocio es más un restaurante barato que una cafetería, como la mayoría de cafeterías en la universidad. Muchos alumnos, profesores y empleados pueden almorzar por pocos soles.

Es una de las más grandes cafeterías de la universidad y la más llamativa, es por esta razón, que la he considerado en este texto, pues el local es un conjunto para ser tomado en cuenta. En la foto se aprecian sus principales valores, como tener un área abierta al aire techada con un toldo, el techo de dos aguas que junto a la vegetación frondosa del jardín adjunto, le da al conjunto un aspecto natural, opuesto al estilo urbano de la caja blanca del Urban Café. Estas cualidades podrían ser tomadas en cuenta en una tendencia "verde", cool ecológica.


Algunas observaciones
Cuidado, la capacidad expansiva de Starbucks podría estar llegando a su límite. El servicio puede parecer caro para muchos sectores sociales. Por ejemplo en la cafetería de la facultad de ingeniería industrial, nombrada líneas arriba, uno almuerza por 5 soles un menú que incluye una sopa, un plato de segundo y vaso de jugo, es difícil que en ese contexto la gente pague entre 7 a 10 soles solo por un vaso de alguna bebida a base de café. Existe un local Starbucks en la UPC, pero hay que tener en cuenta que esa universidad en el equivalente peruano de universidad de Harvard, donde estudia gente pudiente. ¿Podría haber Starbucks en otras universidades?. En la UPC existe una mentalidad empresarial, que no se encuentra con la misma fuerza en la mayoría de las universidades privadas y que en las estatales prácticamente no existe.

Look Look, empresa pionera en la caza de tendencias con sede en Los Angeles, realiza sus investigaciones utilizando el método llamado el triángulo de agentes. El primer agente corresponde a los innovadores, los que crean las tendencias, y no son más del 3% de la población. Para que esas innovaciones se vuelvan verdaderas tendencias tienen que se aceptadas por los trendsetters, son el 17 % de la población aproximadamente, para después pasar a los early adopters, que son aquellos que harán de puente y llevarán las innovaciones a la masa o mainstream.

En este caso, los innovadores son Tanta, Alpamayo y Starbucks, los trendsetters vendrían a ser las personas más identificadas con la cultura de las cafeterías o el consumo en esta clase de locales, gente que quizás conocía a Starbucks fuera del Perú. Después, la gran masa de consumidores, donde los early adopters, son la porción de esa masa que más rápido, han asimilado a las cafeterías, quizás por moda, por la búsqueda de estatus, por un supuesto sentimiento de modernidad, etc... entre los cuales están los ejecutivos, universitarios, etc... Y por último, la gran masa, que todavía no ha sido cubierta, con muchos posibles consumidores, tanto en provincias como en la misma Lima.

El cazador de tendencia, esta lejos de ser un futurólogo, pero al menos, tiene que ser capaz de inferir las tendencias que se impondrán en un futuro próximo, a corto y mediano plazo. Para ello no esta mal aprovechar los métodos de los futurólogos, si es que pueden servir en la investigación. Herman Kahn, fue uno de los futurólogos más conocidos en los Estados Unidos, utilizó el siguiente método para hacer previsiones: en primer lugar, definir un contexto básico, en este caso las propuestas existentes de cafeterías, así como la diversidad social en Lima, las diferentes sensibilidades, gustos y capacidades de gasto. En segundo lugar, la elaboración de una sucesión hipotética de los acontecimientos, o sea que tipos de cafeterías van a desaparecer, continuar o expandirse y el porqué. En el tercer lugar, el establecimiento de un escenario futuro, ¿cómo será la realidad de las cafeterías limeñas dentro de un tiempo?. De esta manera, el método de Kahn, mostrado aquí de una manera simplificada, sirvió de ayuda para llegar a la conclusión.

Conclusión
La tendencia de cafetería con la mayor posibilidad de imponerse sobre la demás, la más cool, según las conclusiones a las que llegué haciendo este informe, es la que ofrecerá la imagen juvenil, contemporánea, propia de Starbucks, pero con elementos de peruanidad siguiendo el ejemplo de Tanta o de Altomayo. Hay que tener en cuenta, el fortalecimiento de la identidad nacional, así como el hecho de que el Perú es uno de los mayores productores/exportadores de café en el mundo y el primer exportador de café orgánico en el ámbito mundial.

Si se establece una nueva cadena de cafeterías, sería necesario que adopte algunos referentes peruanos, considerando el concepto de la tropicalización de la franquicia. Idea que surgió cuando las franquicias de los países ricos, en el hemisferio norte, empezaron a tener locales en el hemisferio sur, sobre todo en Latinoamérica, entonces apareció la necesidad de adaptar las franquicias a los gustos de los nuevos clientes. Para nombrar esa adaptación, fue creado el termino tropicalización, ya que América Latina, salvo las partes alto andinas pertenecientes sobre todo a Perú y Bolivia, la Patagonia chilena y argentina y el desierto de Atacama, el más seco del mundo, la región es considerada tropical, por la selva del Amazonas, la diversidad de frutas, las buenas playas, los inviernos tibios y los veranos cálidos. Clima y geografía, que se manifiestan en el colorido de sus paisajes y tradiciones populares.

Contracorriente

En esta época de grandes empresas, como la conocida Pixar, que realizan millonarias superproducciones basadas en animación 3D por computadora, el autor de este blog, con la intención de ir contra la corriente ( como muchos animadores), realizó este pequeño video sobre una aventura espacial. Animación artesanal, casera, en blanco y negro, que nos transporta a comienzos del siglo pasado, a los primeros días de los dibujos animados en el cine.


Disculpas por las posibles fallas del video, consecuencia de los pocos y sencillos recursos técnicos utililzados en su realización.

DEL EMPRESAURIO AL E-MPRESARIO.

Este interesante dibujo de Brian Ajhar mostrado arriba, publicado en Fortune Americas en mayo de 1999, muestra la evolución del viejo empresaurio al futurista e-mpresario.

Los empresaurios, esos dinosaurios reconocidos no precisamente por su color verde reptil, sino por sus trajes grises, representan al típico administrador de una época, donde el mundo estuvo dividido en dos mitades, por un lado, el socialismo con su economías controladas por un estado centralista, y por el otro, el capitalismo. En el lado capitalista, era la época donde las empresas todavía no tomaban en cuenta la terceriarización, ni al cliente como su principal objetivo. El marketing era algo secundario dentro de la gestión empresarial. Solo se dedicaron a producir, producir y producir, pues siempre vendían lo que producían, sin problemas. Compartiendo la misma dura rigidez y la poca visión, no había mucha diferencia entre el socialismo detrás del muro de Berlín y el antiguo capitalismo.

Pero ahora estamos viviendo otra época. El mundo globalizado de los e-mails y de los e-business, es el mundo de los e-mpresarios, donde los empresaurios son una especie en vías de extinción, a pesar de que hay algunos que se resisten a morir.

A fines del siglo pasado, los cambios en el mercado y las nuevas tecnologías, fueron las causas de la aparición de los e-mpresarios, una nueva clase de hombres de empresa, capaces de afrontar los retos del siglo 21, entre los cuales se pueden nombrar, a Larry Page y Sergey Brin fundadores de Google, a Jerry Yang y David Filo fundadores de Yahoo, a Jeff Bezos de Amazon, a Pierre Omidyar de eBay, a Mark Zuckerberg de Facebook, etc, etc, etc.

¿Cuales son las características de un e-mpresario que enfrenta al s. 21?

Velocidad, capaz de vivir a mil por hora, como el nombre de una popular canción. Ser un administrador extraordinario del tiempo, ya que ahora este vale más que el mismo oro. Adaptarse a los cambios, si es que no quieren terminar como los empresaurios. Mucha visión, para aprovechar con la mayor eficiencia los recursos tecnológicos y dejar de pensar que estar en Internet, es solo tener unas cuantas paginas web a manera de vitrina. Tener presente que lo más importante de una empresa son sus clientes. Poseer una gran habilidad para resolver y prevenir problemas ambientales así como laborales, esto último requiere mucha empatía y gran capacidad de liderazgo.

¿Cuantos empresaurios quedan en el Perú y cuantos e-mpresarios están apareciendo?

¿Ud. en que grupo está?

En el Perú, algunos supuestos sociólogos, autores de blogs consideran al CADE, esa conocida conferencia anual de ejecutivos, como un simple zoológico de empresaurios ¿cuál es su opinión?.

EL HELADO INCA KOLA

Hace aproximadamente un mes que el verano terminó, y uno de los productos más interesantes lanzados al mercado en esta estación veraniega ha sido EL HELADO INCA KOLA.

Dos marcas, Donofrio e Inca Kola, se han unido en este destacado ejemplo de sinergia. las dos han formado parte de la vida de los peruanos por generaciones, hasta tal punto que podrían pasar como referentes de la peruanidad. Quién no ha crecido en este país sin comer helados Donofrio o tomar Inca Kola, La Bebida de Sabor Nacional, como lo decía hace un tiempo, el eslogan de la marca.

En esta ocasión voy a tratar de acercarme al helado, para ser más específico a la envoltura y desentrañar las significaciones que esta esconde, como un producto comercial. Para tal acercamiento voy a considerar a la envoltura como un producto del diseño gráfico publicitario, pues eso es lo que es: una composición de signos visuales impresos en papel con un mensaje específico.

Algunos estudios piensan que el arte y la semiótica no conjugan, a pesar que esta última se viene utilizando desde hace tiempo en el diseño, siendo este considerado arte por muchos. Idea compartida en este blog.

Para hallar una posible salida, hay que recordar el conocido libro La Definición del Arte, de Umberto Eco, donde este autor al nombrar el texto Strutturalismo e critica letteraria, de Paolo Valori, llega al dilema de que el método estructuralista - la semiótica lo es - pudo ser aplicado al estudio de la lengua, recodando a Saussure, o al estudio de una comunidad, recordando a Levi Strauss, pero no se presta para aplicarlo al arte, al menos al llamado arte contemporáneo, donde las obras se caracterizan generalmente por su naturaleza polisémica, de múltiples connotaciones, y por lo tanto escapan a los limites de dicho método. De esta manera, llegamos a la conclusión de que la semiótica como método estructuralista, sólo puede aplicarse a determinado tipo de arte, como el diseño, y rechazar propuestas como la de Gui Bonsiepe, que no considera al diseño arte, pues para este prestigioso diseñador, son actividades con objetivos diferentes.

No es mi intención ahondar en esta polémica y sólo me limitare a dar una aproximación de la utilización de la semiótica, como método práctico de interpretación. Para este propósito consideré como ejemplo a seguir, el texto La Retórica de La Imagen, de Roland Barthes, uno de los pioneros en este campo, publicado en el libro La Semiologia.

Este trabajo será más sencillo de realizar que otros casos por ser un diseño publicitario, pues la interpretación de este tipo de imágenes es fácil, ya que el mensaje es intencional y los significados deben ser transmitidos con la mayor claridad posible.

Para empezar con el proceso de interpretación, hay que considerar que este diseño posee dos lenguajes, que voy a designar según Barthes, como el lingüístico y el icónico codificado; el primero se refiere al texto, y el segundo, a los elementos visuales de la composición: como líneas, zonas de colores, diversos trazos o dibujos. Hay que tener en cuenta que en publicidad, salvo excepciones, las imágenes están acompañadas de textos, ya que estos refuerzan y hasta dan sentido al mensaje visual.

Pasando por alto el texto que se coloca por ley en toda envoltura, como la lista de los ingredientes, los requisitos sanitarios etc.. datos que no son de interés en este caso, nos centramos en las MARCAS, como el principal texto en la envoltura, formando parte de los logotipos.

Pues lo primero que reconocemos son los logotipos de las marcas Inca kola y Donofrio, reproducidos en este diseño con todos sus atributos visuales y gráficos, y también el logotipo de Nestle, la transnacional suiza, dueña actual de la marca Donofrio, que por razones obvias no podía quedar fuera de la envoltura, pero fue reproducido en un menor tamaño, para no opacar la peruanidad de las dos marcas anteriores

Hay que recordar que cuando se empezó ha escribir quechua utilizando el alfabeto latino (español) se generó múltiples grafías para representar los fonemas. Se empezó a utilizar la K como la W. Así Inca también era Inka, quechua era kechua, o huaca era waca. Aunque no es difícil encontrar publicado Inka Kola o Inka Cola, el verdadero es Inca Kola. Al parecer el sr. Lindley quiso darle a la palabra cola, significado de bebida gasificada, una connotación que la acerque al quechua y así al ideal de peruanidad.

Dejando a un lado el texto y orientado la mirada al lenguaje icónico visual, encontraremos en primer plano sin hacer esfuerzos como parte del logotipo de Inca Kola esos trazos al costado de la marca que recuerdan al diseño geométrico inca, así como las figuras de azul claro formadas de líneas en zigzag y círculos concéntricos, sobrepuestas sobre el azul oscuro del fondo de la envoltura.

Siguiendo con los íconos visuales, hay destacar el uso del color. Azul y amarillo los colores representativos de la marcas, apelan al cielo despejado, al calor, al mar y playas, atributos del verano, la época del año de los helados y las bebidas gaseosas heladas.

Hablando del verano hay que destacar la presencia del sol rojo de Donofrio con la singular carita comiendo un helado y acompañado de una bandera peruana junto con la leyenda: vive el sabor peruano.

La semiótica nos ayuda a ver un diseño como un conjunto de signos: textos, figuras, trazos de color..., se combinan en una estructura significativa. Elementos aislados, que insertados en una escena, al combinarse configuran un mensaje, en este caso, apelando las ideas de helado, de gaseosa, de lo peruano y del verano.

El señor don Jose Lindley, creador de la bebida, se adelantó a su tiempo, quizás por se miembro de una familia de inmigrante ingleses. Vio las cosas de otra manera, cuando eligió una palabra que caracteriza lo peruano, en una época donde los referentes para marcas eran extranjeros, pues la peruanidad como valor agregado es un fenómeno reciente. Quizás eligió ese nombre con la intención de acercarse a las masas.

Dejando a un lado la búsqueda de significados y remontándonos a la historia recordamos que este acercamiento a la peruanidad esconde un lado oscuro. No hay que olvidar que la gaseosa, fue creada en 1935, época donde primaba una visión idealizada del Imperio de los Incas. Una idealización del pasado prehispánico que sirvió como símbolo para construir la idea de nación después de la independencia. Detrás de esta idealización, se escondía la miopía cultural de la burguesía de ascendencia europea que dominaba el país, y que no quería ver ninguna relación entre los Incas, con las mayorías indígenas autóctonas marginadas. Así fue creada la bebida de sabor nacional, apelando a un símbolo de una peruanidad mal formada y excluyente. Se puede decir que Inca Kola nació como parte del discurso criollo que reflejaba el sentimiento contra lo indígena.

Para concluir, EL HELADO INCA KOLA, es un buen ejemplo de cómo dos empresas con un buen posicionamiento en el imaginario peruano, como dicen los publicistas, han creado un producto simpático, para el verano, dirigido a todos, superando antiguos divisionismos sociales, en esta época donde el consumidor promedio ha empezado a valorar el adjetivo de peruano, en muchos productos. Una vez más se lleva a la práctica el ideal de unión nacional y peruanidad, que también expresó otro eslogan de la marca: Inca Kola El Sabor Que Nos Une.

HANOI HILTON

Pasó el 2008 y el país vivío la famosa cumbre APEC, donde se reunieron los representantes de 21 países, perdón, economías, como se les dice ahora.  Entre las economías asistentes tenemos a los otrora enemigos:  Estados Unidos de América y la República Socialista del Vietnam, denominación contradictoria, ya que de socialista solo tiene el nombre, pues siguiendo el ejemplo de China, abrió sus fronteras para abrazar el libre mercado con fuerza.

Al parecer, en nombre de las bondades que se pueden conseguir a través del comercio internacional, en este mundo globalizado, Estados unidos y Vietnam se han olvidado de las diferencias pasadas y de esa funesta guerra que es recordada en Norteamérica por muchos como una tragedia.  Ejemplo que deberíamos aprender los suramericanos, el de olvidar las diferencias y pasar por encima de los malos recuerdos de las guerras.

Sin embargo, en Hanoi, la capital vietnamita, no se han olvidado de los horrores de la guerra cuando se trata de recibir turistas, pues la antigua prisión de Hoa Lo ha sido convertida en un museo, el cual forma parte de la oferta de lugares que pueden ser visitados por los extranjeros.

Este museo, una herramienta más de la propaganda estatal, que a manera del Museo de La Guerra que hay en Corea del Norte, sirve para que los visitantes puedan apreciar, como unos pequeños países comedores de arroz que abrazaron el marxismo, se enfrentaron con valor al imperialismo yanqui.

La prisión de Hoa Lo fue creada por los franceses a fines del s. XIX con el nombre de Maison Centrale, para encerrar a  los vietnamitas con ideas independentistas.  Sirvió para confinar al encierro y en muchos casos a la muerte, a los prisioneros de guerra durante el conflicto con los Estados Unidos.  Hoa Lo se puede traducir como estufa u horno ardiente, pues en la calle donde se encuentra el museo, desde la época colonial, se aglomeran una gran cantidad de vendedores de estufas a carbón.

La cárcel fue llamada irónicamente Hanoi Hilton por los prisioneros de guerra en referencia a la cadena de hoteles Hilton.  Sin embargo, no tenía nada que ver con un hotel pues fue una prisión donde se cometieron los más grandes abusos contra los presos, torturándolos, en muchos casos hasta la muerte, con la condición de que se declaren como invasores imperialistas, declaraciones que fueron utilizas por los vietnamitas para ponerse en el papel de víctimas invadidas.

Se sabe de las torturas y las condiciones de vida infrahumanas por los testimonios de los prisioneros supervivientes que regresaron a Estados Unidos, entre los que se encuentra John Mccain, el ex candidato republicano.  A Mccain le rompieron las piernas y tuvo que caminar con muletas, y no ha logrado, pese al largo tiempo pasado, recuperarse totalmente de las secuelas que le dejaron los cinco años de prisión.  Estos hechos han sido maquillados por el gobierno vietnamita, diciendo que el trato a los prisioneros no fue tan duro y afirmando en un principio que Hoa Lo no sirvió para confinar prisioneros de Estados Unidos, sino bandidos y piratas.

La antigua prisión, de la cual solo queda una parte, ya que la mayoría de la construcción fue derrumbada, se ha convertido en pieza más de la oferta turística de este país, que como el Perú, es una economía pequeña que trata de conseguir afanosamente tanto inversiones extranjeras como turistas extranjeros.  Dentro de este contexto capitalista donde ya nadie en Vietnam piensa en la revolución, no es extraño que el país tenga su propio hotel de la cadena Hilton, llamado: Hilton Hanoi Opera Hotel.  Ironía del destino.

Así como en algunos países se elaboran propuestas para utilizar el patrimonio cultural de una manera poco digna, como parte de proyectos comerciales, en Vietnam se maquillan los horrores del pasado para colocarlos en un escaparate, convirtiendo una antigua prisión en un museo y a éste, en una tienda del horror.

MUSEOS, MÁS ALLÁ DE LAS MIRADAS

Considero que el indagar en la ideología propia de los museos, es decir, la ideología que influye en las acciones y las preferencias de sus directivos o de los patronatos que los apoyan, es una actividad interesante, útil, por lo tanto necesaria.

Recordando la popular frase de Campoamor, el mundo es del color del cristal con que se mira, nos preguntamos ciertamente de que color es el cristal que utilizan los responsables de museos para apreciar la realidad circundante, o mejor dicho, cuales son las ideas que determinan sus relaciones con la comunidad.

 

Transcurridos tres años de la exposición Thomas Struth: Imágenes del Perú, del fotógrafo alemán Thomas Struth en el MALI (Museo de Arte de Lima), he vuelto a leer el folleto de dicha exposición y me llamó la atención una foto utilizada como presentación en el mismo.  Una imagen grande, que cubre casi toda la cara del folleto.  Fotografía de una calle subiendo un cerro con un mototaxi estacionado.  Una escena propia de un barrio popular en algún punto de las periferia limeña.  

¿Qué significa esa imagen? ¿porqué el MALI la colocó en el folleto que sirvió de presentación de dicha exposición?.  No deseo una respuesta por parte de los responsables, sino buscar las razones de la colocación de esa fotografía en el folleto, apelando al descubrimiento de las ideas que se esconden detrás de esa decisión. 

Quiero ir más allá, de la necesidad de utilizar esa foto con motivos promocionales, pues es la imagen de la exposición más representativa de esta ciudad.  Sobre todo para una mirada extranjera.  Llegar a las ideas: clichés, estereotipos o prejuicios, que se esconden detrás de la decisión de usar la foto de esa manera. 

Es conocido que el escenario que muestra la mencionada foto, está alejado de la Lima donde los responsables del MALI realizan sus actividades cotidianas ¿acaso fueron contagiados por el entusiasmo de Struth sobre esta ciudad? 

Al parecer Thomas Struth se quedó pasmado por una ciudad como Lima, que le ofreció escenarios urbanos diferentes a los que estaba acostumbrado a fotografiar - sobre todo en la zonas periféricas populares -, pues su carrera como artista visual se desarrolló entre Europa y Norteamérica.  

Parece que el descubrimiento de América todavía continua.  Descubrir en ella novedades exóticas propias de esta tierra, genera entusiasmo y fascinación.  Fascinación que empezó desde el s. XVI cuando América fue vista como la tierra de las utopías; entusiasmo que se manifestó en el espíritu emprendedor de las expediciones de Humboldt, de Darwin o de Malaspina.  Esta fascinación y este entusiasmo por lo exótico de las tierras americanas no ha terminado aun, sobre todo al sur del Río Grande.  Pues ya no se busca el Dorado, ni la fuente de la juventud en la Florida, pero si se deja Europa para fotografiar lo pintoresco o quizás lo tercermundista de Lima.  ¿Qué tan contagioso es ese entusiasmo? 

Hay que tener en cuenta que la fotografía es parte de la colección de la galería de arte Marian Goodman.  Desde Duchamp, estamos consientes de que son las instituciones las que le dan el valor de obra de arte a los objetos.  Si esa foto hubiera sido tomada por un reportero para salir en un periódico limeño, como parte de una nota periodística sobre un asesinato, nunca hubiera sido considera como obra de arte y menos utilizada por el MALI. 

El Perú es un país dividido, donde la comunicación entre ciertas fracturas ha sido, en algunos momentos históricos, imposible, peor aun, la única comunicación posible desgraciadamente fue la violencia (Buntinx).

Al estar consciente de este divisionismo, se podría interpretar a ésta imagen como un puente entre dos sectores incomunicados:  el museo y la periferia de Lima, donde no se desarrollan programas culturales con el apoyo de las instituciones museísticas.

Esta comunicación me hace recordar, la conocida posición de varios artistas entre los que podemos mencionar a Herbert Rodriguez.  Según esta posición, el MALI es un bastión de la burguesía limeña, la cual, con sus prejuicios mantiene una posición excluyente con respecto a ciertas manifestaciones culturales, que no son reconocidas por el Establisment limeño.

 

Esta supuesta descomunión entre el museo y las mayorías, es de larga data en nuestro país y se remonta casi hasta el nacimiento de la República.  Como lo describe uno de nuestros museólogos más prestigiados.

...una burguesía criolla que al no poder emular a los museos europeos no se interesó por crearlos aquí con los objetos de la cultura nativa. (...)  Sólo cuando el campo presiona a la ciudad se comienza a hablar de “ identidad nacional”  (Castrillón p. 11, 1986).

El desinterés de crear un museo nacional, es consecuencia de la miopía de la burguesía para ver a las mayorías segregadas.  Según un conocido y destacado científico social, una verdadera ceguera para lo que no se quiere conocer.

A diferencia de las formas clásicas de segregación que se caracterizan por hacer notoria el estigma diferenciador, la mirada simplemente suprime lo que no quiere ser visto ni tocado y menos entendido  (Nugent p. 17).

No se desea ver lo que no se quiere entender.  Actitud común en una ciudad como Lima. Un ejemplo de esto, lo podemos leer en un interesante artículo sobre la discriminación, que comenta el comportamiento de los jóvenes que frecuentan discotecas exclusivas. 

...exigen alternar con “gente como ellos” porque solo así, en la homogeneidad, se sienten cómodos (...) están cargados de temores y prejuicios, así como de una gran flojera cultural que les impide esforzarse por entender todo aquello que sale de su norma  (Moscoso p. 36).

No solo una falta de visión hacia lo “popular” sino también hacia las novedades, dentro de la práctica no “popular” del arte.  Anclados en una visión reacia a renovarse, ciertos responsables de la promoción cultural, son indiferentes a las expresiones contemporáneas de avanzada, en el área de las artes visuales.

En esta época de tolerancia e inclusión, surgen propuestas como la exposición El Final del Eclipse, donde como en un eclipse que termina y se puede ver el astro que fue ocultado, se logra apreciar al arte contemporáneo latinoamericano, que por puros prejuicios no fue valorado (Jiménez).

Aparte de la foto mencionada, el MALI está empezando a trazar verdaderos puentes comunicacionales.  Como parte de esta iniciativa, se puede mencionar al programa MALI CONTEMPORÁNEO, que tiene como objetivo coleccionar el arte de los últimos años.  Obras, en un mayor número, de artistas jóvenes, que hace sólo un par de décadas no habrían sido valoradas y por lo tanto tampoco aceptadas.  Un hecho sintomático del cambio de criterios en la valoración del arte.

Junto al arte contemporáneo, el MALI, ha empezado a formar su colección de arte “popular”.  Así, el museo sintoniza con la propuesta de Alfonso Castrillón: un nuevo sistema, que acoja tanto a las nuevas expresiones, como a las llamadas “populares”. 

Según Castrillón (p. 56, 2004),  la nuevas propuestas como el video-arte, enmarcadas dentro del arte contemporáneo, así como las expresiones regionales, herederas de fuertes y antiguas tradiciones, conocidas como artes populares; necesitan ser vistas bajo un nuevo sistema, pues por sus características en cuanto a su producción, distribución y consumo, no pueden ser consideradas por el caduco Sistema de las Artes de Occidente.  Sistema que definió y legitimó el concepto de arte durante unos cinco siglos, desde el Renacimiento hasta la década del 70, y que dejó de ser pertinente en el contexto actual de la posmodernidad, o de las llamadas modernidades alternativas en el caso del Perú, o de América Latina.

Quizás, en cierta manera influídos por la propuesta MICROMUSEO de Gustavo Buntinx, donde no se establecen relaciones de poder cultural entre las elites del centro y de la periferia, sino para vehicular nuevas y propias COMUNIDADES de SENTIDO.  En una actitud descentralizadora y democrática, están desarrollando proyectos, donde la nuevas colecciones son exhibidas fuera del local de la institución, buscando establecer nuevas formas de relacionarse con la comunidad.  Como dice un folleto del MALI:  El programa ofrece un espacio de encuentro y debate para acercar el arte a la sociedad y formar nuevos públicos.

Así que detrás de la nueva mirada de MALI, encontramos no los

mismos (pre) juicios históricos de siempre, sino la intencionalidad de superarlos.

REFERENCIAS

Buntinx, Gustavo.   La Tentación Autista.  Notas a una Instalación Imaginada. 

Texto curatorial elaborado para la instalación: Tiempo Detenido, de Runcie Tanaka.

I Bienal Iberoamericana de Lima, 1997.

Castrillón, Alfonso.  El Museo Peruano: Utopía y Realidad.

Lima, 1986.

Castrillón, Alfonso. “Consideraciones Provisionales sobre el Fin del Arte”, en: Illapa, Nº 1, Año 1, Lima, diciembre 2004.

José Jiménez.  El final del Eclipse.  

Catálogo de exposición, Fundación Telefónica, Lima, 2004.

Mali Contemporáneo.  Adquisiciones y Donaciones  2008.

Folleto de Exposición, MALI, Lima, 2008.

Moscoso, Rocío.  “Discriminación en el Perú”, en: Debate, 

Vol. XX, Nº 104, Lima, diciembre 1998 – enero 1999.

MICROMUSEO (Al fondo hay sitio).

http://www.micromuseo.org.pe.

Nugent, Guillermo.  “Las Escisiones del Gusto”, en: Perú Resistencias.  

Catálogo de exposición, Casa de las Américas, Madrid, 2001.

Thomas Struth: Imágenes del Perú

Folleto de exposición, MALI, Lima, 2005

Simplemente METEORO

A pesar de las críticas que le han dirigido a la película Meteoro, basada en el popular anime, de ser un producto fallido que solo funciona para fans y el público infantil, y que no es más que una mezcla de colores que dan vértigo, junto a una historia inocente y fofa, no se puede pasar por alto el hecho de que Meteoro es un gran ejemplo, si se considera la cantidad de referentes a las artes plásticas que posee.

En primer lugar, Meteoro le debe su estética, en términos generales, al Pop Art. Tanto así que los famosísimos hermanos Wachowski, artífices de la película, han llamado al estilo de esta: poptimista, que se caracteriza por sus luces y colores llamativos. Y así como al Pop también al Comic. Por sus cualidades visuales, cada escena parece más una viñeta sacada de una historieta, que una toma cinematográfica y al verlas enormes, proyectadas en el ecran, nos pueden hacer recordar a los trabajos de Roy Lichtenstein.

La cualidades visuales de la película, nos hacen recordar a cierta influencia sesentera, que se nota no solo en el Pop Art, sino también en el look de los actores, que es el mismo de los personajes originales del anime, así como al estilo característico de esa década, el: A go go. También no recuerda a ciertos rasgos de una estética espacial futurista acaramelada como la de Los Supersonicos ( The Jetsons ).

No hay que olvidar que el titulo original del anime en 1967 fue Mach go go go, ¿simple coincidencia?. Desgraciadamente ya no esta vivo el creador de la serie, Tatsuo Yoshida, para preguntarle el porqué de dicho título, que no tiene traducción al español. Pero las coincidencias no existen, pues si aceptamos esto, estamos aceptando el azar, y este solo existe aparentemente a nivel subatómico, solo aparentemente, pues como dijo Einstein: Dios no puede estar jugando a los dados con el mundo.

Aparte del futurismo adulcorado infantiloide que nos hace recordar a Los Supersonicos, y los colores Pop a lo Andy Warhol, Meteoro nos aproxima a un futuro no tan dulce, de enormes edificios a lo Blade Runner. Estos edificios, símbolos del poder corporativo o dictatorial, nos hacen recordar a los diseños de Paolo Soleri y sus ciudades verticales a manera de edificios gigantescos, así como también a los dibujos de Antonio Sant Elia o de Hugh Ferris.

Lo anterior es remarcado nada menos que por el protagonista de Meteoro, Emile Hirsh, quien dijo: es una mezcla de Blade Runner y Andy Warhol.

En la línea del arte contemporáneo, aparte del Pop y del Comic, algunos collage de imágenes en el blanco y negro insertadas en escenas a color, nos pueden hacer pensar en los trabajos de Robert Rauschenberg.

Como se dijo al comienzo, los referentes de Meteoro abarcan el universo de las artes visuales como en el final de la película en la gran carrera. Los haces luminosos que cruzan la pantalla, nos recuerda a los primeros gráficos animados utilizados en el cine como los de la película Tron de 1982, a la estética de esas calles llenas de letreros luminosos y por supuesto al arte de luces de Dan Flavin. Efectos de luces que también aparecen en la impresionante carrera en el tubo de hielo, cuya entrada en forma de una boca abierta alude a la escultura en ese material.

Estos ejemplos, son una muestra de la grandiosa impronta artística que los Wachowski dejaron en esta película, entre los cuales también podemos describir a las llamativas escenas de aventuras en diferentes contextos geográficos, sobre todo en la carrera llamada Casa Cristo. Tipo de aventuras propias del anime original, que se desarrollan en diversos escenarios internacionales.

La partida de la carrera Casa Cristo, sucede en un ambiente no europeo. Una combinación de ambientes fuera de Europa con aventuras exóticas, que sin dar señas de pertenecer a un país o una región en especial, los elementos que muestran hacen referencia sobre todo al Oriente, empezando por los esos edificios con las famosas cúpulas de cebolla, propias del Kremlin, tan comunes en la arquitectura de los templos en casi toda el Asia. Así como también el bosque de columnas que cruzan los competidores al comenzar la carrera y que recuerda a la Alhambra de Granada.

Así como el crítico de arte Luis Lama, consideró que el vídeo hecho para la canción Sledgehammer de Peter Gabriel, es prácticamente un compendio de las artes visuales del siglo XX. De la misma manera, se puede afirmar sin llegar a tanto, que esta película es una de los grandes ejemplos del cine, que le deben mucho a las artes plásticas en general.