Cristal Azul

Lady Gaga y la Polaroid

2012-01-09T17:27:00.000-08:00

Dispositivos diseñados por la artista y su equipo por encargo de la famosa marca de cámaras fotográficas instantáneas: entre el minimalismo y lo estrambótico.

http://foroalfa.org/articulos/lady-gaga-y-la-polaroid

UNA NUEVA FORMA DE PRESENTAR LIBROS: EL BOOK TRAILER

2011-11-08T19:48:00.000-08:00

EL INICIO DE LA PRIMAVERA DE PENELOPE FITZGERALD

Augusto Salazar Bondy y la estética moderna

2011-11-01T19:41:00.000-07:00

Sexta iluminación: Augusto Salazar Bondy y la estética moderna

13 monos

El reto de las identidades y la multiculturalidad

2011-11-01T19:32:00.000-07:00

El reto de las identidades y la multiculturalidad.

Martín Hopenhayn

2011-10-20T21:06:00.000-07:00

Hotel California en versión Iphone

No hay una empresa global más californiana que Apple

Recordando a Steve Jobs.

Hotel California

MAREA NEGRA

2011-10-09T15:46:00.000-07:00

MAREA NEGRA

Tiempo de Cambio

Eduardo Cochachin, joven pintor egresado de la Escuela de Bellas Artes, presenta esta vez en Bruno Gallery su quinta exposición individual.

Esta muestra titulada MAREA NEGRA, tiene como propósito motivar una reflexión acerca de esos vacíos comunicativos que aparecen en los intercambios de propuestas sobre la contaminación y los problemas que esta genera. Como por ejemplo, una gigantesca marea de petróleo que daña las costas.

Eduardo representa los vacíos mencionados, negando el texto, en esos globos típicos de las viñetas que contienen las conversaciones de los personajes en las historietas. Elementos que ya forman parte de su lenguaje plástico.

Esta exposición es una búsqueda que indaga en las construcciones geométricas del Perú precolombino, así como en sus colores: rojo, rosado, ocre, azul y verde. Referentes de un pasado lejano que se manifiestan en un lenguaje contemporáneo, como parte de las propuestas actuales, con el propósito de hacernos recordar el antiguo nexo entre la humanidad y la naturaleza. Nexo que se fue debilitando a partir de la revolución industrial, para ser desgraciadamente reemplazado por el nexo entre la humanidad y lo artificial, llegando hasta poner en peligro al planeta.

MAREA NEGRA, es por lo tanto un llamado a recapacitar acerca de esa indiferencia que a veces se manifiesta hacia las comunidades humanas que se perjudican por la contaminación, o por la voracidad capitalista que no respeta la naturaleza. Lo más triste de esto, es que dicha indiferencia es la causante de silencios, donde todo intento de comunicación fracasa y a veces es remplazado desgraciadamente por horrores.

Rafael Llimós

Del 7 al 22 de octubre 2011en Bruno Gallery

E. Cochachin

www.artcochachin.com

L P PALOMINO

2011-09-10T13:05:00.000-07:00

Bruno Gallery presenta esta vez a José Luis Palomino en su primera exposición. Un caso especial dentro del mundo de las artes visuales.

Es especial, porque José Luis es un pintor de automóviles, con un talento excepcional para el arte. Su arte en clave pop, lo realiza sobre diversos soportes: lienzo, madera (MDF) o vinilo, pintando con los mismos materiales que utiliza en los vehículos: pinturas acrílicas, vinílicas y el uretano automotriz a manera de barniz; como también vinilos adhesivos calados a mano. Un trabajo manual de taller, alejado de las computadoras u otras facilidades del s. XXI.

Somos parte de una cultura urbana de masas, una cultura popular de alcance mundial, una sociedad caracterizada por la difusión masiva de imágenes. Muchas de estas imágenes se han convertido en los íconos representativos de este contexto cultural global.

José Luis toma precisamente los íconos populares propios de la cultura global, como figuras de la música rock, género musical de su preferencia, o personajes de anime japonés, y los traslada al contexto limeño. Los sitúa en el escenario de la Lima popular consiguiendo una yuxtaposición entre lo popular local y lo popular global, un mix que nos atañe a todos.

Como parte de su propuesta pop/ular, pinta sobre LPs a manera de cuadros redondos, imágenes de rockeros famosos. Siendo un artista pop tiene por referente a Andy Warhol, y como Warhol que tuvo su Factory, José posee un espacio dentro de un taller. Un taller de mecánica donde él se encarga de la pintura de las carrocerías y de las placas de rodaje, pero también es el taller (atelier o factory) donde el artista que es José, trabaja sus magnificas creaciones visuales.

Rafael Llimós

L P Palomino

del 9 de setiembre al 4 de octubre

Bruno Gallery

Francia 565 Miraflores

Lima - Perú

ABSTRACTO

2011-08-07T14:33:00.000-07:00

Carlos Lévano, artista plástico egresado de la Facultad de Arte de la PUCP nos trae en esta propuesta, un ejemplo de uno de los dos caminos que ha seguido en el arte: la pintura abstracta y el dibujo de historieta.

En esta ocasión, alejándose de los elementos visuales de la historieta, tales como las formas reconocibles de la realidad cotidiana y las influencias de las llamadas artes gráficas, Carlos presenta seis pinturas abstractas, las cuales construye sin ninguna argumentación racional, improvisando a partir de una base predefinida, como el Jazz, música que muchas veces escucha mientras trabaja en sus composiciones.

Cada trabajo suyo comienza con un impulso, más que con una idea, y a partir de allí, él empieza a construir con colores, estructuras visuales que remiten al recuerdo de una novela, de un poema, o de una canción. De esta manera, se podría decir que Carlos trabaja a partir de ciertos vínculos construidos entre sus propuestas plásticas y otras artes, como la literatura o la música. Por eso en sus pinturas se esconden esos elementos básicos que comparten toda creación artística, más allá de la diferencias entre géneros o disciplinas.

Entre sus influencias podemos encontrar, según el artista, a los peruanos Ramiro Llona y Giorgio de Giovanni, y entre los extranjeros a maestros como Tàpies y Rothko. Grandes artistas que marcaron a Carlos como pintor, tanto en el uso del color, como también con las texturas en el caso del Tàpies.

Siguiendo la tradición iniciada por Kandinsky, basada en el objetivo de independizar al arte de toda referencia visual de la realidad, el trabajo plástico - artístico de Carlos es un camino por donde él manifiesta su interior a través del lenguaje del color. Sus gustos y emociones que lo motivan a crear.

Rafael Llimós

Abstracto en Bruno Gallery

Del 5 al 23 de agosto

CRIOGENIA

2011-08-06T14:22:00.000-07:00

Esta es la cuarta exposición individual de pintura de Aldo Del Valle Cárdenas, artista plástico egresado de la Facultad de Arte de la PUCP.

Criogenia: así es conocido el proceso de congelar los cuerpos a muy bajas temperaturas para lograr una especie de animación suspendida, con la intención de preservarlos por muchos años hasta una futura resucitación, En esta propuesta artística - plástica, Aldo simbólicamente escapa del paso del tiempo, como si este estuviera congelado o criogenizado, con la intención de yuxtaponer diferentes tiempos en un mismo momento. Recordando la frase de Einstein: La diferencia entre el pasado, el presente y el futuro es sólo una ilusión persistente.

De esta manera, sin solución de continuidad, en un instante, dentro de las limitaciones espaciales y materiales de la obra de arte, Aldo muestra los pasados, los presentes y los posibles futuros de sus personajes. Siempre posibles futuros, los cuales dependen del presente y del pasado en una red de acontecimientos gobernados por la lógica causa - efecto.

Para el trasfondo ideológico de esta propuesta, todo tiene una causa, vivimos en un universo determinista, no como lo pensó Laplace, pues el universo no es una máquina. Ahora los físicos ya no interpretan al universo como una máquina, a la manera de la Mecánica Celeste de Laplace. Sin embargo, vivimos en un mundo determinista, pero no predecible, hay que recordar el efecto mariposa de la teoría del caos. Esta propuesta es válida para todos los aspectos de la realidad, no solo en el comportamiento de la naturaleza que interesa a los físicos, sino también en las vicisitudes de la vida cotidiana. Todo tiene una causa, por lo tanto todo tiene una razón de existir. En esta exposición las causas y sus posibles efectos se juntan, pues la línea del tiempo ha sido criogenizada.

Rafael Llimós

Criogenia en Bruno Gallery

Del 5 al 23 de agosto

DIFERENCIAS

2011-07-14T21:34:00.000-07:00

El siguiente post es un comentario que hice al texto: las mujeres estamos económicamente muy mal de la escritora Patricia De Souza, que publicó en su blog: Palincesto.

DIFERENCIAS

A lo largo de la historia la mujer siempre estuvo en desventaja frente al hombre, es un hecho y es imposible cambiarlo, como es imposible desaparecer la frontera entre ricos y pobres. Estas diferencias y desventajas nunca van a desaparecer, porque son consecuencia de la naturaleza humana y los humanos no vamos a cambiar nunca, sino dejaríamos de ser humanos. Todas esas propuestas soñadoras sobre construir una sociedad mejor, sin diferencias de clases, o una sociedad civil sin Estado, han fracasado. Las famosas utopías de la modernidad. No son más que mitos.

Esas diferencias y desventajas, estan vinculadas al ejercicio del poder. Y nadie (al menos ningún humano) es totalmente imparcial o neutral como para estar desvinculado de tal ejercicio. Como dijo Cristo: quien esté libre de pecado que tire la primera piedra.

Hay excepciones a la posición desfavorable de la mujer, como por ejemplo, el Fondo Monetario Internacional tiene por primera vez a una mujer en la dirección. Los países miembros de más peso en el Fondo votaron por una mujer europea, finalmente europea, sacando de competencia al candidato latinoamericano. Otro ejemplo del ejercicio del poder y del uso de este para marcar diferencias. Prefirieron a una mujer europea que a un latinoamericano, aunque sea hombre. Un representante de los países llamados emergentes que empiezan a tener voz en el Fondo, una institución europea por donde se la mire.

Las cosas no pasan por nada, ni por capricho del destino, ni por un supuesto azar, todo tiene una causa. Como dije líneas arriba, nuestra humanidad que generalmente no nos muestra como humanos, es la causa de las diferencias y desventajas. Así es la realidad, pues no estamos en ningún paraíso.

Todo tiene una causa, pues vivimos en un universo determinista, claro no como lo pensó Laplace, pues el universo no es una maquina. Ahora los físicos ya no interpretan al universo como una maquina a la manera de la Mecánica Celeste de Laplace. Sin embargo, vivimos en un mundo determinista, pero no predecible, hay que recordar el efecto mariposa de la teoría del caos. Esta propuesta es válida para todos los aspectos de la realidad, no solo el comportamiento de la naturaleza que interesa a los físicos, sino también a nivel humano, social y sicológico. Todo tiene una causa por lo tanto todo tiene una razón de existir. Si el mundo no es un paraíso, culparemos a nuestra humanidad.

El mundo hubiera podido ser mucho peor, y ya no existiríamos, afortunadamente surgió la moral como un freno a la bestialidad humana, porque el ser humano sin moral es la peor de las bestias.

Nombré a las utopías como mitos de la modernidad. Otro mito de la modernidad aparte del progreso, es la racionalidad occidental, que generalmente ha servido de pretexto para cometer todo tipo de acciones irracionales, pues la razón no es el motor de las acciones humanas, sino el impulso sexual y sobre todo el ego.

Si fuéramos totalmente racionales, no existirían las diferencias y desventajas mencionadas al principio del texto. Pero nuestras acciones generalmente no son racionales y obedecen a necesidades, gustos, caprichos y prejuicios. Afortunadamente los principios morales han encauzado nuestra humanidad, principios que siempre han tenido un trasfondo religioso. La idea de un código de moral construido sobre la racionalidad, es otro mito de la modernidad.

Perdimos el paraíso cuando descubrimos la diferencia entre el bien y el mal.

Rafael Llimós

EL UNIVERSO…UNA CELULA

2011-05-20T23:58:00.001-07:00

EXPOSICIÓN DE PINTURA DE AZAD LOPEZ DE CASTILLA EN BRUNO GALLERY

Asad Lopez de Castilla, joven artista egresado de la Escuela de Bellas Artes, que con esta muestra a manera de una metáfora sobre el origen de la vida, trata de mostrarnos cómo surgió la misma y la relación de este surgimiento con las células. Esos pequeños, casi infinitamente pequeños ladrillos que son la parte esencial constitutiva de todo ser viviente. Todo un microuniverso.

Su propuesta artística, que visualmente nos acercan a la geometría fractal con sus gráficos recurrentes, remite tanto a las células como entidades biológicas, como a un conjunto de signos: una especie de lenguaje cósmico, quizás mágico-religioso, que nos recuerda a las Mándalas de la India. Lenguaje vinculado a la vida como un fenómeno trascendente que va más allá de lo puramente químico-biológico.

Transcendencia ligada al arte, pero también al termino autopoiesis, pensado por Asad para esta propuesta artística. Término que designa la capacidad de la vida (de las células) para continuar existiendo, ya que es capaz de autoreproducirse.

Es esa conexión que el artista quiere mostrarnos, entre la materia y lo trascendente, para motivarnos a preguntar lo siguiente: ¿somos el resultado de algún accidente en la naturaleza?, pregunta cuya respuesta quizás nunca podamos conocer.

Con esta exposición, este joven artista rinde un homenaje a la naturaleza como un conjunto del cual nosotros la humanidad, con todas nuestras células, somos partes constituyentes, formando un sistema, donde el todo es mucho más que la suma de sus partes.

(texto curatorial)

Rafael Llimós

EL UNIVERSO...UNA CELULA

Del 20 de mayo al 11 de junio

Bruno Gallery

Calle Francia 565, Miraflores, Lima Perú

evolucionismo / creacionismo

2011-05-20T23:54:00.000-07:00

A más de 200 años de la Ilustración, todavía se habla del racionalismo occidental, no aprendemos nada ¿no? La llamada razón de Occidente ha sido solo un pretexto para cometer atrocidades y ahora está colocando al planeta en un peligro eminente. Las contradicciones religión/ciencia es un típico tópico decimonónico que ya debería ser superado por esas mentes que se autodenominan racionalistas.

MONSTRUO/AMOR

2011-03-05T13:48:00.000-08:00

EXPOSICION DE AVRIL FILOMENO EN BRUNO GALLERY

Avril Filomeno artista peruana de nacimiento, con estudios en la escuela de Bellas Artes de La Paz, Bolivia, presenta su cuarta exposición individual, la segunda individual en el Perú.

En esta propuesta ella enlaza semánticamente al amor con lo monstruoso. ¿Podemos convertirnos en monstruos a causa del amor? Pregunta que me hago, después de cambiar algunas palabras con la artista, y que a mi parecer, ella la plantea como una posibilidad.

Después de ver los trabajos de pintura que presenta Avril en esta exposición, así como las esculturas blandas a manera de pequeños cojines, no es difícil preguntarme hasta qué punto podemos transformarnos en el nombre del amor.

Percibo en el universo imaginado por Avril, representado en formas, esa posibilidad de cambio, como parte de un encuentro de individualidades, que se dan en toda relación amorosa. Un intercambio de tensiones y afectos entre géneros o mejor dicho, entre sexos, donde el amor de pareja puede ser la causa de grandes transformaciones.

En el trabajo de Avril, es posible reconocer a cierta distancia una leve impronta de artistas como Tilsa Tsuchiya, David Herskovitz y José Tola, quizás sus más cercanos referentes.

Veo en el gran talento de Avril, un arte que es poseedor tanto de valores plásticos, como de gráficos, estos últimos gracias al aporte de la ilustración y el dibujo de historietas, actividades realizadas por la artista durante varios años.

Rafael Llimós

MOSTRUO/AMOR

Del 4 al 22 de marzo

Bruno Gallery

ARTIFICIALIA

2011-02-13T15:37:00.000-08:00

Exposición individual de Andrea Barreda en Bruno Gallery

Andrea Barreda, joven pintora y estudiante de la Escuela de Bellas Artes, presenta en esta exposición 8 dibujos y 3 pinturas, representativos de su universo fantástico, donde solo existen personajes femeninos. Ella considera a la feminidad la pieza clave de las fantasías que construye. Un universo surrealista donde los principales referentes son las historias de Rapunzel y de Alicia en el País de las Maravillas.

Como todo artista, Andrea busca construir su propia utopía, en este caso, la construcción es un universo cuya artificialidad se opone a la realidad, al mundo verdadero, enfrentándosele con una lógica propia o quizás una anti-lógica, recordando a las proposiciones ilógicas del país maravilloso de Alicia.

En Andrea, marcada tanto por el trabajo de Mark Ryder como por el de Frida Khalo, sus fantasías femeninas contienen en muchos casos, un cierto sentido trágico, que las vincula a la pintora mexicana.

Esta muestra, consta por un lado, de dibujos separados en dos series: la primera serie, Instrucciones para Cortarse el Pelo, es una respuesta perturbadora a la historia de Rapunzel y su larga cabellera; la segunda serie, Eso Parece un Cuervo, es una ironía acerca de la feminidad que puede ser interpretada en ciertas representaciones de animales. Del otro lado, 3 pinturas, 3 alegorías representativas de lo mundano, pero propias del universo fantástico de Andrea.

Rafael Llimós

ARTIFICIALIA

Bruno Gallery

Del 11 de enero al 2 de marzo

Calle Francia 565

Miraflores - Lima - Perú

LADY GAGA Y POLAROID: ENTRE EL MINIMALISMO Y LO EXTRAMBOTICO

2011-01-17T12:53:00.000-08:00

Ya pasó más de un año desde que, a comienzos del 2010, la mundialmente famosa empresa Polaroid contrató a la también mundialmente famosa cantante conocida por su nombre artístico como Lady Gaga. Este hecho me ha llevado a formular la pregunta del millón de dólares: cómo esta joven cantante, que tiene millones de fans, jovencitos ansiosos por consumir lo último en modas musicales, podría colaborar en el desarrollo de nuevos productos para Polaroid, empresa de tecnología conocida durante décadas en todo el mundo, sobre todo por sus cámaras de revelado instantáneo.

Es comprensible la decisión de Polaroid, que durante épocas tuvo a la fotografía instantánea como su principal y más conocido producto, de haber tenido que buscar nuevas salidas para no perecer o estancarse en esta época de la fotografía digital, donde el sistema de revelado instantáneo ha pasado a ser una reliquia de museo.

Para no quedarse atrás Polaroid ha incursionado en la fotografía digital, aparte de otros negocios relacionados con la imagen y la electrónica, como la fabricación de pantallas planas. Como sus principales productos van dirigidos a los consumidores finales, generalmente jóvenes aficionados a los gadget, la empresa ha tomado la decisión razonable de contratar a un ícono de la cultura juvenil como lo es Lady Gaga.

Es interesante el hecho que Lady Gaga ha creado un grupo de especialista para que se encargue de todo lo relacionado con la parte visual de sus presentaciones tanto en conciertos como en videos. El grupo conocido como Haus of Gaga toma el nombre de la Bauhaus, la conocida y mundialmente influyente escuela de diseño de la Alemania entre las dos guerras.

Dejando los prejuicios a un lado, lo que me llama la atención, pues no es un fenómeno común, es que un grupo formado por una cantante y su equipo creativo compuesto sobre todo por estilistas, maquilladores, diseñadores de vestuario y de escenarios, así como gente de profesiones parecidas, puedan aportar al diseño industrial de productos electrónicos. En un extremo están los artistas del espectáculo y en el otro los ingenieros, al parecer Polaroid ha hecho un interesante trabajo al tender un puente entre los dos extremos. Al fin y al cabo, Haus of Gaga no se dedica al desarrollo de la parte electrónica, ni al software, ni a la investigación sobre la utilización de nuevos materiales, ellos solo contribuyen con el look de los artilugios.

De esta colaboración, surgió la marca Gray Label, nombre que es comprensible por el color gris, empleado de una manera significativa en los tres aparatos, salidos de esta unión creativa.

Sin embargo, la imagen de Lady Gaga no corresponde con el estilo de los tres productos diseñados como resultado de la colaboración con Polaroid. La imagen estrafalaria y exagerada en todos los sentidos de Lady Gaga como artista, estaría más en sintonía con una estética contemporánea acorde con estos tiempos ecológicos, donde colores como el azul o el verde, deberían tener más importancia que el gris o el negro.

Estos productos están marcados por un mix, que se lo puede definir como una combinación de una estética industrial, el minimalismo electrónico de caja negra de los 70s - 80s y un look al estilo de la arquitectura Hi-Tech, como por ejemplo, la obra de Norman Foster. Al parecer sus productos están más pensados para un público formado por yuppies cuarentones, que la chiquillada universitaria, los principales seguidores de la cantante.

La empresa de la fotografía instantánea quizás debería fijarse en Apple, cuyo diseño de sus principales productos como el iphone, el ipod, el ipad y el imac, sin dejar de ser sobrios y casi minimalistas poseen un toque juvenil y cierta calidez. La primera imac de 1998 con sus colores frutales es un estupendo ejemplo.

De las tres novedades, el anteojo para sol nombrado GL20, que permite ver imágenes por poseer pantallas incorporadas y que además tiene una cámara de fotos, es un derivado de los anteojos que salieron en el video de la canción Poke Game. De los tres, esta es la creación más típicamente Lady Gaga, tanto por el diseño como por las funciones que ofrece el aparato.

La siguiente creación, llamada GL10, no deja de ser una impresora portátil para imprimir fotografías digitales. Productos parecidos son ofrecidos por otras marcas como Kodak, por ejemplo.

El tercer artilugio es el llamado GL30, una combinación de impresora y cámara digital en un solo aparto portátil, que nos hace recordar a las cámaras de revelado instantáneo propias de la marca, pues nos permite tomar e imprimir al instante, permitiendo también la impresión desde otros aparatos como computadoras o teléfonos móviles. No deja de ser un diseño retro de caja negra con cierto look industrial, que tiene como referente a las cámaras Polaroid de antaño. De las tres novedades, esta es la más Polaroid y por lo tanto la menos Lady Gaga.

Lady Gaga como parte de su estilo estrambótico, también se presenta sin tanto colorido, ofreciendo una imagen donde prevalece el negro, como una princesa neogótica, que nos puede hacer recordar a Morticia de los Locos Adams. Quizás este estilo dark como dirían algunos jóvenes, ha marcado el diseño de los tres aparatos, así como la creación del nombre Gray Label, que parece más una calificativo para un whisky caro, que para un bebida gaseosa, bebida más vinculada a la edad de los seguidores de Lady Gaga.

I LOVE GOD

2011-01-14T12:03:00.000-08:00

PRIMERA EXPOSICION INDIVIDUAL DE PINTURA DE LUIS FELIPE SALCEDO EN BRUNO GALLERY

En esta exposición, la primera individual de Luis Salcedo, este joven artista egresado de la Facultad de Arte de la PUCP, nos presenta un conjunto de retratos de gran tamaño, donde los rostros están deformados con trazos de colores. Deformaciones y también desintegraciones, que según el artista tienen la intención de causar una especie de shock, como un shock hipovolémico, producido por una gran pérdida de sangre y sus consecuencias: el respectivo cambio de color del cuerpo y el divagar entre la realidad y la locura por el mal funcionamiento del cerebro. Es precisamente este salto sobre la frontera entre la realidad y la irrealidad de la locura, que el artista quiere representar, donde, solo los ojos de los retratados son los únicos signos de realidad.

Son rostros deformados, marcados por una estética chicha, un sentir de la Lima provinciana. Una estética peruana -quizás en el sentido más telúrico o regionalista del término- cargada del sentir cholo de la calle, pero sometida al marco de la globalización y de todas sus influencias, de la cual nadie al parecer se puede desprender: la televisión comercial, la publicidad visual, el cine de Hollywood, el Pop Art, etc.
Es precisamente este encuentro entre lo local y lo global, que Luis nos presenta como un conjunto indeterminado de colores. Colores que a manera bizarra, el artista nos presenta como un shock, que en sus palabras, sería también la representación de un encuentro con Dios. Un encuentro que por sus supuestas características sería un gran Shock, más allá de los límites de la realidad.

A pesar de las diferencias entre lo local y lo global, de las fricciones chocantes que pueden aparecer en el intercambio entre diversos actores sociales, a causa de los complejos y lo prejuicios, es en esta época de tolerancia, que nos acercamos cada vez más al “otro” y reconocemos en él una parte de nosotros mismos: una muestra de amor, que como todo acto amoroso contribuye a que nos acerquemos más a la divinidad, a pesar del shock que podríamos encontrar, ya que como Luis quiere manifestarnos con estos trabajos, el Amor de Dios.

Entre los retratos tenemos a:

· Chlöe Seville (La rubia deseada, la mujer perfecta, que se ajusta al patrón de belleza occidental).

· Asiática Woman (Esta figura femenina, representa ciertas supuestas influencias y conexiones entre el Japón, el Asia en general, y el Perú).

· Luis Salcedo (Autorretrato, donde el artista trata de presentar su parte peruana -su lado cholo- pero vinculado a un contexto más amplio, quizás global o, cosmopolita: el cholo sideral, en las palabras del artista).
· Hombre Cerro (Una síntesis de las relaciones entre la humanidad y la naturaleza).

(texto curatorial)

Rafael Llimós

enero 2011

I LOVE GOD

Del 14 de enero al 2 de febrero

BRUNO GALLERY

Calle Francia 565 Miraflores

Lima - Perú

EXPRESIONES PRIMARIAS

2010-11-19T12:54:00.000-08:00

EXPRESIONISMO EN LA UNIFE

Exposición de pinturas de Javier Bellido Valdivia

TRAYECTORIA

Javier Bellido Valdivia
Lima, Perú. (1985)

E-mail: javierbellidov@hotmail.com
Blog: http://www.javierbellidov.blogspot.com/

Estudios

2004 – 2010
Bachiller en Artes plásticas en la Facultad de Arte de La Pontificia Universidad Católica del Perú, Especialidad de pintura.

Exposiciones individuales

2010 Pinturas “Expresiones primarias”. Galería de Arte UNIFÉ. (Lima)

Exposiciones colectivas

2010 “Piezas escogidas donde Cores”. Centro Cultural Mocha Graña. (Lima)

2010 “Una mirada a la Facultad de Arte”. Centro Cultural PUCP. (Lima)

2004 - 2009 Exposición anual. Facultad de Arte de la PUCP. (Lima)

2009 “Fronteras Nómades Grabado Latinoamericano”. (Santiago de Chile)

2009 ''EXPO/ESTUDIO/ARTE''. Galería Dédalo, primera Exposición Venta de Estudiantes de Arte. (Lima)

Premios

2008 Premio “Adolfo Winternitz”, en quinto año de pintura. Facultad de Arte de la PUCP.

Otras participaciones

2010 Participación en el libro “Línea y cuerpo”, dibujos de artistas peruanos contemporáneos.

2010 Participación en el Ciclo “Nuevo Cine Peruano”. “Parte 2 y 3”. Con la película SINMUTE presentada en el Cine Club de la Universidad Cayetano Heredia, en la Universidad Tecnológica del Perú y en el Centro Cultural José María Arguedas, CAFAE-SE.

2008 Guión, dirección, producción y filmación de la película SINMUTE, presentada en el Centro Cultural La Noche de Barranco.

EXPRESIONES PRIMARIAS

Del lunes 15 al 26 de noviembre. Horario de 9:30 a.m. a 5: 30 p.m.

UNIFE (Universidad femenina del Sagrado Corazón)
Los frutales 954 Urb. Santa Magdalena Sofia, La Molina, Lima - Perú

PEQUEÑA NOTA INFORMATIVA

LAS ESCONDIDAS

2010-11-13T21:00:00.000-08:00

EXPOSICIÓN DE PINTURA DE NINA AUGUSTSSON EN BRUNO GALLERY

Las Escondidas, es la propuesta de Nina Augustsson, joven artista nacida en Suecia pero radicada en el Perú. Propuesta que consiste en expresar la posición de las mujeres, que a veces tienen que esconderse detrás de una máscara. Esconderse para alcanzar cierta libertad o quizás como parte de un proceso que lleve a un mayor conocimiento personal, a veces también esconderse por protección, quizás para entrar en estrategias de seducción o simplemente jugar. Un proyecto artístico, que alude empezando por su título, a la parte lúdica que posee todo arte, precisamente si pensamos en el juego de las escondidas.

Su arte, impresionista por los colores que utiliza, se ha nutrido de esta nueva realidad, que significa para Nina, vivir en el Perú. Sin embargo, en sus propias palabras, su trabajo no deja de poseer un ingrediente nórdico que se hace patente en su trazo expresionista. Ella está consciente que no lo puede dejar, por más suramericana que termine siendo. Wilhelm Worringer separó el arte europeo, por un lado, el germánico nórdico y por otro lado, el latino mediterráneo; el impresionista pertenecería a este último. Sin embargo, más allá de esta división, en la obra de Nina, lo nórdico ha venido a Latinoamérica para terminar juntándose con su latinidad.

De esta manera, su trabajo pictórico, por un lado expresa la voluntad para ser considerado un símbolo del encuentro entre el norte y el sur, en esta sociedad globalizada donde cada vez más se diluye la división centro-periferia; por otro lado, expresa la posición de la mujer en el escenario artístico, tanto como sujeto-artista, como en la temática, en esta época, donde también se diluyen cada vez más las diferencias de género, sobre todo en el mundo del arte.

(texto curatorial)

LAS ESCONDIDAS

BRUNO GALLERY Del 12 al 30 de noviembre, Calle Francia 565 Miraflores Lima – Perú

DEL OTRO LADO

2010-10-30T15:05:00.000-07:00

Exposición/Instalación de Atal Barzai (Gary Villafuerte) en Bruno Gallery

Representación visual de la propuesta expositiva de Gary

Esta exposición/instalación de Gary Villafuerte, es la representación visual de una historia, donde el protagonista cruza la línea que separa la realidad de un escenario ficticio, al interior de un videojuego.

Como en una novela situada entre la Fantaciencia y el Cyberpunk, el protagonista Atal Barzai, alter ego del artista, entra en un universo virtual haciéndonos recordar a filmes como TRON o MATRIX. Es allí, DEL OTRO LADO, en esa realidad inventada que existe gracias a los videojuegos, que el protagonista trata de liberarse y liberar a la humanidad, de la hermandad secreta de los Radeptos, quienes han sometido al planeta a sus dictámenes.

Para romper con ese dominio, necesita del MTU (microprocesador de túneles de realidad), un dispositivo que los Radeptos escondieron dentro del videojuego RESIDENT EVIL.

Para el artista, los Radeptos representan a la razón occidental y Atal Barzai pretende liberar mundos múltiples y paralelos obteniendo el MTU. Este discurso puede ser interpretado como una propuesta donde las “virtualidades” a manera de proyectos artísticos, son parte de un universo formado por diversas alternativas culturales, todas válidas, dentro de un marco donde la tradición occidental burguesa ha dejado de poseer la hegemonía cultural, para dar paso al paradigma de la diversidad, dentro del multiculturalismo actual.

Un ejemplo del arte del s. XXI. Un signo de este tiempo, donde está de boga lo “virtual”. Recordando a Baudrillard, pensamos que el arte está en todas partes y que la realidad es el simulacro de un aparentemente ilimitado museo, en este caso, el simulacro (la realidad) se confunde con los sonidos, los gráficos y la fantasía de los videojuegos.

(texto curatorial)

Atal Barzai entrando al videojuego

(acción en una secuencia de imagenes)

DEL OTRO LADO

Del 29 de octubre al 10 de noviembre
La exposición permanecerá abierta en el horario de 5 a 9 p.m.
Bruno Gallery – Calle Francia 565 b Miraflores
Telf: 2418806

RECYCLED DOLLS

2010-10-30T13:31:00.000-07:00

Exposición de las muñecas de Carmen García en Bruno Gallery

Las 12 muñecas de Carmen García y 4 de sus historias

En esta posmodernidad, época de reciclajes y relecturas, Carmen re-utiliza diversos elementos que ella considera muertos, para otorgarles vida, al ser escogidos como las piezas necesarias en la construcción de sus muñecas. Sus muñecas nos hacen recordar el lado lúdico que posee todo arte, al ser éstas, los juguetes más queridos de muchas infancias.

Sin embargo, las muñecas de Carmen no son precisamente para jugar, a pesar de que ellas como propuesta creativa se sitúan entre la fantasía y la realidad. Son más que todo, creaciones para ser observadas, y por ende, percibirlas como símbolos tanto de lo bello como de lo macabro.

Estas muñecas, que nos hacen recordar a elfos, duendes y pequeñas hadas, son protagonistas de ficciones elaboradas por la joven artista. Cuatro de estas historias son mostradas en esta exposición como escenarios enmarcados, como si las muñecas tuvieran vida, al ser actrices de sus propias historias.

La carga surrealista del trabajo de Carmen, nos recuerda a la Muñeca de Hans Bellmer, famosa dentro de la historia del arte. Figura articulada donde el autor ha querido representar a través de una erotización del cuerpo, a la libido, como un impulso que fluye desde el subconsciente.

Carmen también parte del subconsciente, la fuente del surrealismo, para mostrarnos que lo bello y grotesco, siendo valores aparentemente opuestos se relacionan, en una suerte de dialéctica que forma parte de la vida.

(texto curatorial)

Algunas muñecas de Carmen

Constance 1

La Novia de Luto
La Mona

La Bailarina Gorda 1

La Bailarina Gorda 2

Death Can Dance

Constance 2

RECYCLED DOLLS
Del 29 de octubre al 10 de noviembre
La exposición permanecerá abierta en el horario de 5 a 9 p.m.
Bruno Gallery – Calle Francia 565 b Miraflores
Telf: 2418806

ICONOS DE GUERRA

2010-10-13T19:13:00.000-07:00

EXPOSICIÓN DE LOS RETABLOS-LIENZO EN ACRÍLICO DE PANCHO GUERRAGARCIA EN BRUNO GALLERY

No son coincidencias, ya que estas no existen, que en las últimas décadas se hable tanto del fin de la modernidad, como del fin de la historia o de la caída de los paradigmas. Al parecer Occidente estaría entrando en sus últimos tiempos, el final de la historia, recordando a Francis Fukuyama, quien proclamó un estancamiento histórico, donde la democracia liberal junto al capitalismo, sería el único modelo económico social que funcionaría, después del fracaso de las monarquías absolutistas, las dictaduras y el socialismo.

Sin embargo, como lo dijo Gianni Vattimo, uno de los más grandes pensadores de la posmodernidad, que visitó Lima en más de una oportunidad, la historia sigue viva y posee un gran futuro en América Latina, en gran parte gracias a su latinidad, y por ende, a la capacidad elástica que tiene esta región, contraria a la rigidez anglosajona, para adaptarse a los rápidos cambios del s. XXI. Es precisamente en estas regiones periféricas, que aun compartiendo la democracia y el capitalismo de los países del norte, se está lejos de alcanzar un Status Quo. Es aquí, que se están configurando con mucha fuerza, modernidades alternativas, regionales, con tintes locales, que de manera paralela viven y comparten espacios geográficos y culturales con imperativos globales.

Es en el marco de estas modernidades alternativas, donde Pancho trabaja, tanto como artista, nutriéndose de la tradición “culta” y del arte “popular”, así como también de asesor empresarial, empujando los proyectos de medianos y pequeños emprendedores, ejemplos del llamado empresariado popular. Estos emprendimientos son precisamente señales, de que la historia aquí en el Perú todavía tiene mucho futuro por delante.

Sus 12 retablos-lienzo, son un homenaje al Perú, pues apela a sus tradiciones, como los retablos ayacuchanos, y/o también nos hacen recordar a cierta estética “chicha” propia de las calles limeñas. Pero sus trabajos, son especialmente una metáfora de Lima, como una ciudad caótica en constante ebullición, pero a la vez emprendedora. Es esa realidad, una verdadera guerra por la supervivencia o el sobresalir, que Pancho representa de manera fragmentada, recordando el trabajo de los cubistas.

Cada de una de las 12 piezas está vinculada a los meses del año. Cada cuadro-retablo es un símbolo de algún rasgo de la peruanidad, desde la diversidad cultural y la inclusión, hasta el comercio informal.

El arte de Pancho Guerragarcia, es el resultado de una extraña pero fascinante combinación de factores, que se juntan en esa línea fronteriza entre el arte y la empresa.

(Texto Curatorial)

Pancho Guerragarcia en Facebook

http://www.facebook.com/profile.php?id=1507514947

VINCULOS LIBRES

2010-09-26T19:45:00.000-07:00

PRIMERA EXPOSICIÓN INDIVIDUAL DE DAMARIS POPPE EN LA GALERÍA VÉRTICE

VINCULOS LIBRES

texto curatorial

Damaris Popper, una joven artista en cuya línea de trabajo han influido grandes maestros como el peruano Hernán Pazos o el austriaco Hundertwasser, según sus propias palabras, presenta esta vez 8 dibujos, basados en formas orgánicas, que nos recuerdan a las plantas o microbios vistos a través de un microscopio. Formas tomadas de la naturaleza, donde la línea recta y la racionalidad que ésta simboliza, están prohibidas.

Sus dibujos negros sobre el fondo blanco de la cartulina, hechos en tinta china y en algunos casos con pintura acrílica, representan la libertad para la joven artista. Libertad en las formas, a pesar de estar sometidas a los vínculos que necesariamente aparecen al ser partes de una composición.

En su trabajo es perceptible de una manera significativa, la presencia de ciertos movimientos pictóricos, como la psicodelia, por la combinación caleidoscópica de formas diversas y también el arte gráfico, que se hace sentir en los trazos de tinta.

Así Damaris, egresada de la escuela de arte Corriente Alterna, comienza con esta muestra, su primera exposición individual, un largo camino caracterizado por una actitud fresca y sencilla, propia de su juventud, que unida a la libertad creativa, ofrece un trabajo de gran calidad.

VINCULOS LIBRES

Del 23 de Setiembre al 15 de Octubre

Galeria VÉRTICE

http://www.galeria-vertice.com/

COLECTIVA PERÚ

2010-07-24T00:04:00.000-07:00

Este mes de julio, Bruno Gallery presenta una exposición colectiva de arte por el mes de la Patria.

Los artistas: Jaime Higa, Miguel Lescano, Nina Augustsson, Liliana Ávalos, José Gómez y Eduardo Tokeshi.

Ante algunas voces ingenuas sobre que algunos discursos globales y globalizadores, nos estarían llevando a una homologación cultural, se contrapone la evidencia de que la globalización, de la cual al parecer nadie puede escapar, ha hecho resaltar las regionalidades, porque una supuesta igualdad mundial, entra en el terreno de las más absurdas conjeturas.

Como latinoamericanos, estamos enmarcados dentro de la tradición latina de la Patria como un conjunto de afiliaciones regionales, entre las cuales se encuentran relaciones culturales e históricas así como tradiciones, que nos vinculan al lugar donde nacimos y/o vivimos, en contraposición contra la tradición anglosajona que le da más importancia a lo geográfico/territorial.

Es prácticamente imposible definir al arte latinoamericano, pues en la región existen diversos y diferentes espacios y desarrollos culturales, que hacen prácticamente imposible una unificación. Parecida situación sucede con el arte peruano, en donde al parecer no es posible delimitar las características de un arte que nos identifiqué, por estar conformado de manifestaciones pluriculturales, y estar sumergido todavía en la eterna y trasnochada discusión entre el arte popular y el que no lo es.

Nos preguntamos ¿cuáles son esas afiliaciones regionales que nos une a los peruanos bajo una misma patria?: la comida, el Pisco, los caballos de paso, Machu Picchu, una supuesta postura antichilena…

¿Será posible hablar de un arte peruano?, ¿cuáles son esas afiliaciones que unen a los artistas bajo una misma patria?, ¿cuáles son los rasgos que el arte debe tener para ser considerado peruano?

A 189 años de nacida la República, en el mes del aniversario patrio, Bruno Galley nos ofrece esta exposición colectiva donde un grupo de artistas nacionales, a través de sus trabajos, nos invitan a reflexionar acerca de nuestra relación con el Perú.

(texto curatorial)

COLECTIVA PERÚ

Del 23 de julio al 4 de agosto

BRUNO GALLERY

Calle Francia 565

Miraflores

Lima

brunogalleryperu@gmail.com

EXPRESIONES DESDE LA PERIFERIA: EXPOSICION QALLARY EN LA GALERIA YACHAY

2010-07-10T14:40:00.000-07:00

Exposición Bipersonal de Pintura en la Galería de Arte Yachay

Lima, como la mayoría de las ciudades sudamericanas, por su posición periférica, se encuentra alejada del circuito internacional del arte. Sin embargo, a pesar del alejamiento, esta ciudad posee un importante circuito artístico local, constituido por algunas galerías y escuelas de prestigio. Entre las cuales, una más que otra, ha tenido la oportunidad de relacionarse con instituciones vinculadas al mencionado circuito internacional. A pesar de esto, hay algunos lugares relacionados con el arte, que ni siquiera figuran dentro de este circuito local, ubicándose en lo que se podía llamar la periferia de la periferia. Tenemos el ejemplo de la galería Yachay escondida en el distrito de Independencia. Un ejemplo de la dinámica emergente en las zonas alejadas del centro y/o de los circuitos “oficiales”, si es que queremos todavía percibir a Lima enmarcada dentro del típico esquema metropolitano de centro y periferia. Porque más que un centro, esta ciudad está empezando a tener varios, en un proceso expansivo, donde dejará dentro de poco tiempo ser una metrópolis, para convertirse en una megalópolis con varios centros y más de 10 millones de habitantes.

En este mes de Julio, la galería Yachay, les da la oportunidad de exponer a dos jovencitas, Gabriela del Rosario Garriazo Mermao y Ahimelec Rina Tolentino Bravo de 17 y 15 años respectivamente, que viven en la zona y que han decidido tomar a las artes plásticas en serio, no solo como un pasatiempo, mostrando una interesante trayectoria ganada a pesar de su juventud. Esta exposición, no es más que una muestra de la labor que esta galería viene desarrollando desde hace varios años, que más que ser una galería de arte propiamente dicha, es un esfuerzo que ha permitido articular a la población del la zona, sobre todo los jóvenes, con las artes visuales a través de exposiciones y talleres. Una población que por su posición periférica está alejada de los emprendimientos artísticos pertenecientes a la Lima tradicional, y que gracias a iniciativas como Yachay han podido superar este distanciamiento y acercarse más al arte.

El siguiente texto pertenece al director de la galería y fue publicado en el folleto de la exposición.

Gabriela del Rosario Garriazo Mermao y Ahimelec Rina Tolentino Bravo, son jóvenes talentosas que nacieron con ese don que la sabia naturaleza les ha dado, desde niñas tenían las mismas inquietudes de vivir con pasión lo que les gustaba, dibujar y pintar. Aunque de diferentes lugares del país el arte las ha unido para esta muestra denominada: Qallariy -palabra quechua que significa Empezar- presentando ambas su primera exposición bipersonal de pintura en la Galería de Arte YACHAY de Independencia. Egresada y estudiante de la Institución Educativa Jorge Basadre Grohmann de nivel secundario del distrito de los Olivos, al cual en los últimos años han logrado realzar con sus trabajos de arte, logrando merecidos premios en los diferentes eventos y concursos en la cual participaron, obteniendo primeras ubicaciones en los concursos de dibujo y pintura a nivel de Lima Metropolitana (1).

Gabriela del Rosario recibió orientaciones de dibujo y pintura así como de danzas en los Talleres de Verano que promueve desde el año 1982, la Galería de Arte Yachay y el Taller de Danzas Yupipay (2) del distrito de Independencia, del cual es integrante. Se inicia en el mundo del arte a los siete años destacando par su inquietud y sensibilidad artística, obteniendo en el Taller la mayoría de los concursos internos de dibujo/pintura y de danzas, fue campeona nacional de Marinera Norteña en la categoría Infantil el año 2001.

He tenido la oportunidad de seguir de cerca el proceso de aprendizaje y avance de sus inquietudes pictóricas de Gabriela y Ahimelic y es un privilegio, escribir algunas líneas sobre sus pinturas al inicio de su carrera artística, que con disciplina, dedicaci6n y humildad, estoy seguro que en un futuro muy cercano darán que hablar en el ambiente artístico.

El público está invitado a la exposici6n de estas jóvenes artistas, que nos presentan una fiesta de colores donde conjugan creatividad, composición y estética, buscando la unidad plástica en sus trabajos de gran riqueza cromática.
Felicitaciones Gaby así como Amelic por tan importante paso dado en el camino del arte deseándoles éxitos en futuras exposiciones pictóricas.

Juan Zarate Cuadrado
Director
Galería de Arte Yachay

(1) Entre muchos concursos de pintura donde participa, Gabriela Garriazo Mermao destacan, el Primer puesto del Concurso de Pintura AMERAL 2008 y el Primer puesto obtenido en el X Concurso Interescolar de Arte MALI, organizado por el Museo de Arte de Lima, el año 2009. Un año antes obtuvo el Tercer Lugar en la misma institución.
(2) E1 profesor y artista plástico Juan Milla Jara es Fundador y Director del Taller de Danzas Yupipay -1989- que por más de veinte años viene forjando generaciones de nuevos valores en Arte, en el distrito de Independencia.

Galería de arte Yachay
Psje. Las Tunas 186
Urbanización El Ermitaño
Distrito de Independencia
Telf.: 522-6332

Beauty Pop

2010-05-27T20:51:00.000-07:00

Jessica Alba, Megan Fox, Julia Roberts, Jennifer Connelly, Liv Tyler, Kate Beckinsale, Catherine Zeta Jones, Angelina Jolie.

Beauty Pop
(Texto Curatorial)

Estos retratos en clave pop, Toño Venegas combina su afición por el cine y el gusto por las mujeres. Toño se apropia de las imágenes de mujeres famosas de la cultura pop/ular, actrices y cantantes vinculadas a la televisión y el cine comercial.

Esta cultura pop/ular de origen (norte) americano (estadounidense), rompió con sus fronteras nacionales, expandiéndose mundialmente y consolidando lo que hoy conocemos como la cultura urbana global, caracterizada por el empleo masivo de imágenes a través de los medios de comunicación, los anuncios publicitarios, los comic books , el cine hollywoodense …

Sus féminas son parte de lo pop/ular, de esta cultura globalizada. Él no las libera de esta marca cultural, al contrario, el sentido de esta marca es reforzado, al ser pintadas mediante el lenguaje del arte pop. Retratos pop, que nos recuerdan a las representaciones de celebridades hechas por Andy Warhol, con sus colores fuertes en tonos planos. Sin embargo, nos acercan más a las figuras humanas de los trabajos de Roy Lichtenstein, basados en las viñetas de los Comic.

Él retrata actrices que ya son iconos gracias al cine, y por lo tanto han pasado a formar parte de nuestro imaginario popular.

Bruno gallery
Del jueves, 27 de mayo de 2010 a las 19:30 al jueves, 10 de junio de 2010 a las 21:00
Francia 565 Miraflores.

REALIDADES EFÍMERAS

2010-05-12T19:54:00.000-07:00

ADVERTENCIA

EN ESTE BLOG SOLO SE MUESTRAN ALGUNOS DE LOS TRABAJOS EXHIBIDOS EN LA EXPOSICIÓN

REALIDADES EFIMERAS
(texto curatorial)

En esta época marcada por la rapidez de los cambios, cuatro jóvenes artistas presentan sus propuestas sobre el paisaje, con la intención precisamente de reflexionar acerca de la realidad cotidiana en continuo cambio. Así como también, para cuestionar la tradición del paisaje en el arte, ante los nuevos contextos marcados por los cambios.

Los 4 creadores son:

Javier Ramos Cucho. Aquí Javier, nos muestra la condición humana actual, representada por esos cuerpos humanos con cables y protuberancias mecánicas a manera de extremidades, que nos acercan al concepto del cyborg, en el universo surrealista – expresionista del artista. Universo donde lo efímero y el continuo cambio, son los valores esenciales de la nueva condición humana.

Robert Orihuela. En estos trabajos, Robert muestra a Lima como una ciudad que trata de ser totalmente moderna pero no lo logra, porque en el fondo no se puede desligar de las tradiciones, algunas muy antiguas, con más de 2000 años. Tradiciones que se mantienen en medio de un paisaje marcado por cambios rápidos y que desgraciadamente algunas de estas tradiciones, se manifiestan sobre todo en las zonas venidas a menos de la ciudad.

Rolando Sánchez Usando cables y piezas electrónicas en desudo, Rolando interpreta el paisaje actual como una construcción artificial y artificiosa, donde lo natural desgraciadamente es silenciado en el plano de los significados y por lo tanto no forma parte del discurso. Una reflexión acerca del crecimiento de la cultura moderna, que se apropia violentamente de la naturaleza y la destruye.

Samuel Pinto Sus trabajos evocan el paisaje desgarrador de las llamadas barriadas, las zonas pobres que rodean a la ciudad de Lima. Una realidad que desgraciadamente forma parte de muchas urbes en América Latina, consecuencia de la construcción de las Repúblicas sin considerar a las mayorías nacionales. Realidad, que en esta época de cambios se convierte en esperanza. Esperanza que Samuel nos nuestra con el encanto y la alegría de la niñez.

TOMAS DE LA EXPOSICIÓN

REALIDEADES EFIMERAS

MUESTRA COLECTIVA DE ARTE

Del viernes, 07 de mayo de 2010 a las 7:30 al

viernes, 28 de mayo de 2010 a las 19:30

GALERIA DE ARTE UNIFÉ (Universidad Femenina)

Av. Los frutales 954 - Urb. santa Magdalena Sofía, La Molina, Lima, Perú

“Gofrados, los grabados invisibles” de Julio Garay Terrazas

2010-05-10T10:04:00.000-07:00

JULIO Y SUS GRABADOS INVISIBLES

(texto curatorial)

El arte visual también posee cualidades para ser apreciado por la sensación de lo táctil: las texturas, las densidades de las pinceladas gruesas sobre la tela, las grietas, las arrugas… Todo un universo de elementos que piden ser apreciados más por tacto que por la vista.

En esta oportunidad, Julio Garay, artista visual egresado de la Universidad Católica, utiliza la técnica de grabado conocida como gofrado, para crear seis imágenes basadas en un ligero relieve sobre papel blanco, como un arte en código Braille. De esta manera se dirige al universo de lo táctil, a través de la textura dejada por el ligero relieve. Figuras que, sin una iluminación que resalte el relieve, éstas prácticamente desaparecen, se hacen invisibles, sobre todo si son vistas a partir de una determinada distancia.

Los grabados de esta exposición, más que por una temática compartida están relacionados por la técnica del gofrado, usada precisamente para crear imágenes en relieve sin ningún colorido. La ausencia del color en ellos, nos hace recordar a Kazimir Malévich y su memorable obra: Blanco sobre Blanco, donde el maestro ruso, se alejó de los objetos mundanos, al mostrar un cuadrado blanco sobre un fondo blanco. Esta fue su carta de presentación, para un arte basado tanto en la construcción geométrica, como en la búsqueda de una espiritualidad más allá de las cosas cotidianas. Mas allá de lo físico, un deseo de representar lo metafísico, lo infinito dentro de la finitud que limita a las obras de arte.

Julio, a pesar de ser deudor de Malévich, sigue un camino diferente, quizás hasta opuesto, pues él no busca más allá de lo cotidiano. Una hoja de marihuana, una vagina, una prenda íntima femenina, la figura de un niño que se ha suicidado… son sus motivos, que de una manera u otra, se han vinculado con él a través de su vida. Quizás de una manera tan intensa, y por lo tanto tan cercana, que la única forma de representarla, es apelando a la proximidad, que solo es posible mediante el tacto, dejando en un segundo plano a la mirada. Mirada que para ser efectiva, necesita de cierta distancia.

Es así, que con estas imágenes, Julio se relaciona con las personas que aprecian sus obras. Personas que tratan de observar sus grabados virtualmente invisibles, en una época como ésta, marcada fuertemente por la imagen visual y el color.

BRUNO GALLERY

Calle Francia 565 Miraflores

Lima, Perú

Del 4 al 16 de mayo

Contacto:

jaimehigaoshiro@yahoo.com

brunogalleryperu@gmail.com

LA CIENCIA FICCIÓN Y EL FRACASADO SALTO DEL COLONIALISMO AL ESPACIO

2010-03-13T17:04:00.000-08:00

Desde las aventuras espaciales del Capitán Futuro, hasta los conflictos de los nativos amazónicos por el futuro de sus tierras.

Estamos en el s. XXI y al parecer ya no existen colonias, quizás porque las pocas que todavía quedan, son llamadas, eufemísticamente, terrenos de ultramar. El caso más conocido para los suramericanos son la Islas Malvinas, llamadas Falklands por los británicos, otro caso menos sonado, pero también en Suramérica, es el de la Guayana Francesa, al norte del Brasil.

La condición de Hawái, como un estado más de Estados Unidos desde 1959, no es del agrado del llamado movimiento separatista. Para ellos Hawái es una colonia y debería independizarse, pues no se olvidan de la anexión ocurrida a fines del s. XIX por Estados Unidos. Hecho doloroso para los hawaianos. Las protestas por una autonomía, llevaron al presidente Clinton a pedir perdón a los nativos firmando en 1993, la resolución que decía: de parte del pueblo de los Estados Unidos a los nativos hawaianos por el derrocamiento del Reino de Hawaii el 17 de enero de 1893, y por la privación del derecho a la autodeterminación del pueblo hawaiano.

No se puede negar que la industrialización y capitalismo actual en Occidente, se hizo posible con las riquezas que las potencias europeas usurparon de las colonias, sobre todo entre los siglos XVI al XIX.

¿Qué paso a partir del siglo XIX, en plena era del surgimiento de la industrialización y de las democracias republicanas, con la expansión territorial orientada a encontrar nuevas riquezas? Esta expansión se detuvo, pues ya no había un nuevo continente por colonizar. No hay que olvidar la misión del Capitán Cook, en la segunda mitad del s. XVIII para encontrar el continente austral que nunca encontró, y que décadas más tarde en la era de las exploraciones polares, fue llamado Antártida.

Es innegable el proceso histórico que señala el crecimiento del capitalismo y la industrialización a la par de la explotación de nuevas riquezas naturales, las cuales eran y siguen siendo buscadas en nuevas fronteras. Como ya no hay nuevos continentes que encontrar, ahora una nueva frontera que está en la vista de muchos es al parecer la Amazonía.

En el siglo pasado, el vacío dejado por no haber otro continente que colonizar, fue llenado, al menos en la imaginación de los escritores, por la idea de colonizar otros planetas. Una de las primeras historias sobre extraterrestres, fue la conocida novela de H. G. Wells: La Guerra de los Mundos, donde no éramos nosotros los colonizadores, si no al contrario, los marcianos venían a colonizar la Tierra. Sin embargo, a partir de la década de los 30 en las historietas espaciales, como las súper famosas de Flash Gordon y Buck Rogers, era normal mostrar planetas habitados por una raza de humanos o humanoides cuyas civilizaciones poseían características similares a los antiguos imperios de la Tierra.

La mirada eurocentrista que consideró a los pueblos fuera de Occidente como atrasados y primitivos, fue desplazada a supuestas civilizaciones alienígenas que mostraban un menor desarrollo que el alcanzado en la Tierra. De esta manera la colonización salto al espacio, al menos en la ficción. La taquillera película Avatar no es más que un ejemplo de esas historias, sobre la colonización de planetas. Historias gastadas que un cineasta como James Cameron a reciclado.

No hay que olvidar la estupenda novela de Julio Verne, De la Tierra a la Luna, donde uno de los personajes afirma que Estados Unidos colonizará la luna convirtiéndola en un nuevo Estado de la Unión Americana.

Hablando de historia espaciales, todos lo que hemos vivido la adolescencia durante la década de los ochentas y éramos asiduos al consumo de dibujos animados espaciales, se acordaran del Capitán Futuro, esa mezcla de súper héroe y súper científico del futuro que con la ayuda de una tecnología tan avanzada que casi se confunde con la magia, vive muchas y sofisticadas aventuras, salvando a la humanidad de múltiples amenazas.

El Capitán Futuro fue uno más de los súper héroes espaciales creados en los años 30. Creación de Edmond Hamilton, sus historias fueron difundidas mediante las famosas revistas Pulp entre 1940 y 1951.

Entre las historias sobre las imaginadas colonizaciones de planetas se puede mencionar a los Los Arpistas de Titán, una de las historias que tiene al Capitán Futuro como principal protagonista. Publicada en 1950, es un relato que sin elementos propios del contexto espacial, podría ser contado como parte de la colonización entre los pueblos de la Tierra. Es la típica historia de un héroe, o el representante de la ley, en este caso el Capitán Futuro, que viaja a Titán, una luna de Júpiter, para resolver los problemas entre los nativos y los colonos de la Tierra que trabajan en las minas de dicho satélite natural.

¿Qué podemos interpretar en esta historia?
La existencia de vida humana extraterrestre en Titán.

Los colonos de la tierra llegan a Titán por los minerales y trabajan en minas.

Los nativos no desean la presencia de los terrestres en Moneb, la ciudad de Titán:
Los habitantes de Moneb hemos tolerado demasiado a los extranjeros en nuestro valle, incluso hemos soportado que uno de ellos se siente en este concejo e influya nuestra decisiones.

Los nativos representan una civilización humana que hace recordar a los antiguos pueblos de la tierra que fueron colonizador por Europa:
No podemos expulsar a los terrestres con nuestros dardos y nuestras lanzas, sus armas son demasiado potentes.

Los colonos terrestres (la versión espacial del colono Europeo) poseen una tecnología superior a los habitantes de Titán (el equivalente de los pueblos no europeos considerados atrasados, cuyas tierras poseen grandes recursos naturales).

De esta manera, la búsqueda de recursos naturales que llevo a Europa a partir del s. XVI a la colonización de pueblos de ultramar, sirvió como base a muchas historias de aventuras espaciales.

¿A qué conclusiones llegamos?
Al parecer ya no vivimos en la época, donde todavía queda en este planeta Tierra sin dueño, que pueda ser reclamada. Sin embargo, en 2007 una expedición rusa colocó la bandera de su país en un lugar situado a 4,200 metros de profundidad, en una cordillera submarina poco explorada cuya territorialidad nunca fue aclarada, oculta bajo el casquete de hielo polar justo en el Polo Norte. El llamado espacio interior, el fondo de los océanos, está mucho más cerca que el espacio exterior, a pesar de esto, la colonización del mar, mencionada por algunas historias de ficción científica como la colonización del s. XXI, es todavía una quimera.

¿Qué queda en esta primera mitad del s. XXI, ante la imposibilidad de colonizar otros planetas y las dificultades para la colonización de los océanos? Al parecer sólo el reciclado de viejas historias de ciencia ficción y aprovechamiento, de los hasta ahora poco tocados recursos, del Ártico o de la Amazonía.

TRANSAMERICA

2009-12-13T14:28:00.000-08:00

GLOBALIZACIÓN, ARTE TROPICAL Y LA MÍTICA RUTA 66

Hay temas que aparentemente no guardan ninguna relación como los automóviles y las carreteras con el arte y las tribus salvajes. Sin embargo, cuando uno encuentra las relaciones latentes, empieza una gran aventura. Este texto es una descripción de una de esas aventuras.

La palabra Transamerica, en sus diversos usos, desde el titulo de una película, hasta en forma abreviada (Trans Am) como el nombre de un modelo de automóvil, generalmente se refiere a la acción de atravesar el continente americano, de manera más especifica Norteamérica, mejor dicho Estados Unidos, aludiendo al viaje hacia el Oeste. Esta travesía simbólicamente representa la expansión de Estados Unidos, la gran conquista del lejano y salvaje Oeste, para unir por tierra al civilizado Este, con California, adonde solo se llegaba de manera segura por barco en los tiempos de la fiebre del oro.

El popular y potente Trans Am de fines de los 60s Poder y libertad sobre ruedas Un símbolo de la gran capacidad industrial de Estados Unidos

La expansión de los Estados Unidos hacia el Oeste, representó para la mentalidad de la época, extender los limites de la civilización. La civilización occidental, que llevaría el progreso y la modernidad a tierras habitadas por las salvajes tribus indias.

Tenemos al arte como testimonio de esa mentalidad, que consideraba a los pueblos nativos, ajenos al progreso, hasta el punto de pensar que el único indio bueno es el indio muerto. La tristemente celebre frase del general Philip O. Sheridan.

Este cuadro pintado alrededor de 1872, por John Gast, llamado El Progreso Estadounidense, es una representación alegórica de la doctrina del Destino Manifiesto. Esa idea de que Estados Unidos debía llevar la civilización por todo el continente mediante expansión territorial, desde el Atlántico al Pacífico.

En la escena, una mujer angelical (a veces identificada como Columbia, una personificación del s. XIX de Estados Unidos) lleva la civilización hacia el Oeste junto a los colonizadores, tendiendo líneas del telégrafo y vías del ferrocarril, mientras huyen los indios y los animales salvajes.

Han pasado más de 100 años y en las Américas, hay quienes consideran todavía en este s. XXI, a los verdaderos americanos como representantes del atraso, tal como nos quiere decir el artista peruano Alfredo Márquez con Katatay.

Esta necesidad y anhelo de unir el Este con el Oeste continuó en el s. XX, en plena era del automóvil, lo que llevo al gobierno de Estados Unidos a construir la llamada U.S. 66 también conocida como U.S. Route 66, Route 66 (Ruta 66). La famosísima carretera que unía Chicago con Los Angeles, y que desde 1938 hasta 1985 fue el gran camino que siguieron muchisimas personas que dejaron el Este, para lograr un futuro diferente en la anhelada California.

Pero la Ruta 66 fue más que una simple vía. Por casi medio siglo fue la principal ruta comercial y la mayor arteria turística hacia la costa oeste. Llego a poseer cierta mística, que la convirtió en un símbolo más de identidad de Estados Unidos.

A manera de la expansión hacia el oeste, que llevó la “civilización” a los llamados territorios salvajes en el s. XIX, en el siglo pasado, la Ruta 66 representó la llegada del progreso para muchos pequeños pueblos de mineros y granjeros.

En la década de los 30s cuando la Ruta 66 no estaba todavía completamente pavimentada, sirvió de vía para muchos granjeros pobres golpeados por la Gran Depresión, que dejaron el Medio Oeste, el otrora lejano y salvaje Oeste, para dirigirse a California por un futuro mejor, en la mayoría de los casos inexistente. Las fotografías de Dorothea Lange son el mejor documento visual de ello.

Madre Migrante
Dorothea Lange

En la década de los 50s Estados Unidos se convierte en el país del automóvil, prácticamente todo ciudadano se movilizaba sobre ruedas. En la misma década el país entra en la carrera espacial la cual junto a la cultura del automóvil, van a configurar la imagen de progreso y poderío industrial y tecnológico de Estados Unidos.

A lo largo de la Ruta 66 van aparecer cafeterías, restaurantes de comida rápida con servicio en el vehículo (drive through), moteles, tiendas de combustibles y lubricantes, etc... Esta carretera va ayudar a difundir el llamado estilo de vida americano (american way of life) de origen citadino e industrial, en las zonas rurales del país, con las hamburguesas y la comida rápida, el supermercado, también al automóvil como la extensión de uno mismo. Difusión que con el tiempo transcenderá los limites propios del país para llegar a todo el mundo, pues para muchos, la globalización en las últimas décadas no es más que la imposición de la cultura popular de Estados Unidos a nivel global.

Ya que con la globalización Occidente ha llegado a todas partes, no hay que olvidar que Estados Unidos es una nación fundada por europeos y aunque el tronco cultural de Occidente esté arraigado en el viejo continente, la cultura en la que vivimos nosotros en el presente es, esencialmente, norteamericana. Es la llamada cultura global, que convierte, al menos en algunos aspectos, a la población mundial en una gran masa, donde sus principales expresiones son de origen estadounidense, como: Coca Cola, Mc Donalds, CNN, IBM, Kentucky Fried Chicken, etc.

La carrera espacial y la cultura del automóvil, dieron origen a una nueva arquitectura que tuvo su auge en Norteamérica en las décadas de los 50s y 60s: la arquitectura googie. Arquitectura de carácter futurista, pues era el ejemplo de lo que demandaba la sociedad ante la perspectiva de un futuro altamente tecnológico. Los diseños googies se basaban en el uso de tejados afilados, la presencia de formas geométricas y de las líneas curvas que recuerdan la aerodinámica de los aviones y cohetes, así como el uso masivo del cristal y de las luces de neón. Quizás el último intento de la arquitectura de renovarse dentro de la modernidad, antes de caer en el pastiche aparentemente sin sentido de la actual arquitectura posmoderna.

En la década del 60 en plena época del Hippismo, la Ruta 66 se convierte en el camino para alcanzar la utopía, que muchos jóvenes Hippies buscanron dirigiéndose a California, sobre todo a San Francisco, ciudad que se caracterizo por su espíritu de libertad y tolerancia.

Precisamente fue Jack Keruak con la novela En El Camino, quien motivó, con el mítico viaje a través del país, a la juventud hippie, y convirtió a la Ruta 66 en una verdadera leyenda.

Los Supersonicos

Los Supersonicos (The Jetsons), dibujo animado futurista producido por conocida empresa Hanna Barbera en la década del 60. Esta serie de animación hecha para la televisión, que mostraba automóviles voladores y ciudades aéreas, con edificios muy a lo googie, representaron la fiebre que afectó a la cultura popular de los Estados Unidos en esos años, consecuencia de un anhelo popular por un futuro brillante, siempre vinculado al desarrollo tecnológico espacial.

Con la declaración de Hawaii como Estado Oficial de Estados Unidos, en 1959, surge el interés por las expresiones hawaianas y en general de la Polinesia. Interés, en versión del s. XX, por lo exótico de los míticos mares del sur y sus islas con playas llenas de palmeras. Así la arquitectura googie se va nutrir de motivos hawaianos y de esta manera a lo largo de Estados Unidos, van a aparecer edificaciones con alguna referencia al ambiente hawaiano y a sus las playas tropicales: el llamado estilo Tiki.

Clifton's Pacific Seas

Restaurante “exótico” en Los Angeles

De esta manera, la modernidad arquitectónica se nutrió de lo exótico para innovar, como también sucedió en las artes plásticas, con la influencia de los paisajes de Tahití en el “primitivismo” de Gauguin, de las máscaras africanas en el cubismo de Picasso y de los grabados japoneses en los impresionistas. En el siglo XX, en el plano cultural, el proyecto moderno tuvo que alimentarse de lo exótico, de lo periférico en las fronteras de Occidente, para salir de un aparente agotamiento.

En un viaje, ya no del Este al Oeste, del Pacifico al Atlántico, sino de Norte a Sur, nos trasladamos de la América Anglosajona a la América Latina y nos damos cuenta que aquí en el Sur, para ser más específicos en el Perú, esta asimilación de motivos tropicales se esta dando actualmente en las artes visuales contemporáneas. Pero la situación es distinta a la mencionada líneas arriba, pues en el Perú, que es en gran parte un país tropical, por la latitud donde esta situado, así como también por la selva amazónica, que ocupa una gran porción de su territorio, no pueden los artistas peruanos tener una visión exótica sobre los temas del trópico, pues lo tropical les pertenece, le es propio y no ajeno o extraño, significados de lo exótico.

En el Perú, país en la periferia de Occidente, como toda América Latina, donde el proyecto de modernidad nunca ha terminado de realizarse, se vive actualmente una posmodernidad donde se mezclan diferentes expresiones en un ejemplo de hibridación cultural, uno de los más ricos del mundo por todos los matices que muestra. Más que una posmodernidad se podría hablar de modernidades alternativas.

No hay que olvidar que Gauguin estuvo en el Perú. Para un pintor como él, situado desde una perspectiva europea, cuanto parecido habría entre el Perú y Taihití. Tampoco hay que olvidar la intención de Thor Heyerdahl de unir el Perú con la Polinesia en la famosisima balsa Kon Tiki, que lo llevó, precisamente, hasta la Polinesia Francesa cerca de Tahití, en un viaje de hace aproximadamente entre unos 5 a 6 siglos, lo realizó Túpac Inca Yupanqui, según el historiador José Antonio del Busto.

Relecturas modernas y contemporáneas de lo tropical.

Figura estilo Tiki

Pitcairn Motel

Garden Grove, California
Motel demolido en 1998

Marzo

Talla en madera del artista peruano amazónico Santiago Yahuarcni

La figura representa al mes de marzo en el calendario de las Once Lunas del pueblo nativo amazónico Huitoto.

Cuando va cayendo el sol
Obra del pintor urbano amazónico Christian Bendayán

Este escrito, está lejos de ser un ensayo o un texto de tesis, sin embargo, le he colocado algunas conclusiones, para darle un toquecito académico y que no pase solo por un pasatiempo mental o un ejercicio de redacción.

Conclusiones:

Es relevante la importancia de las relaciones entre la modernidad y la búsqueda de un futuro mejor, causante de tantos movimientos migratorios a lo largo de la historia. La búsqueda de la utopía. Migraciones que en Estados Unidos en el siglo pasado, estuvo marcada por la mitificación de la Ruta 66 y también por la posesión el automóvil propio, posesión que resaltó la sensación de libertad predicada por el sistema.

Hay que considerar a la importancia del automóvil para la consolidación de Estados Unidos, como una potencia industrial democrática. Aquí en América del Sur, por razones obvias, no surgió el culto al automóvil como en Norteamérica. En una región donde el proyecto de industrialización fue fallido, el transporte público (trenes, buses, minibuses, camiones) fue, es y seguirá siendo, el único transporte para los miles de trabajadores latinoamericanos.

Latinoamérica, a pesar de una fallida industrialización, consecuencia de un proceso modernizador truncado, quizás por estar en la periferia de Occidente, no se libró de utilizar el ideal de modernidad para oprimir a los pueblos nativos y hasta de señalarlos como encarnaciones del atraso. Sin embargo, dichos pueblos están enriqueciendo las diversas modernidades alternativas que se están forjando actualmente.

La modernidad en el plano cultural del s. XX no hubiera sido posible sin el aporte de los trópicos, de la misma manera, la Europa industrial no se hubiera formado sin el aporte de las colonias.

Humano Genérico

2009-11-09T15:55:00.000-08:00

Humano Genérico de Javier Ramos Cucho en la Bruno Gallery

Humano Genérico
(aporte textual al discurso plástico-visual)

Hasta que punto es tan grave esta llamada globalización, en el sentido de que aparentemente nos esta quitando nuestras identidades, al ser todos parte de una gigantesca masa, cada vez más dependiente de la tecnología. Un supuesto proceso que comenzó con la llamada digitalización de la información y al parecer seguirá con la digitalización de la cultura, del conocimiento y después, con la misma naturaleza. ¿Estamos viviendo la condición final de la humanidad tal como la conocemos?. ¿Estamos llegando a los últimos días en esta realidad, proclamados por la escatología cristiana?.

Algunos afirman que el progreso fue solo un mito, un mito de esos tiempos, antes de la caída del muro de Berlín, donde los jóvenes creían ingenuamente en algo llamado revolución. Pero al parecer ya no progresamos, y hemos perdido la esperanza en las revoluciones, que nos llevarían a lo que ahora consideramos utopías. No será, recordando a Baudrillard, que al parecer vivimos actualmente solo en utopías inmediatas, aparentes, dentro de un gigantesco simulacro de la realidad ( la virtualización de la realidad ) en esta época de realidades virtuales.

En esta cuarta muestra individual, Javier Ramos Cucho, nos muestra esa nueva condición humana, vinculada al gran simulacro, que él ha llamado: el humano genérico. Este representado por esos cuerpos humanos con cables y protuberancias mecánicas a manera de extremidades, que nos acercan al concepto del cyborg, en el universo surrealista – expresionista del artista, que podría ser considerado una alternativa más entre los simulacros de la realidad que podemos apreciar.

Dentro de este simulacro no somos más que puntos en este universo de redes: Internet, Facebook, redes de telefonía celular, redes de cajeros automáticos, etc... Todos de alguna manera estamos conectados, interconectados por el Mainstream global, del cual no podemos escapar. Así el humano genérico, es una abstracción más allá de las individualidades, que se pierde en el mar de las mencionadas redes.

JAVIER RAMOS CUCHO
http://javieramoscucho.blogspot.com/

BRUNO GALLERY
Noviembre 2009
Francia 565b Miraflores

HERNANDO DE SOTO Y LOS OSOS MONTAÑESES

2009-10-04T09:43:00.000-07:00

Mucha gente que esta en los cuarentas, se acordarán que en su niñez veían en la televisión a Los Osos Montañeses (Hillbillies Bears), esa familia de típicos montañeses, representados por osos. Muchos al leer el título de este texto, se preguntaran que relación existe entre el famoso economista peruano Hernando De Soto y esta familia de osos montañeses.

Los montañeses, llamados hillbillies en los Estados Unidos, generalmente son los habitantes de los Montes Apalaches, de ahí el calificativo de montañes, una de las regiones más pobres y marginadas de América del Norte.

Recordamos que al habitante rural de los Andes se lo identifica con la llama, de manera despectiva: ese es una llama. De la misma manera tomando un animal como ejemplo, la productora de dibujos animados, para la televisión, Hanna-Barbera, representó a los montañeses como osos, por ser ese, el animal más representativo de los grandes bosques que cubren América del Norte.

A raíz del conflicto de Bagua, Hernando De Soto empezó a investigar y llegó a la conclusión que el principal problema de los indígenas peruanos, es que no poseen legalmente propiedades con valor económico, lo que les impide generar riqueza. Pues, como se sabe, para De Soto, el derecho a la propiedad es el principal requisito para generar capital. A excepción de los indígenas amazónicos en aislamiento voluntario que viven cerca de la frontera con Brasil, entre las regiones de Ucayali y Madre de Dios, casi todos los habitantes de la Amazonía están inmersos en el sistema económico y legal peruano. Sin embargo, a pesar de ello, no gozan de los mismos derechos referente a la propiedad como los demás ciudadanos, pues la ley peruana solo contempla la posesión de la propiedad comunal, para las comunidades indígenas, que según De Soto, no favorece a los nativos, pues estos títulos no dan valor económico a los terrenos.

Los pueblos amazónicos han defendido sus territorios por siglos, con la intención de preservar sus recursos de caza, pesca o recolección de frutos. Siguiendo esa lógica, las comunidades actualmente poseen títulos de territorios comunales, reconocidos por el Estado Peruano, que en este mundo moderno tienen un valor sobre todo ancestral o cultural, más que económico y que en este S. XXI no tienen una finalidad práctica.

En algunas comunidades, los indígenas han dividido las tierras comunales en propiedades particulares creando títulos de propiedad que tienen valor para ellos, pero desgraciadamente no son reconocidos por el Estado Peruano, por lo tanto no poseen valor legal.

Teniendo en cuenta lo anterior, De Soto afirma que la solución para el problema indígena es que la propiedad colectiva sobre sus tierras, sea remplazadas con títulos de propiedad, que permitirán a los indígenas generar capital.

Si volvemos a mirar la serie de los osos montañeses, nos damos cuenta que el papá oso siempre lleva su escopeta no solo para cazar sino también para defender su propiedad de intrusos. Nos muestra la importancia de la propiedad privada y su defensa, hasta en lo más apartado de los Estados Unidos, donde viven los montañeses, considerados atrasados e ignorantes por los habitantes de las grandes ciudades.

A raíz de los luctuosos acontecimientos de Bagua, Hernando De Soto ha traído a unos nativos del Canadá y de Alaska para que cuenten sus experiencias, a los indígenas amazónicos, sobre como están aprovechando los beneficios de la globalización, en un congreso llamado simbólicamente, el Encuentro entre El Aguila y El Condor. Hay que tener en consideración que los nativos en América del Norte, Estados Unidos o Canadá, no sufren la marginación legal por parte de ningún gobierno, ya que poseen autonomía legislativa, por lo tanto, autoridad soberana para gobernarse por sí mismos. Por lo mismo no voy a tratar de los indígenas de América del Norte y menos aun comparar su situación con los amazónicos, no tiene sentido. Sin embargo, hay que considerar la iniciativa de Hernando De Soto para mostrar que algunos pueblos en la periferia de Occidente, están aprovechando las ventajas del capitalismo globalizado para generar riqueza.

Otra serie de televisión sobre montañeses, los Beverly Ricos (Beverly Hillbillies), trataba de una familia de montañeses ignorantes que nunca vivieron en una ciudad, donde el papá siempre salía con su escopeta a la manera del papá oso, mencionado líneas arriba. Esta familia de montañeses encontró petróleo en su propiedad y al venderla se hicieron millonarios, mudándose desde la zona más pobre de los Estados Unidos a la más rica: Beverly Hill.

No estoy haciendo una comparación entre los nativos de las Américas, sino entre los indígenas amazónicos peruanos y los montañeses de los Apalaches. Estos últimos no son indígenas, pero sus condiciones de pobreza y postergación, son pertinentes para este texto.

Aquí, el problema es la posición del Estado frente a las comunidades más apartadas del país, ¿Es posible que una familia campesina o indígena en lo más profundo del Perú encuentre petróleo, venda el terreno y se vuelva millonaria como los Beverly Ricos? Al parecer, si estamos hablando de la mayoría de los indígenas que habitan zonas comunales no es posible, pues como indica De Soto, dicha familia no es dueña del terreno donde habita y por lo tanto no lo puede vender. Pero, si pertenecen a la comunidad, tampoco esta podría hacerse rica, porque la propiedad comunal no posee valor comercial, no se puede usufructuar. Aparte, las comunidades no son propietarias de las riquezas del subsuelo, debajo de sus territorios, que son dados en concesión a grandes empresas extractivas, mineras o petroleras, debido a la idea ingenua, de que los recursos son de todos los peruanos.

Hay que tener en cuenta lo siguiente: ¿hasta que punto tienen valor los territorios comunales para los indígenas amazónicos? y no me refiero al valor económico sino cultural. Esta claro que para De Soto los nativos quieren entrar a la modernidad, para eso según el economista, tiene que haber un cambio en la estado legal referido a la propiedad de sus tierras. De Soto afirma que no hay conflicto entre el mundo indígena amazónico y la modernidad, ya que otros pueblos se han integrado muy bien a esta.

Entonces cabría hacernos estas preguntas:
¿De que forma, las comunidades podría conservar sus territorios comunales de un gran valor cultural para ellos, y a la vez adoptar un régimen de propiedad privada, sea colectiva o individual, con valor comercial?.

¿Por qué todavía en el S. XXI, los nativos no poseen el derecho a la propiedad privada, uno de los derechos fundamentales de la condición de ciudadanía?. ¿Acaso, todavía sigue esa mirada limeña de considerar a los indígenas como personas de segunda categoría?.

El Arte de Mucho en la Bruno Gallery

2009-09-20T14:54:00.000-07:00

MUCHO en la Bruno Gallery

2009-09-15T20:29:00.000-07:00

UNA ESTROFIALIAZIÓN A LAS KARUMPTRAS NÁMICAS

Lo más hermoso de Florencia es el restaurante McDonald's
Andy Warhol

Y se inaugura la Bruno Gallery, un nuevo espacio en Lima para el arte contemporáneo. Arranca con uno de los ejemplos más llamativos que la escena artística limeña nos puede ofrecer: el arte de Mucho. ¿quién es Mucho?. Mucho no es un sujeto real. Él no es más que un concepto, una construcción intelectual. Aquí el arte conceptual no tiene como consecuencia solo a la obra material, sino también el mismo artista es una obra de arte.

Las dos últimas décadas del siglo pasado, estuvieron marcadas por una terrible violencia política, que el arte contemporáneo, en los trabajos más inteligentemente elaborados, reflejó y denunció. Luego aparecen en Lima, en este s. XXI, en medio de esta globalización galopante de la era Internet, nuevas expresiones, donde los referentes locales, si es que existen, se pierden dentro de un conjunto de signos, procedentes de esa cultura global, de la cual nadie parece poder escapar. El arte de Mucho es una de estas expresiones.

Después de la tormenta, dicen, regresa la calma (la aparente calma). Libre de la violencia que marcó a los artistas de las generaciones anteriores, Mucho asume, en una posición local, la transformación que afectó a las artes visuales, iniciada por la llamada Cultura Pop, en un proceso de apropiación de las múltiples expresiones de la cultura de masa globalizada y de las huellas que las vanguardias artísticas han dejado en ella. Mucho se alimenta del pop art, del comic, del arte conceptual, del graffiti, del diseño gráfico, de la tipografía y de la ilustración. Un conjunto donde los intercruces y las diferencias (incluyendo los títulos en inglés de sus obras) no cancelan sentidos, sino al contrario, la diversidad y las posibles fricciones a causa de ella, los potencian y relacionan.

Su trabajo se acerca a los neoexpresionistas de los ochenta en los Estados Unidos, y nos recuerda a Basquiat y Haring, pintores vinculados con el graffiti de la calle. Sin embargo, Mucho está alejado de los graffiteros y su arte callejero, teniendo con el arte del graffiti solo una relación sutil.
De Basquiat y de Haring, Mucho rescata la expresión personal, superando cualquier tendencia impersonal, propias del minimal art; así como la importancia de la figuración en medio de la abstracción; el uso de elementos fantásticos; la fuerza expresiva del action painting; la ilusión de profundidad casi inexistente; la poca factura técnica (en el sentido más clásico); así como también, la recreación distorsionada de la realidad que nos acerca al arte psicodélico. Mucho también nos recuerda a Liechestein, a través de las influencias del pop art y del comic, que se manifiestan en los colores encendidos y en la reproducción de figuras propias de las historietas o los dibujos animados.

Mucho, junta los referentes de esta actualidad globalizada, a manera del pastiche, bajo una estética urbana, en el sentido más juvenil y actual del término, acercándose al afiche, al graffiti, al fanzine y al perfil visual de las actuales ciudades icónicas, donde los letreros luminosos son los mayores protagonistas.

El arte dc Mucho, es representativo del lado más globalizado de una ciudad periférica como Lima. No consiste en una propuesta de hibridación entre lo global y lo local, entre lo moderno y la tradición, o entre el centro y la periferia, que nos recuerda al concepto de cultura híbrida de García Canclini; ni tampoco, en una posición de resistencia basada en la reinterpretación del discurso de un supuesto dominador, como son calificadas algunas expresiones desde la teoría poscolonial.

¿Qué significa: Una Estrofialiazión a Las Karumptras Námicas, el llamativo título de la exposición? Francamente no posee un significado lógico, según las propias palabras del artista. Un juego de palabras que apela al lado lúdico del arte, donde cada lector construye sus propios significados, apelando al hecho de que actualmente, como en ningún período de la historia, la obra de arte se presta a una mayor diversidad de sentidos, recordándonos el concepto de obra abierta de Umberto Eco.

(Texto pensado para la exposición)

BRUNO GALLERY
Calle Francia 565 b - Miraflores

UNA ESTROFILIZIACIÓN A LAS KARUMTRAS NÁMICAS
Viernes 19/09/09 7:30 p.m.

MUCHO ART
http://theartofmucho.blogspot.com/

Cazando las principales tendencias de cafeterías en Lima

2009-09-15T14:55:00.000-07:00

Este texto es el lado escrito de un ejercicio que consiste en la búsqueda de las tendencias en las cafeterías en Lima. Para continuar voy a definir qué significa tendencia: tendencia es simplemente la dirección o rumbo del mercado. Significado que encontré al consultar Wikipedia.

Entonces, lo que voy a tratar de encontrar, son las direcciones que va a seguir el negocio de las cafeterías, mejor dicho, para ser más especifico, las mismas cafeterías, como locales comerciale

La caza de tendencia (cool hunting)
Antes de describir y presentar un estudio de los tipos de cafeterías que existen en esta ciudad, voy a explicar en que consiste el oficio del cazador de tendencias o cool hunter como se le conoce en el contexto anglosajón. Cool hunter o cazador de lo cool, es la persona que sale a la calle y trata de hallar, de cazar, lo cool, ¿qué es lo cool?. La palabra cool no se puede traducir precisamente al castellano, pero se lo puede considerar como un calificativo para todo lo nuevo, lo llamativo, lo vistoso, lo modernísimo, lo que esta de moda, en otras palabras, las tendencias que se están imponiendo o se van a imponer, en gustos y colores.

Por lo tanto, este ejercicio consiste en encontrar las tendencias de las cafeterías que se están imponiendo en el gusto de los consumidores: las cafeterías cool.

Voy a ser más específico para definir qué es y qué hace un cazador de tendencias. Un cool hunter es una persona que sale a la calle y empieza una lectura de la ciudad, para interpretarla, como si fuera una gran obra de arte, con todos sus íconos, colores y diseños. Tratar de comprender el porqué de ellos. Hallar el porqué de las tendencias, de las diferencias en los gustos y de las preferencias en los colores, y dentro de todas esas preferencias ubicar lo cool.

Lima un conjunto de sensibilidades diferentes
Dije que el cool hunter debe de interpretar la ciudad como una obra de arte, o al menos como una exposición de ellas, pero para esto, debemos considerar que toda obra artística, no solo es un ejemplo de expresión personal, sino que es hija de su tiempo, como dijo Vasili Kandinsky. En otras palabras, es también el resultado de una expresión colectiva, de un tipo de sensibilidad singular perteneciente a un grupo social vinculado a un espacio y tiempo específico.

Un cazador de tendencias tiene que percibir, esas sensibilidades singulares en una gran ciudad. ¿Cuántas sensibilidades diferentes se pueden percibir en Lima?. Esta es una forma diferente de ver la ciudad, que supera a la desfasada división de clases: la alta, la media y la baja, proporcionando una perspectiva distinta a la escala utilizada por los mercadólogos, y su división de la sociedad con letras: las clases A, B, C, D... Esta escala no es mas que un indicador de la capacidad de gasto, pues si una persona posee una gran capacidad porque gana 15000 al mes, entonces pertenece a la clase A. También difiere de esas últimas clasificaciones de la sociedad por estilos de vida: el joven emprendedor, el señor tradicionalista, el afortunado, la ama de casa tradicional, el moderno, etc...

Se habla de la multi culturalidad que hay en el Perú, pero no se toca el tema cuando se habla de Lima. Cuántas culturas coexisten en Lima, cómo se pueden ubicar y definir a través de sus sensibilidades y expresiones. Volviendo a lo que dije líneas arriba, la ciudad esta dividida en grupos culturales que se expresan según sus sensibilidades particulares y los cool hunters, tienen que poseer la capacidad de hallar y diferenciar esas expresiones y sensibilidades.

Para dividir a una ciudad en diferentes grupos culturales, cada uno con su propia sensibilidad ante la vida y por lo tanto sus propias preferencias y formas de manifestarse, me he basado en el concepto alemán de Zeitgeist (espíritu del tiempo) que se lo puede interpretar como el espíritu de un determinado pueblo, representativo de un momento único en la historia. Este espíritu se manifiesta en la cultura, política, arte y religión, y en las estructuras sociales y económicas.

A comienzos de la década de los sesenta en Inglaterra, un grupo de teóricos en la universidad de Birmingham, fundaron lo que se conoce como estudios culturales. Una nueva forma de estudiar la realidad cultural, cuando la cultura popular de los Estados Unidos empezó a influir a la Inglaterra de entonces, la cual ya no era la misma después de la Segunda Guerra Mundial. Surgieron los debates sobre las relaciones entre la cultura local y sus influencias externas, las diferencias entre la alta cultura y la popular, entre la cultura de masas, las culturas populares y la cultura juvenil, pues con la posguerra aparece la juventud como un sector diferenciado de la sociedad, con identidad propia.

Por ejemplo, un sector como la juventud que estudia en universidades privadas y que posee automóviles desde los 18 años, por lo tanto casi nunca o nunca, han utilizado el transporte público, se diferencia de otro sector, conformado por los jóvenes que estudian en universidades estatales, que viven en la periferia de Lima y utilizan el transporte público a diario. Existe, como dije antes, la cultura juvenil, pero no se puede pensar que la juventud es una sola, un joven que casi nunca necesitó del transporte público, no va a sentir igual que uno que sí lo necesita para ir a clases a diario. Estos dos grupos pertenecen a sectores con sensibilidad diferentes, pues ellos nunca van a sentir igual ante al realidad. ¿Cómo estos grupos de jóvenes diferentes se expresan a la hora de elegir sus gustos y preferencias?. Es tarea del cool hunter averiguarlo.

Una vez que el cool hunter perciba los gustos y preferencias de estos sectores con sensibilidades diferentes, será capaz de percibir cuales tendencias se van a imponer y porqué, ya que percibirá la que más va a gustar a las mayorías.

En búsqueda de las cafeterías cool
¿Cómo debe ser una cafetería cool? ¿la que se va imponer ante las demás por estar a la moda? La pregunta del millón de dólares.

Como estamos en la búsqueda de tendencias novedosas, cools, dejamos de lado las cafeterías tradicionales como el conocido Café Haití, que desde hace décadas es una tradición en Miraflores.

Por eso nos centramos en la gente joven por ser los principales consumidores de lo nuevo.

En mi recorrido por la ciudad, con la intención de cazar tendencias, descubrí lo siguiente:
Que los jóvenes y sobre todo los llamados adultos jóvenes (los muy jóvenes no son clientes de cafeterías) son los principales consumidores de las cafeterías que podrían ser calificadas cool. Personas con gustos cosmopolitas marcados fuertemente por la globalización, con una sensibilidad fuerte para percibir y adaptarse a los cambios, muchos conocen un segundo idioma, de preferencia el inglés, poseen estudios universitarios o técnicos superiores, están al día en el uso de las nuevas tecnologías de comunicaciones orientadas al usuario final, como los teléfonos celulares o el Internet. Para ser más especifico, podría señalar que los principales clientes están, entre los estudiantes de postgrado, yuppies, creativos como publicistas, arquitectos, diseñadores etc...

¿Que tipo de cafetería seria la más atractiva para esta clase de clientes?
Explorando la ciudad encontré las siguiente propuestas, que a mi parecer son las más importantes:

News Café

Restaurante que también cumple el papel de una cafetería, fuera del horario habitual para el almuerzo o la cena. Como cafetería es el típico lugar al estilo del Café Haití, solo con la diferencia de tener un estilo moderno, contemporáneo, actual, sin embargo, no ofrece una imagen juvenil. Solo hay 3 locales en Lima y no parece tener muchas expectativas de crecimiento, por lo tanto no reúne los requisitos para ser considero una tendencia de valor.

Starbucks

Super famosa cadena extranjera exportadora del american way. La cadena de cafeterías más cool en la escena limeña. Es la única cadena de cafeterías en lima que posee un local dentro de una universidad, la UPC. Tiene un fuerte posicionamiento en la juventud. El auto servicio, el café en vasos y no en la tradicional taza, el WiFi, la cantidad enorme de bebidas hechas a base de café, son elementos que construyen la imagen juvenil de la marca y son parte del ambiente especial que se les ofrece a los clientes, llamado por la empresa, el tercer lugar (los otros son el hogar y el trabajo), que consiste en que las cafeterías tengan un ambiente hogareño.

En el Starbucks de Conquistadores (foto diurna), las plantas y el color verde del logotipo, rompen con la frialdad del conjunto, un buen uso de los colores.

El poseer como local a una casa tradicional con techo a dos aguas, como el Starbucks del Óvalo Gutiérrez (foto nocturna), no favorece a la imagen moderna y juvenil de la empresa.

Un elemento clave en la imagen juvenil y moderna de la empresa, es el servir café en vasos de cartón plastificado. Cuando Starbucks llego a España, se creó la polémica sobre si los españoles romperían la tradición de tomar café en taza, sin embargo Starbucks gano y sigue en España.

En pocos años Starbucks abrió 25 locales en el Perú. Es una tendencia a tener muy en cuenta.

Tanta

La conocida cadena de Gastón Acurio. Como cafetería, el servicio que brinda es similar al News Café, siendo más un restaurante que una cafetería propiamente dicha. No ofrece una imagen juvenil. Su principal característica es la imagen de peruanidad que posee, por varias razones: por el nombre en quechua que significa pan, por la imagen de Acurio como un chef promotor de la cocina peruana y que se acerca a todos los sectores del país, por la comida y bebidas que sirve. La peruanidad de Tanta ayuda a que la marca sea vista de una manera no tan elitista como una cafetería del nivel del News Café o del Bohemia.

Tanta es una tendencia a considerar.

Estas dos fotos son del Tanta del Centro de Lima, situado en el lugar que antes era ocupado por el Bohemia, servicio similar a News Café, que fracasó en el Centro, pero después abrió un local en Mega Plaza Norte, quizá tratando de conseguir como clientes a los empresarios del cono norte. Una nueva clase empresarial emergente. Al parecer el Bohemia resultó tener una imagen elitista, Sanisidrina, para los oficinistas que trabajan en esa zona del Centro, la mayoría empleados de la municipalidad de Lima.

El Bohemia no reúne los requisitos para ser considerada una tendencia de valor.

Urban Café

Una cafetería que la consideré en esta búsqueda por la forma del local, una caja translúcida de policarbonato. Un diseño que trata de ser muy urbano, al considerar el nombre de la cafetería. Es obvio que la forma del local, aparte de estar diseñada para aprovechar el espacio de la manera más racional posible, está pensada para adaptarse a la estética del edificio de los multicines que hacen recordar a la llamada arquitectura Hi-Tech, que se caracteriza por el diseño de edificios que con sus estructuras metálicas y fachadas transparentes, parecen máquinas.

Un típico caso de la arquitectura que encaja dentro del modernismo de la escuela alemana de la Bauhaus y que hace recordar al minimalismo escandinavo. Está bien para Berlín o hasta para Nueva York, pero no para Lima. Encaja bien en el Óvalo Gutiérrez a lado de los multicines ¿pero en otro lugar de Lima?

Hay un solo local Urban Café en Lima, y no es difícil deducir lo dificultoso que sería la expansión de esta cadena en la ciudad, si es que este diseño arquitectónico es parte de la imagen corporativa de la empresa. Muy pocos lugares armonizarían con una cafetería en forma de caja plástica. El diseño del local puede ser muy cool para algunos, pero no veo en Urban Café una tendencia de valor.

Altomayo

Servicio similar a Tanta, la diferencia radica en que son cafeterías propiamente dichas y no restaurantes como la cadena de Gastón Acurio. Las dos marcas venden peruanidad, sin caer en los clichés de siempre, como la imagen de un indio con plumas o de ruinas prehispánicas, pero mientras que Tanta toma como referente la peruanidad andina o "chola", Altomayo considera a la selva o Amazonía. Esta elección es notable, en el color verde de la marca, en la figura estilizada del monito en el logotipo. La selva es el tema principal de la marca de café Altomayo, dueña de esta cadena de cafeterías, pues el café es producido en esta zona del país, y sirve para resaltar el valor natural del café que venden.

El nombre Altomayo es largo para un negocio de esta naturaleza, donde mejor son los marcas cortas, fáciles de decir y recordar (a lo mucho tres sílabas). En este caso funciona, pues la gente relaciona la cafetería con la marca de café instantáneo.

Esta cadena una tendencia a considerar, pero no ofrece la imagen moderna y juvenil de Starbucks.

Mc Café

Mc Donalds entró a competir en el terreno de las cafeterías, después de hacerlo con las ensaladas, los helados, desayunos y el pollo.

Como se aprecia en la foto del Mc Café en el Mc Donald del Óvalo Gutiérrez, la cafetería se encuentra en el primer piso con un decorado de acabados y muebles en madera donde prima el color marrón, lo cual le da una seriedad que contrasta con el colorido del segundo piso que pertenece al Mc Donald propiamente dicho, la cadena de hamburguesas. La decoración de los locales de esta cadena esta basada de colores vivos y alegres, pues este negocio está orientado al mercado infantil (no hay que olvidar al payaso Ronald) y familiar, pues los niños van a los locales con sus padres.

Lo interesante de este local es la parte de cafetería que esta al aire libre y su relación con la calle, al parecer hay gente que acude a estos locales para ser vista desde la calle. Podría ser una forma inconsciente de buscar cierto reconocimiento o estatus.

Al parecer entró al negocio del pollo para competir con KFC, y repite la estrategia con Starbucks. Ofrece una imagen sobria diferente al ambiente propio del Mc Donalds, es obvio que se quieren dirigir hacia otro tipo de clientes, como yuppies, intelectuales, universitarios, intención que la cadena de hamburguesas mostró con sus desayunos y ensaladas.

Es una sombra de Starbucks. Podría ser considerada como la tendencia de la cafetería que acompaña a una cadena de hamburguesas o fast food en general.

Cafetería de la Facultad de Ingeniería Industrial de la Universidad de San Marcos

Este negocio es más un restaurante barato que una cafetería, como la mayoría de cafeterías en la universidad. Muchos alumnos, profesores y empleados pueden almorzar por pocos soles.

Es una de las más grandes cafeterías de la universidad y la más llamativa, es por esta razón, que la he considerado en este texto, pues el local es un conjunto para ser tomado en cuenta. En la foto se aprecian sus principales valores, como tener un área abierta al aire techada con un toldo, el techo de dos aguas que junto a la vegetación frondosa del jardín adjunto, le da al conjunto un aspecto natural, opuesto al estilo urbano de la caja blanca del Urban Café. Estas cualidades podrían ser tomadas en cuenta en una tendencia "verde", cool ecológica.

Algunas observaciones
Cuidado, la capacidad expansiva de Starbucks podría estar llegando a su límite. El servicio puede parecer caro para muchos sectores sociales. Por ejemplo en la cafetería de la facultad de ingeniería industrial, nombrada líneas arriba, uno almuerza por 5 soles un menú que incluye una sopa, un plato de segundo y vaso de jugo, es difícil que en ese contexto la gente pague entre 7 a 10 soles solo por un vaso de alguna bebida a base de café. Existe un local Starbucks en la UPC, pero hay que tener en cuenta que esa universidad en el equivalente peruano de universidad de Harvard, donde estudia gente pudiente. ¿Podría haber Starbucks en otras universidades?. En la UPC existe una mentalidad empresarial, que no se encuentra con la misma fuerza en la mayoría de las universidades privadas y que en las estatales prácticamente no existe.

Look Look, empresa pionera en la caza de tendencias con sede en Los Angeles, realiza sus investigaciones utilizando el método llamado el triángulo de agentes. El primer agente corresponde a los innovadores, los que crean las tendencias, y no son más del 3% de la población. Para que esas innovaciones se vuelvan verdaderas tendencias tienen que se aceptadas por los trendsetters, son el 17 % de la población aproximadamente, para después pasar a los early adopters, que son aquellos que harán de puente y llevarán las innovaciones a la masa o mainstream.

En este caso, los innovadores son Tanta, Alpamayo y Starbucks, los trendsetters vendrían a ser las personas más identificadas con la cultura de las cafeterías o el consumo en esta clase de locales, gente que quizás conocía a Starbucks fuera del Perú. Después, la gran masa de consumidores, donde los early adopters, son la porción de esa masa que más rápido, han asimilado a las cafeterías, quizás por moda, por la búsqueda de estatus, por un supuesto sentimiento de modernidad, etc... entre los cuales están los ejecutivos, universitarios, etc... Y por último, la gran masa, que todavía no ha sido cubierta, con muchos posibles consumidores, tanto en provincias como en la misma Lima.

El cazador de tendencia, esta lejos de ser un futurólogo, pero al menos, tiene que ser capaz de inferir las tendencias que se impondrán en un futuro próximo, a corto y mediano plazo. Para ello no esta mal aprovechar los métodos de los futurólogos, si es que pueden servir en la investigación. Herman Kahn, fue uno de los futurólogos más conocidos en los Estados Unidos, utilizó el siguiente método para hacer previsiones: en primer lugar, definir un contexto básico, en este caso las propuestas existentes de cafeterías, así como la diversidad social en Lima, las diferentes sensibilidades, gustos y capacidades de gasto. En segundo lugar, la elaboración de una sucesión hipotética de los acontecimientos, o sea que tipos de cafeterías van a desaparecer, continuar o expandirse y el porqué. En el tercer lugar, el establecimiento de un escenario futuro, ¿cómo será la realidad de las cafeterías limeñas dentro de un tiempo?. De esta manera, el método de Kahn, mostrado aquí de una manera simplificada, sirvió de ayuda para llegar a la conclusión.

Conclusión
La tendencia de cafetería con la mayor posibilidad de imponerse sobre la demás, la más cool, según las conclusiones a las que llegué haciendo este informe, es la que ofrecerá la imagen juvenil, contemporánea, propia de Starbucks, pero con elementos de peruanidad siguiendo el ejemplo de Tanta o de Altomayo. Hay que tener en cuenta, el fortalecimiento de la identidad nacional, así como el hecho de que el Perú es uno de los mayores productores/exportadores de café en el mundo y el primer exportador de café orgánico en el ámbito mundial.

Si se establece una nueva cadena de cafeterías, sería necesario que adopte algunos referentes peruanos, considerando el concepto de la tropicalización de la franquicia. Idea que surgió cuando las franquicias de los países ricos, en el hemisferio norte, empezaron a tener locales en el hemisferio sur, sobre todo en Latinoamérica, entonces apareció la necesidad de adaptar las franquicias a los gustos de los nuevos clientes. Para nombrar esa adaptación, fue creado el termino tropicalización, ya que América Latina, salvo las partes alto andinas pertenecientes sobre todo a Perú y Bolivia, la Patagonia chilena y argentina y el desierto de Atacama, el más seco del mundo, la región es considerada tropical, por la selva del Amazonas, la diversidad de frutas, las buenas playas, los inviernos tibios y los veranos cálidos. Clima y geografía, que se manifiestan en el colorido de sus paisajes y tradiciones populares.

Contracorriente

2009-08-08T20:26:00.001-07:00

En esta época de grandes empresas, como la conocida Pixar, que realizan millonarias superproducciones basadas en animación 3D por computadora, el autor de este blog, con la intención de ir contra la corriente ( como muchos animadores), realizó este pequeño video sobre una aventura espacial. Animación artesanal, casera, en blanco y negro, que nos transporta a comienzos del siglo pasado, a los primeros días de los dibujos animados en el cine.

Disculpas por las posibles fallas del video, consecuencia de los pocos y sencillos recursos técnicos utililzados en su realización.

DEL EMPRESAURIO AL E-MPRESARIO.

2009-06-20T16:16:00.000-07:00

Este interesante dibujo de Brian Ajhar mostrado arriba, publicado en Fortune Americas en mayo de 1999, muestra la evolución del viejo empresaurio al futurista e-mpresario.

Los empresaurios, esos dinosaurios reconocidos no precisamente por su color verde reptil, sino por sus trajes grises, representan al típico administrador de una época, donde el mundo estuvo dividido en dos mitades, por un lado, el socialismo con su economías controladas por un estado centralista, y por el otro, el capitalismo. En el lado capitalista, era la época donde las empresas todavía no tomaban en cuenta la terceriarización, ni al cliente como su principal objetivo. El marketing era algo secundario dentro de la gestión empresarial. Solo se dedicaron a producir, producir y producir, pues siempre vendían lo que producían, sin problemas. Compartiendo la misma dura rigidez y la poca visión, no había mucha diferencia entre el socialismo detrás del muro de Berlín y el antiguo capitalismo.

Pero ahora estamos viviendo otra época. El mundo globalizado de los e-mails y de los e-business, es el mundo de los e-mpresarios, donde los empresaurios son una especie en vías de extinción, a pesar de que hay algunos que se resisten a morir.

A fines del siglo pasado, los cambios en el mercado y las nuevas tecnologías, fueron las causas de la aparición de los e-mpresarios, una nueva clase de hombres de empresa, capaces de afrontar los retos del siglo 21, entre los cuales se pueden nombrar, a Larry Page y Sergey Brin fundadores de Google, a Jerry Yang y David Filo fundadores de Yahoo, a Jeff Bezos de Amazon, a Pierre Omidyar de eBay, a Mark Zuckerberg de Facebook, etc, etc, etc.

¿Cuales son las características de un e-mpresario que enfrenta al s. 21?

Velocidad, capaz de vivir a mil por hora, como el nombre de una popular canción. Ser un administrador extraordinario del tiempo, ya que ahora este vale más que el mismo oro. Adaptarse a los cambios, si es que no quieren terminar como los empresaurios. Mucha visión, para aprovechar con la mayor eficiencia los recursos tecnológicos y dejar de pensar que estar en Internet, es solo tener unas cuantas paginas web a manera de vitrina. Tener presente que lo más importante de una empresa son sus clientes. Poseer una gran habilidad para resolver y prevenir problemas ambientales así como laborales, esto último requiere mucha empatía y gran capacidad de liderazgo.

¿Cuantos empresaurios quedan en el Perú y cuantos e-mpresarios están apareciendo?

¿Ud. en que grupo está?

En el Perú, algunos supuestos sociólogos, autores de blogs consideran al CADE, esa conocida conferencia anual de ejecutivos, como un simple zoológico de empresaurios ¿cuál es su opinión?.

EL HELADO INCA KOLA

2009-05-05T10:38:00.000-07:00

Hace aproximadamente un mes que el verano terminó, y uno de los productos más interesantes lanzados al mercado en esta estación veraniega ha sido EL HELADO INCA KOLA.

Dos marcas, Donofrio e Inca Kola, se han unido en este destacado ejemplo de sinergia. las dos han formado parte de la vida de los peruanos por generaciones, hasta tal punto que podrían pasar como referentes de la peruanidad. Quién no ha crecido en este país sin comer helados Donofrio o tomar Inca Kola, La Bebida de Sabor Nacional, como lo decía hace un tiempo, el eslogan de la marca.

En esta ocasión voy a tratar de acercarme al helado, para ser más específico a la envoltura y desentrañar las significaciones que esta esconde, como un producto comercial. Para tal acercamiento voy a considerar a la envoltura como un producto del diseño gráfico publicitario, pues eso es lo que es: una composición de signos visuales impresos en papel con un mensaje específico.

Algunos estudios piensan que el arte y la semiótica no conjugan, a pesar que esta última se viene utilizando desde hace tiempo en el diseño, siendo este considerado arte por muchos. Idea compartida en este blog.

Para hallar una posible salida, hay que recordar el conocido libro La Definición del Arte, de Umberto Eco, donde este autor al nombrar el texto Strutturalismo e critica letteraria, de Paolo Valori, llega al dilema de que el método estructuralista - la semiótica lo es - pudo ser aplicado al estudio de la lengua, recodando a Saussure, o al estudio de una comunidad, recordando a Levi Strauss, pero no se presta para aplicarlo al arte, al menos al llamado arte contemporáneo, donde las obras se caracterizan generalmente por su naturaleza polisémica, de múltiples connotaciones, y por lo tanto escapan a los limites de dicho método. De esta manera, llegamos a la conclusión de que la semiótica como método estructuralista, sólo puede aplicarse a determinado tipo de arte, como el diseño, y rechazar propuestas como la de Gui Bonsiepe, que no considera al diseño arte, pues para este prestigioso diseñador, son actividades con objetivos diferentes.

No es mi intención ahondar en esta polémica y sólo me limitare a dar una aproximación de la utilización de la semiótica, como método práctico de interpretación. Para este propósito consideré como ejemplo a seguir, el texto La Retórica de La Imagen, de Roland Barthes, uno de los pioneros en este campo, publicado en el libro La Semiologia.

Este trabajo será más sencillo de realizar que otros casos por ser un diseño publicitario, pues la interpretación de este tipo de imágenes es fácil, ya que el mensaje es intencional y los significados deben ser transmitidos con la mayor claridad posible.

Para empezar con el proceso de interpretación, hay que considerar que este diseño posee dos lenguajes, que voy a designar según Barthes, como el lingüístico y el icónico codificado; el primero se refiere al texto, y el segundo, a los elementos visuales de la composición: como líneas, zonas de colores, diversos trazos o dibujos. Hay que tener en cuenta que en publicidad, salvo excepciones, las imágenes están acompañadas de textos, ya que estos refuerzan y hasta dan sentido al mensaje visual.

Pasando por alto el texto que se coloca por ley en toda envoltura, como la lista de los ingredientes, los requisitos sanitarios etc.. datos que no son de interés en este caso, nos centramos en las MARCAS, como el principal texto en la envoltura, formando parte de los logotipos.

Pues lo primero que reconocemos son los logotipos de las marcas Inca kola y Donofrio, reproducidos en este diseño con todos sus atributos visuales y gráficos, y también el logotipo de Nestle, la transnacional suiza, dueña actual de la marca Donofrio, que por razones obvias no podía quedar fuera de la envoltura, pero fue reproducido en un menor tamaño, para no opacar la peruanidad de las dos marcas anteriores

Hay que recordar que cuando se empezó ha escribir quechua utilizando el alfabeto latino (español) se generó múltiples grafías para representar los fonemas. Se empezó a utilizar la K como la W. Así Inca también era Inka, quechua era kechua, o huaca era waca. Aunque no es difícil encontrar publicado Inka Kola o Inka Cola, el verdadero es Inca Kola. Al parecer el sr. Lindley quiso darle a la palabra cola, significado de bebida gasificada, una connotación que la acerque al quechua y así al ideal de peruanidad.

Dejando a un lado el texto y orientado la mirada al lenguaje icónico visual, encontraremos en primer plano sin hacer esfuerzos como parte del logotipo de Inca Kola esos trazos al costado de la marca que recuerdan al diseño geométrico inca, así como las figuras de azul claro formadas de líneas en zigzag y círculos concéntricos, sobrepuestas sobre el azul oscuro del fondo de la envoltura.

Siguiendo con los íconos visuales, hay destacar el uso del color. Azul y amarillo los colores representativos de la marcas, apelan al cielo despejado, al calor, al mar y playas, atributos del verano, la época del año de los helados y las bebidas gaseosas heladas.

Hablando del verano hay que destacar la presencia del sol rojo de Donofrio con la singular carita comiendo un helado y acompañado de una bandera peruana junto con la leyenda: vive el sabor peruano.

La semiótica nos ayuda a ver un diseño como un conjunto de signos: textos, figuras, trazos de color..., se combinan en una estructura significativa. Elementos aislados, que insertados en una escena, al combinarse configuran un mensaje, en este caso, apelando las ideas de helado, de gaseosa, de lo peruano y del verano.

El señor don Jose Lindley, creador de la bebida, se adelantó a su tiempo, quizás por se miembro de una familia de inmigrante ingleses. Vio las cosas de otra manera, cuando eligió una palabra que caracteriza lo peruano, en una época donde los referentes para marcas eran extranjeros, pues la peruanidad como valor agregado es un fenómeno reciente. Quizás eligió ese nombre con la intención de acercarse a las masas.

Dejando a un lado la búsqueda de significados y remontándonos a la historia recordamos que este acercamiento a la peruanidad esconde un lado oscuro. No hay que olvidar que la gaseosa, fue creada en 1935, época donde primaba una visión idealizada del Imperio de los Incas. Una idealización del pasado prehispánico que sirvió como símbolo para construir la idea de nación después de la independencia. Detrás de esta idealización, se escondía la miopía cultural de la burguesía de ascendencia europea que dominaba el país, y que no quería ver ninguna relación entre los Incas, con las mayorías indígenas autóctonas marginadas. Así fue creada la bebida de sabor nacional, apelando a un símbolo de una peruanidad mal formada y excluyente. Se puede decir que Inca Kola nació como parte del discurso criollo que reflejaba el sentimiento contra lo indígena.

Para concluir, EL HELADO INCA KOLA, es un buen ejemplo de cómo dos empresas con un buen posicionamiento en el imaginario peruano, como dicen los publicistas, han creado un producto simpático, para el verano, dirigido a todos, superando antiguos divisionismos sociales, en esta época donde el consumidor promedio ha empezado a valorar el adjetivo de peruano, en muchos productos. Una vez más se lleva a la práctica el ideal de unión nacional y peruanidad, que también expresó otro eslogan de la marca: Inca Kola El Sabor Que Nos Une.

HANOI HILTON

2009-02-15T16:23:00.000-08:00

Pasó el 2008 y el país vivío la famosa cumbre APEC, donde se reunieron los representantes de 21 países, perdón, economías, como se les dice ahora. Entre las economías asistentes tenemos a los otrora enemigos: Estados Unidos de América y la República Socialista del Vietnam, denominación contradictoria, ya que de socialista solo tiene el nombre, pues siguiendo el ejemplo de China, abrió sus fronteras para abrazar el libre mercado con fuerza.

Al parecer, en nombre de las bondades que se pueden conseguir a través del comercio internacional, en este mundo globalizado, Estados unidos y Vietnam se han olvidado de las diferencias pasadas y de esa funesta guerra que es recordada en Norteamérica por muchos como una tragedia. Ejemplo que deberíamos aprender los suramericanos, el de olvidar las diferencias y pasar por encima de los malos recuerdos de las guerras.

Sin embargo, en Hanoi, la capital vietnamita, no se han olvidado de los horrores de la guerra cuando se trata de recibir turistas, pues la antigua prisión de Hoa Lo ha sido convertida en un museo, el cual forma parte de la oferta de lugares que pueden ser visitados por los extranjeros.

Este museo, una herramienta más de la propaganda estatal, que a manera del Museo de La Guerra que hay en Corea del Norte, sirve para que los visitantes puedan apreciar, como unos pequeños países comedores de arroz que abrazaron el marxismo, se enfrentaron con valor al imperialismo yanqui.

La prisión de Hoa Lo fue creada por los franceses a fines del s. XIX con el nombre de Maison Centrale, para encerrar a los vietnamitas con ideas independentistas. Sirvió para confinar al encierro y en muchos casos a la muerte, a los prisioneros de guerra durante el conflicto con los Estados Unidos. Hoa Lo se puede traducir como estufa u horno ardiente, pues en la calle donde se encuentra el museo, desde la época colonial, se aglomeran una gran cantidad de vendedores de estufas a carbón.

La cárcel fue llamada irónicamente Hanoi Hilton por los prisioneros de guerra en referencia a la cadena de hoteles Hilton. Sin embargo, no tenía nada que ver con un hotel pues fue una prisión donde se cometieron los más grandes abusos contra los presos, torturándolos, en muchos casos hasta la muerte, con la condición de que se declaren como invasores imperialistas, declaraciones que fueron utilizas por los vietnamitas para ponerse en el papel de víctimas invadidas.

Se sabe de las torturas y las condiciones de vida infrahumanas por los testimonios de los prisioneros supervivientes que regresaron a Estados Unidos, entre los que se encuentra John Mccain, el ex candidato republicano. A Mccain le rompieron las piernas y tuvo que caminar con muletas, y no ha logrado, pese al largo tiempo pasado, recuperarse totalmente de las secuelas que le dejaron los cinco años de prisión. Estos hechos han sido maquillados por el gobierno vietnamita, diciendo que el trato a los prisioneros no fue tan duro y afirmando en un principio que Hoa Lo no sirvió para confinar prisioneros de Estados Unidos, sino bandidos y piratas.

La antigua prisión, de la cual solo queda una parte, ya que la mayoría de la construcción fue derrumbada, se ha convertido en pieza más de la oferta turística de este país, que como el Perú, es una economía pequeña que trata de conseguir afanosamente tanto inversiones extranjeras como turistas extranjeros. Dentro de este contexto capitalista donde ya nadie en Vietnam piensa en la revolución, no es extraño que el país tenga su propio hotel de la cadena Hilton, llamado: Hilton Hanoi Opera Hotel. Ironía del destino.

Así como en algunos países se elaboran propuestas para utilizar el patrimonio cultural de una manera poco digna, como parte de proyectos comerciales, en Vietnam se maquillan los horrores del pasado para colocarlos en un escaparate, convirtiendo una antigua prisión en un museo y a éste, en una tienda del horror.

MUSEOS, MÁS ALLÁ DE LAS MIRADAS

2008-12-24T13:31:00.000-08:00

Considero que el indagar en la ideología propia de los museos, es decir, la ideología que influye en las acciones y las preferencias de sus directivos o de los patronatos que los apoyan, es una actividad interesante, útil, por lo tanto necesaria.

Recordando la popular frase de Campoamor, el mundo es del color del cristal con que se mira, nos preguntamos ciertamente de que color es el cristal que utilizan los responsables de museos para apreciar la realidad circundante, o mejor dicho, cuales son las ideas que determinan sus relaciones con la comunidad.

Transcurridos tres años de la exposición Thomas Struth: Imágenes del Perú, del fotógrafo alemán Thomas Struth en el MALI (Museo de Arte de Lima), he vuelto a leer el folleto de dicha exposición y me llamó la atención una foto utilizada como presentación en el mismo. Una imagen grande, que cubre casi toda la cara del folleto. Fotografía de una calle subiendo un cerro con un mototaxi estacionado. Una escena propia de un barrio popular en algún punto de las periferia limeña.

¿Qué significa esa imagen? ¿porqué el MALI la colocó en el folleto que sirvió de presentación de dicha exposición?. No deseo una respuesta por parte de los responsables, sino buscar las razones de la colocación de esa fotografía en el folleto, apelando al descubrimiento de las ideas que se esconden detrás de esa decisión.

Quiero ir más allá, de la necesidad de utilizar esa foto con motivos promocionales, pues es la imagen de la exposición más representativa de esta ciudad. Sobre todo para una mirada extranjera. Llegar a las ideas: clichés, estereotipos o prejuicios, que se esconden detrás de la decisión de usar la foto de esa manera.

Es conocido que el escenario que muestra la mencionada foto, está alejado de la Lima donde los responsables del MALI realizan sus actividades cotidianas ¿acaso fueron contagiados por el entusiasmo de Struth sobre esta ciudad?

Al parecer Thomas Struth se quedó pasmado por una ciudad como Lima, que le ofreció escenarios urbanos diferentes a los que estaba acostumbrado a fotografiar - sobre todo en la zonas periféricas populares -, pues su carrera como artista visual se desarrolló entre Europa y Norteamérica.

Parece que el descubrimiento de América todavía continua. Descubrir en ella novedades exóticas propias de esta tierra, genera entusiasmo y fascinación. Fascinación que empezó desde el s. XVI cuando América fue vista como la tierra de las utopías; entusiasmo que se manifestó en el espíritu emprendedor de las expediciones de Humboldt, de Darwin o de Malaspina. Esta fascinación y este entusiasmo por lo exótico de las tierras americanas no ha terminado aun, sobre todo al sur del Río Grande. Pues ya no se busca el Dorado, ni la fuente de la juventud en la Florida, pero si se deja Europa para fotografiar lo pintoresco o quizás lo tercermundista de Lima. ¿Qué tan contagioso es ese entusiasmo?

Hay que tener en cuenta que la fotografía es parte de la colección de la galería de arte Marian Goodman. Desde Duchamp, estamos consientes de que son las instituciones las que le dan el valor de obra de arte a los objetos. Si esa foto hubiera sido tomada por un reportero para salir en un periódico limeño, como parte de una nota periodística sobre un asesinato, nunca hubiera sido considera como obra de arte y menos utilizada por el MALI.

El Perú es un país dividido, donde la comunicación entre ciertas fracturas ha sido, en algunos momentos históricos, imposible, peor aun, la única comunicación posible desgraciadamente fue la violencia (Buntinx).

Al estar consciente de este divisionismo, se podría interpretar a ésta imagen como un puente entre dos sectores incomunicados: el museo y la periferia de Lima, donde no se desarrollan programas culturales con el apoyo de las instituciones museísticas.

Esta comunicación me hace recordar, la conocida posición de varios artistas entre los que podemos mencionar a Herbert Rodriguez. Según esta posición, el MALI es un bastión de la burguesía limeña, la cual, con sus prejuicios mantiene una posición excluyente con respecto a ciertas manifestaciones culturales, que no son reconocidas por el Establisment limeño.

Esta supuesta descomunión entre el museo y las mayorías, es de larga data en nuestro país y se remonta casi hasta el nacimiento de la República. Como lo describe uno de nuestros museólogos más prestigiados.

...una burguesía criolla que al no poder emular a los museos europeos no se interesó por crearlos aquí con los objetos de la cultura nativa. (...) Sólo cuando el campo presiona a la ciudad se comienza a hablar de “ identidad nacional” (Castrillón p. 11, 1986).

El desinterés de crear un museo nacional, es consecuencia de la miopía de la burguesía para ver a las mayorías segregadas. Según un conocido y destacado científico social, una verdadera ceguera para lo que no se quiere conocer.

A diferencia de las formas clásicas de segregación que se caracterizan por hacer notoria el estigma diferenciador, la mirada simplemente suprime lo que no quiere ser visto ni tocado y menos entendido (Nugent p. 17).

No se desea ver lo que no se quiere entender. Actitud común en una ciudad como Lima. Un ejemplo de esto, lo podemos leer en un interesante artículo sobre la discriminación, que comenta el comportamiento de los jóvenes que frecuentan discotecas exclusivas.

...exigen alternar con “gente como ellos” porque solo así, en la homogeneidad, se sienten cómodos (...) están cargados de temores y prejuicios, así como de una gran flojera cultural que les impide esforzarse por entender todo aquello que sale de su norma (Moscoso p. 36).

No solo una falta de visión hacia lo “popular” sino también hacia las novedades, dentro de la práctica no “popular” del arte. Anclados en una visión reacia a renovarse, ciertos responsables de la promoción cultural, son indiferentes a las expresiones contemporáneas de avanzada, en el área de las artes visuales.

En esta época de tolerancia e inclusión, surgen propuestas como la exposición El Final del Eclipse, donde como en un eclipse que termina y se puede ver el astro que fue ocultado, se logra apreciar al arte contemporáneo latinoamericano, que por puros prejuicios no fue valorado (Jiménez).

Aparte de la foto mencionada, el MALI está empezando a trazar verdaderos puentes comunicacionales. Como parte de esta iniciativa, se puede mencionar al programa MALI CONTEMPORÁNEO, que tiene como objetivo coleccionar el arte de los últimos años. Obras, en un mayor número, de artistas jóvenes, que hace sólo un par de décadas no habrían sido valoradas y por lo tanto tampoco aceptadas. Un hecho sintomático del cambio de criterios en la valoración del arte.

Junto al arte contemporáneo, el MALI, ha empezado a formar su colección de arte “popular”. Así, el museo sintoniza con la propuesta de Alfonso Castrillón: un nuevo sistema, que acoja tanto a las nuevas expresiones, como a las llamadas “populares”.

Según Castrillón (p. 56, 2004), la nuevas propuestas como el video-arte, enmarcadas dentro del arte contemporáneo, así como las expresiones regionales, herederas de fuertes y antiguas tradiciones, conocidas como artes populares; necesitan ser vistas bajo un nuevo sistema, pues por sus características en cuanto a su producción, distribución y consumo, no pueden ser consideradas por el caduco Sistema de las Artes de Occidente. Sistema que definió y legitimó el concepto de arte durante unos cinco siglos, desde el Renacimiento hasta la década del 70, y que dejó de ser pertinente en el contexto actual de la posmodernidad, o de las llamadas modernidades alternativas en el caso del Perú, o de América Latina.

Quizás, en cierta manera influídos por la propuesta MICROMUSEO de Gustavo Buntinx, donde no se establecen relaciones de poder cultural entre las elites del centro y de la periferia, sino para vehicular nuevas y propias COMUNIDADES de SENTIDO. En una actitud descentralizadora y democrática, están desarrollando proyectos, donde la nuevas colecciones son exhibidas fuera del local de la institución, buscando establecer nuevas formas de relacionarse con la comunidad. Como dice un folleto del MALI: El programa ofrece un espacio de encuentro y debate para acercar el arte a la sociedad y formar nuevos públicos.

Así que detrás de la nueva mirada de MALI, encontramos no los

mismos (pre) juicios históricos de siempre, sino la intencionalidad de superarlos.

REFERENCIAS

Buntinx, Gustavo. La Tentación Autista. Notas a una Instalación Imaginada.

Texto curatorial elaborado para la instalación: Tiempo Detenido, de Runcie Tanaka.

I Bienal Iberoamericana de Lima, 1997.

Castrillón, Alfonso. El Museo Peruano: Utopía y Realidad.

Lima, 1986.

Castrillón, Alfonso. “Consideraciones Provisionales sobre el Fin del Arte”, en: Illapa, Nº 1, Año 1, Lima, diciembre 2004.

José Jiménez. El final del Eclipse.

Catálogo de exposición, Fundación Telefónica, Lima, 2004.

Mali Contemporáneo. Adquisiciones y Donaciones 2008.

Folleto de Exposición, MALI, Lima, 2008.

Moscoso, Rocío. “Discriminación en el Perú”, en: Debate,

Vol. XX, Nº 104, Lima, diciembre 1998 – enero 1999.

MICROMUSEO (Al fondo hay sitio).

http://www.micromuseo.org.pe.

Nugent, Guillermo. “Las Escisiones del Gusto”, en: Perú Resistencias.

Catálogo de exposición, Casa de las Américas, Madrid, 2001.

Thomas Struth: Imágenes del Perú

Folleto de exposición, MALI, Lima, 2005

Simplemente METEORO

2008-09-07T13:59:00.000-07:00

A pesar de las críticas que le han dirigido a la película Meteoro, basada en el popular anime, de ser un producto fallido que solo funciona para fans y el público infantil, y que no es más que una mezcla de colores que dan vértigo, junto a una historia inocente y fofa, no se puede pasar por alto el hecho de que Meteoro es un gran ejemplo, si se considera la cantidad de referentes a las artes plásticas que posee.

En primer lugar, Meteoro le debe su estética, en términos generales, al Pop Art. Tanto así que los famosísimos hermanos Wachowski, artífices de la película, han llamado al estilo de esta: poptimista, que se caracteriza por sus luces y colores llamativos. Y así como al Pop también al Comic. Por sus cualidades visuales, cada escena parece más una viñeta sacada de una historieta, que una toma cinematográfica y al verlas enormes, proyectadas en el ecran, nos pueden hacer recordar a los trabajos de Roy Lichtenstein.

La cualidades visuales de la película, nos hacen recordar a cierta influencia sesentera, que se nota no solo en el Pop Art, sino también en el look de los actores, que es el mismo de los personajes originales del anime, así como al estilo característico de esa década, el: A go go. También no recuerda a ciertos rasgos de una estética espacial futurista acaramelada como la de Los Supersonicos ( The Jetsons ).

No hay que olvidar que el titulo original del anime en 1967 fue Mach go go go, ¿simple coincidencia?. Desgraciadamente ya no esta vivo el creador de la serie, Tatsuo Yoshida, para preguntarle el porqué de dicho título, que no tiene traducción al español. Pero las coincidencias no existen, pues si aceptamos esto, estamos aceptando el azar, y este solo existe aparentemente a nivel subatómico, solo aparentemente, pues como dijo Einstein: Dios no puede estar jugando a los dados con el mundo.

Aparte del futurismo adulcorado infantiloide que nos hace recordar a Los Supersonicos, y los colores Pop a lo Andy Warhol, Meteoro nos aproxima a un futuro no tan dulce, de enormes edificios a lo Blade Runner. Estos edificios, símbolos del poder corporativo o dictatorial, nos hacen recordar a los diseños de Paolo Soleri y sus ciudades verticales a manera de edificios gigantescos, así como también a los dibujos de Antonio Sant Elia o de Hugh Ferris.

Lo anterior es remarcado nada menos que por el protagonista de Meteoro, Emile Hirsh, quien dijo: es una mezcla de Blade Runner y Andy Warhol.

En la línea del arte contemporáneo, aparte del Pop y del Comic, algunos collage de imágenes en el blanco y negro insertadas en escenas a color, nos pueden hacer pensar en los trabajos de Robert Rauschenberg.

Como se dijo al comienzo, los referentes de Meteoro abarcan el universo de las artes visuales como en el final de la película en la gran carrera. Los haces luminosos que cruzan la pantalla, nos recuerda a los primeros gráficos animados utilizados en el cine como los de la película Tron de 1982, a la estética de esas calles llenas de letreros luminosos y por supuesto al arte de luces de Dan Flavin. Efectos de luces que también aparecen en la impresionante carrera en el tubo de hielo, cuya entrada en forma de una boca abierta alude a la escultura en ese material.

Estos ejemplos, son una muestra de la grandiosa impronta artística que los Wachowski dejaron en esta película, entre los cuales también podemos describir a las llamativas escenas de aventuras en diferentes contextos geográficos, sobre todo en la carrera llamada Casa Cristo. Tipo de aventuras propias del anime original, que se desarrollan en diversos escenarios internacionales.

La partida de la carrera Casa Cristo, sucede en un ambiente no europeo. Una combinación de ambientes fuera de Europa con aventuras exóticas, que sin dar señas de pertenecer a un país o una región en especial, los elementos que muestran hacen referencia sobre todo al Oriente, empezando por los esos edificios con las famosas cúpulas de cebolla, propias del Kremlin, tan comunes en la arquitectura de los templos en casi toda el Asia. Así como también el bosque de columnas que cruzan los competidores al comenzar la carrera y que recuerda a la Alhambra de Granada.

Así como el crítico de arte Luis Lama, consideró que el vídeo hecho para la canción Sledgehammer de Peter Gabriel, es prácticamente un compendio de las artes visuales del siglo XX. De la misma manera, se puede afirmar sin llegar a tanto, que esta película es una de los grandes ejemplos del cine, que le deben mucho a las artes plásticas en general.

SOBRE TOP MODELS Y NUEVOS GUSTOS PARA UN NUEVO SIGLO

2008-07-03T11:56:00.000-07:00

Estamos empezando un nuevo siglo y con ello, presenciamos ciertos cambios en las inclinaciones colectivas hacia determinados gustos y colores.

Desde hace 500 años la cultura occidental, como parte de la llamada globalización, ha impuesto fuera de su cuna, Europa, a la raza blanca como única verdaderamente bella. Estamos hablando de canon de belleza occidental, que se remonta hasta la Grecia de Platón y Policleto. Fue este último quien escribió El Canon, texto desgraciadamente perdido, pero del cual se conoce sobre todo gracias a los escritos del médico griego Galeno.

Policleto, marcado por el pensamiento de Pitágoras, definió las características que una figura humana debería tener para ser considerara bella. Ideal de belleza, basado en las proporciones entre todas las partes del cuerpo entre sí y de todas ellas con el conjunto. Sus propuestas teóricas así como el cuerpo de los atletas, sirvieron a Policleto para dar forma a sus esculturas.

Tanto las ideas de los griegos, como las formas de sus esculturas, dejaron huella en la representación de la figura humana en los últimos 24 siglos, y siendo los griegos un pueblo de origen indoeuropeo, no es difícil entender porqué los ideales de belleza grecolatinos son parecidos a los de la sociedad occidental contemporánea.

Afortunadamente, en este siglo 21 dentro de la cultura occidental globalizada, están surgiendo nuevas propuestas, dejando a un lado la prepotente presencia del canon de belleza occidental, que en su nombre se despreció a tantos pueblos. Estos cambios son parte de la cultura visual actual.

Vivimos actualmente en la sociedad de consumo, al menos la gran mayoría de la humanidad, donde una imagen vende más que 1000 palabras. Por lo tanto, para estar al día de los cambios en el uso de la imagen humana, dentro de este sistema consumista, hay que estar enterado de las últimas tendencias en la publicidad visual. El ejemplo más obvio de esto, son las nuevas caras que se pueden apreciar en el mundo del supermodelaje.

Desde hace unos 15 años, el negocio del modelaje internacional dio cabida a modelos negras, como por ejemplo: Halle Berry, Tyra Banks, Liya Kebede o Naomi Campbell. Esta última, negra pero nacida en Londres, se quejó hace poco de discriminación, exigiendo más modelos de color.

Como se aprecia en la foto, esta portada de la revista Vogue del 2004, es una buena muestra visual de la proporción entre la cantidad de supermodelos blancas y negras que consiguen un lugar en el negocio. Aquí aparece en medio de blancas, Liya Kebede la modelo africana nacida en Etiopía, la única chica de color elegida por la revista en su concurso mundial de top models.

Dicen, que las mujeres de Etiopía, han llamado la atención de los cazadores de modelos, por tener rasgos que se asemejan a los de la raza blanca, como la nariz y los labios menos gruesos que otros africanos. Según algunas suposiciones, la Reina de Saba era etíope, y su belleza, típica de las mujeres de ese país africano, encandiló al Rey Salomón, quien no se salvó de sus encantos, ni siquiera con su inmensa sabiduría.

Que se puede decir de todo esto. Al parecer existe cierta inclinación hacia la raza negra en las modelos, pero con ciertos rasgos caucásicos; quizás porque estas chicas, hacen recordar a los europeos adinerados que mueven la industria del modelaje, sus vacaciones en playas tropicales. Al parecer, no están listos todavía para aceptar labios y narices gruesas.

Quizás para entender lo anterior, hay que tener en cuenta que la alta costura, la moda y el modelaje, son negocios y sus principales productores y más ricos consumidores, no son precisamente africanos, sino que están en Nueva York, Paris, Milan o Londres.

Al parecer se acerca la era, donde aparte de las modelos de color, se podrá contar con asiáticas. Es en las grandes ciudades del este del Asia, desde Tokyo por el norte a Yakarta por el sur, pasado por Beijing, Seul o Taipei, donde se van formular las nuevas tendencias sobre gustos, que de todas maneras influyen en el consumo. Pues, las principales relaciones comerciales en el mundo se van a trasladar o ya se están trasladando del Atlántico al Pacífico.

Quizás sea esta, una de las razones de la elección en este 2008 de la surcoreana Seung-Hyun, por la globalmente prestigiosa agencia Ford, en su concurso mundial. Como se aprecia en la primera foto, la chica está junto con las otras finalistas, donde la única suramericana es la peruana Nicole Faveron Vasquez, la del vestido rojo en medio de la imagen.

Al parecer, es el mercado que condiciona, en parte, las convenciones sobre estética. Hecho que nos hacer recordar a Marx cuando afirmó que la cultura (las inclinaciones estéticas forman parte de esta) pertenece a la superestructura y por lo tanto está determinada por las fuerzas productivas y las relaciones de producción, o sea la infraestructura. No se puede negar, los factores económicos están entre los principales condicionantes de las inclinaciones colectivas sobre los gustos y del ideal de belleza.

Dentro de esta inclinación por lo oriental, no podemos dejar de nombrar a la influencia del budismo Zen, que últimamente ha tomado fuerza a nivel internacional tanto en la arquitectura de interiores como en la decoración de platos.

Es el Zen, que a través de la cocina tradicional japonesa, ha marcado la última tendencia en la decoración de platos, caracterizada por el uso de ciertos principios estéticos, como los platos cuadrados y el manejo de colores y formas de presentación con el objetivo de que los platos servidos sean atractivos a la vista. La presencia de esta tendencia, que ha llegado al Perú, es tal, que ningún Cheff de categoría internacional se encuentra apartado de está corriente en boga. Así como lo japonés de alguna manera está marcando la gastronomía peruana, no hay que olvidar que la peruanísima papa llegó al Japón a finales del siglo 16 en un barco holandés. Más ejemplos de lo globalizados que estamos.

De la misma manera, no se puede olvidar que en el Perú hasta hace poco años, los pescados llamados azules, de carne oscura como el bonito, eran despreciados precisamente por su color. Actualmente tan solicitados por su contenido en ácidos grasos poliinsaturados.

MICROMUSEO Y OTRAS MUSEOTOPIAS PARALELAS

2008-03-25T11:44:00.000-07:00

Afortunadamente parece que Lima va ha tener por fin este año 2008, después de 40 años aproximadamente, un museo de arte contemporáneo (MAC). Así que la ciudad estará a la altura de las principales capitales de América del Sur. Ni que pensar en el estupendo y famosisimo Museo de Arte Contemporáneo de Caracas, como para sentir envidia.

¿Que le pasa al Perú y sobre todo a Lima, la ciudad capital que para las provincias es el símbolo de la modernidad? Lo que le pasa es que a pesar de esta carga simbólica, le cuesta llegar a ser una ciudad totalmente moderna, donde hablar de arte contemporáneo es casi como tratar de temas místicos o esotéricos, incluso en las galerías limeñas de arte, las cuales se suponen albergan los consensos más actuales. Pero esta situación esta cambiando.

Afortunadamente la burguesía limeña sigue cada vez menos marcada por la añoranza de un pasado señorial, (sirvientes y esclavos incluidos) que le dificultó abrazar a la modernidad en todos sus sentidos, rechazando a la industrialización como generación de riqueza. Actitud que tanto daño le ha hecho a Latinoamérica y al sur de los Estados Unidos en estados ocupados por Francia durante los tiempos coloniales. Como dicen por allí: seria diferente si en vez de que hubiesen llegado los españoles hubieran llegado los ingleses...

Desgraciadamente la actitud mencionada fue la causa de la incapacidad de la burguesía de construir un verdadero museo nacional que hasta hoy día no lo tenemos. En estos tiempos de tolerancia y diferencias, ya no se busca el único y gran museo de arte moderno y/o contemporáneo, situado en Lima, como la otrora centralización lo exigía. La actual realidad consiste en varias propuestas todas válidas, cada una con su lugar dentro del contexto cultural: varias museotopías.

Ese vacío causado por la larguísima espera en ver realizado el MAC, motivó la aparición de varias propuestas con la intención de llenar dicho vacío museal. Varias museotopias se vienen desarrollando, propuestas museológicas paralelas en el tiempo las cuales se ejecutan en diversos lugares o espacios (TOPOS, es este caso heteretopías, recordando a Foucault, el museo como "ese otro espacio", donde la sociedad occidental ha reunido diversos tiempos), sean estos reales geográficamente hablando o virtuales (estamos en la era WEB. Los átomos son remplazados por bits, citando a Nicholas Negroponte), o sólo espacios mentales que albergan conjuntos de ideas para ser discutidas y publicadas. El museo dejó de ser un edificio.

Dentro de estas museotopías paralelas al proyecto MAC vinculadas al arte contemporáneo tenemos el proyecto MALI Contemporaneo del Museo de Arte de Lima (MALI), y los museos de arte contemporáneos de Trujillo y Arequipa, ciudades que se adelantaron a Lima gracias a la iniciativa privada y al fortalecimiento de las identidades regionales. Pero estos proyectos igual que el MAC de Lima, no escapan a la forma tradicional del museo como institución. Me refiero al museo que alberga dentro de un edificio colecciones y a partir de ellas desarrollan actividades que lo relacionan con la comunidad.

La modernidad como proyecto ha fracasado parcialmente en el Perú, quizás por encontrarse en la periferia de Occidente. Mientras que en Europa desde más de dos décadas que se discute sobre una posmodernidad, ya se habla del final de la modernidad, incluso de la misma historia. Fuera del viejo continente, la historia sigue muy viva, y se están configurando modernidades alternativas, regionales, con tintes locales, que de manera paralela viven y comparten espacios geográficos y culturales con imperativos globales.

Esta nueva realidad, esta modernidad alternativa que se vive en el Perú actual, necesita una propuesta diferente de museo, un proyecto crítico, para acercarse a la producción cultural más reciente de este país tan complejo. Una propuesta desvinculada de las visiones cerradas y sectarias impuestas por los prejuicios de quien detentan ciertos poderes o defienden ciertas tradiciones.

Cuando una persona no quiere aceptar ciertos cambios en la vida hay quienes le dicen que posee una mente cuadrada. Así la forma del cuadrado adquiere connotaciones de estabilidad y rigidez de la misma manera un cubo que no es más que el equivalente a un cuadrado en el espacio o sea en tres dimensiones, puede significar la estabilidad o la dificultad al cambio en un espacio, en este caso un espacio cultural, el de los museos.

Pero que sucede si un cubo lo llevamos a dimensiones superiores, a la cuarta o quinta dimensión, tenemos un hipercubo también llamado teseracto, una abstracción matemática, cuya forma física esta más allá de la capacidad de nuestras percepciones humanas, lo más cercano que podemos aproximarnos a ella es a través de sus representaciones en tres dimensiones.

A diferencia del cuadrado y del cubo, el hipercubo en cuatro o más dimensiones es una figura en movimiento, no hay que olvidar que a partir del s. XIX se concibió a la cuarta dimensión como el tiempo, y un hipercubo es un ente en movimiento, necesita del tiempo, cambia de forma constantemente de una primera o otra segunda y viceversa, existiendo las dos formas al mismo tiempo (posibilidad sólo en dimensiones superiores a tres), el dinamismo es una característica ontológica del hipercubo, sin tiempo, por lo tanto sin movimiento, no existiría.

Contrario al cuadrado o del cubo como símbolos de una actitud anclada en el tiempo o en la tradición, el hipercubo podría significar una dinámica constante entre procesos parelelos, en una relación dialéctica donde a veces se oponen y otras se complementan en objetivos y búsquedas, pero siempre siendo parte de un proyecto mayor. Un continuun perpetuum, sin limites fijos, donde se diluye la idea de centro. Lo opuesto a la condición estática de rigidez, que a veces condiciona negativamente el desarrollo de proyectos culturales, en nuestro caso para ser más específicos: proyectos museísticos.

Hipercubos y paralelismos, dos conceptos unidos en un prototipo de computador llamado Cosmic Cube fabricado en 1981 en el California Institute of Technology. Una máquina de gran tamaño formada por un conjunto de 64 pequeñas computadoras agrupadas en paralelo funcionando como una computadora grande. Este conjunto fue diseñado tomando como referencia un modelo tridimensional de 64 vértices de un hipercubo en 6 dimensiones. El paralelismo en computo era en aquellos años experimental, hoy en día es una tecnología ampliamente utilizada.

Cosmic Cube, un cubo cósmico, un cubo hiper, nombre que alude a un ente imaginable sólo como una abstracción, imposible de ser aprehendido en nuestra experiencia sensorial cotidiana. No alcanza planos místicos ni metafísicos pero si connotaciones cósmicas, que nos hacen recordar nuestra pequeñez infinitesimal y por lo tanto nuestra muy limitada mirada, con la que pecamos de excluyentes cuando ejercitamos legitimaciones.

Para juzgar lo cercano tenemos que también ver lo extremadamente lejano, lo extraño, lo diferente. Cósmico y legitimaciones, dos palabra que nos recuerdan el Modelo Constelar (cuyo nombre se debe a ciertas similitudes con las constelaciones siderales). Modelo que fue utilizado por Mari Carmen Ramírez en la exposición Heterotopías realizada en el Museo Reina Sofía del 2000 al 2001. Según ella, esta exposición: escapa de forma deliberada al paradigma historicista con el que siempre se ha preferido encasillar lo mejor y más destacado de la producción artística de América Latina. La historia siempre ha sido escrita por los ganadores. La historia del arte es una historia de élites.

Paralelamente a las ya mencionadas museotopías vinculadas con la práctica artística contemporánea, podemos nombrar a Micromuseo. Esta propuesta es la que más se ajusta a la idea de un museo alternativo para una modernidad alternativa. Un museo que sea una propuesta dinámica y renovadora, y hasta subversiva en contra de lo más reaccionario del establishment. Proyecto critico que podría tomar al hipercubo como símbolo, alejándose de las mentes cuadradas que se oponen al cambio.

Modelo de un nuevo museo, el Micromuseo, una propuesta móvil, con acciones en diferentes puntos geográficos (el paralelismo de las acciones se opone a la rigidez tradicional de concentrar todo en un lugar). Un museo sin local fijo, pues un museo no es un edificio sino una propuesta crítica, afirma su creador. Organiza acciones en diversos puntos a la manera de rutas y viajes de un microbús, símbolo del transporte de los pobres en el Perú. Pues no sólo colecciona y exhibe obras, sino que también las circula contextualizando, forjando comunidades de sentido a través de las fracturas en una sociedad como la peruana.

Una sociedad fracturada, donde el museo debe justamente sobre la base de esas fracturas y diferencias, no sólo interpretarla sino también ayudar a transformarla, precisamente curando esas heridas. La verdadera misión de un museo moderno: un museo para todos.

ENTRE LA GLOBALIZACIÓN Y LO POPULAR EMERGENTE

2008-01-31T17:45:00.000-08:00

Estas dos imágenes mías, ¿ La modernidad está llegando a los cerros? y... Mc Donalds, un gringo chicha. Entre la globalización y lo popular emergente, reflejan la situación presente de las mayorías en el país. Estas forman una sociedad fracturada donde la modernidad (la occidentalidad) se confunde con la tradición y con ciertos rezagos de un pasado nativo (la no occidentalidad) que todavía se hace sentir con fuerza. Todos estos elementos se combinan consolidando una posmodernidad presente que más bien sería una modernidad alternativa, una modernidad a la peruana. Hay que tener en cuenta que el Perú y en general América Latina, se encuentra en la periferia de Occidente, por lo tanto el proyecto de la modernidad aquí ha tenido muchos tropiezos.

Parte de esta (pos)modernidad consiste en participar de la globalización, de la cual no podemos escapar, a no ser que el Perú como país se aisle del mundo. (Más o menos Corea del Norte ha tratado de seguir por ese camino y ahora lo están lamentando)

Al no poder escapar de la globalización, todos estamos inmersos en la lógica del mercado, algunos más o menos en la lógica de los supermercados, otros en la lógica del comercio, las cadenas de comida rápida (Fast Food). Dinámica comercial que ya está presente en las periferias de Lima, aunque no faltan los que todavía no se benefician, y son muchos.

El supermercado y el Fast Food, son motivo de estas dos imágenes, que en este caso simbolizan la emergencia de los sectores llamados populares y del lugar que están alcanzando (al menos para la lógica del mercado) dentro de una sociedad que siempre los marginó.

Dan Rudoy entre el arte y la mecánica

2007-12-26T20:42:00.000-08:00

Quiero aprovechar estas líneas para recordar el arte de Dan Rudoy. Dan Rudoy mecánico de automóviles de profesión y artista autodidacta por vocación, expuso sus trabajos como artista por primera y única vez en el Perú en 1996, en la desaparecida galería de arte Parafernalia.

Peruano de nacimiento, de padres extranjeros, actualmente vive en Hawai. Toda su vida escolar y su formación profesional como mecánico se desarrollo en los Estados Unidos, donde paralelamente tuvo la oportunidad de apreciar el trabajo de artistas como Marcel Duchamp, Joseph Cornell, Hans Bellmer y Rube Goldberg los cuales influirían en su arte.

El arte de Rudoy es representativo de esta época, donde los límites para definir el arte no son precisos y donde la tolerancia actual del Establishment, a diferencia de otros tiempos, acepta la mayoría de las propuestas multiculturales, como la del artista.

En una simple y primera lectura, los trabajos de Rudoy según varios puntos de vista, podrían evidenciar un arte naif propio de un artista autodidacta, ajeno al desempeño técnico que se puede alcanzar gracias a una formación académica en arte plásticas.

Una lectura más profunda, hace notoria la multiculturalidad expresada en el trabajo del artista. Ruboy combina y yuxtapone elementos diversos, desde signos trivales de grupos étnicos no occidentales, hasta expresiones urbanas colectivas, varias vinculadas a un contexto juvenil como el graffiti, los comics, los fanzines .... Hay que tomar en cuenta la juventud del autor, tenia 27 años cuando expuso en Lima. Así también maneras de representación propias de niños y de enfermos mentales, actitud de Rudoy que lo acerca al Art Brut promovido por Jean Dubufett.

Ruboy no mencionó nada al respecto, pero es posible que detrás de esos referentes no occidentales, se encuentre cierta influencia, consciente o no consciente, de los signos propios de un Hawai autóctono, o quizás hasta alguna simpatía con el Movimiento Independentista Hawaiano que, indentificándose con su pasado polinesio, desean separar Hawai de los Estados Unidos.

Para muchos no es aconsejable el psicoanálisis como método de interpretación del arte, ya que podría dar conclusiones atrevidas. Sin embargo, una inmersión al subconsciente de Rudoy sería de ayuda para conocer más de cerca las razones que construyen su identidad.

Estudió mecánica en Minnesota, uno de los más representativos estados de la Norteamérica anglosajona, que después cambio por Hawai mucho más al sur. Es un hecho, que tanto el Perú como Hawai están al borde de Occidente culturalmente y geográficamente hablando. Al menos los hawaianos se "salvaron" de estar en la periferia, supuestamente, al ser parte de la Unión Americana. Que se esconde detrás de la decisión de dejar el clima frío de Minnesota por el tropical de Hawai, ¿un deseo asociado al hecho que nació en el Perú, deseo que se esconde detrás del regreso consciente de instalarse en el trópico?. Es evidente en Rudoy la búsqueda de signos tribales. ¿Hay en él un impulso de situarse en el borde mencionado y tomar contacto con expresiones lejanas a la tradición artística occidental?. La búsqueda de las respuestas a estas preguntas escapa a los objetivos de este texto, sólo están planteadas como hipótesis para un posible trabajo de interpretación.

Pero su arte, por el hecho de ser arte, es más que la unión de diversos referentes unidos por una actitud alejada del academicismo. Es una búsqueda de una estética personal, que combina el humor generado de cierta actitud lúdica o infantil, con una carga irónica sobre algunos aspectos la vida o de la cotidianidad.

Es una estética fantasiosa de carácter surrealista o al menos onírico. En algunos trabajos es posible percibir cierta dosis de surrealismo erótico, que hace recordar al arte de Hans Bellmer.

Rudoy trasciende facetas de la realidad cotidiana, como la funcionalidad que tanto valor ha tomado dentro de la cultura moderna. Sale a caminar y encuentra objetos desechados, los cuales une formando ensamblajes, acción que pone en evidencia su gusto por la mecánica. A veces los objetos que utiliza son piezas de motor o una lata de aceite, los cuales son descontextualizados y pasan a representar una fantasía mecánica vinculada a la unión entre el arte y la vida. Acción que recuerda a los Ready-made de Marcel Duchamp.

En sus ensamblajes, muchos de los cuales están realizados dentro de cajas, siguiendo el trabajo de Joseph Cornell, las cuales sirven como un contenedor en cuyo interior se articulan los diversos elementos-signos que forman la composición.

Siguiendo la línea del arte cinético y el arte electrónico interactivo, la exploración de las relaciones entre el arte y el movimiento (no hay que olvidar su gusto por las maquinas), así como entre el arte y el espectador, tienen un lugar de suma importancia en los objetivos de Rudoy.

Según lo explicado, en algunos proyectos del artista, donde el movimiento es el principal forjador de sentido, el espectador actúa un mecanismo y este acciona a otros, formando una reacción en cadena, accionar que recuerda a las maquinas de Rube Goldberg.

Este arte es un ejemplo de hibridación cultural, con propuestas inteligentes y elaboradas, a pesar de ser consecuencia de una formación no académica. Bajo una línea ideológica, el artista junta diversas referencias, donde ninguna es suprimida, al contrario, son quizás estas diferencias y cómo son articuladas, la razón principal de la riqueza del arte de Dan Rudoy.

Entre el orden y la complejidad: el arte de Osmo Rauhala

2007-12-01T12:00:00.000-08:00

Entre noviembre y octubre del 2006 se exhibió La Forma del Orden, la primera exposición en el Perú del artista filandes Osmo Rauhala. En este texto voy a comentar los trabajos presentados en esta muestra, partiendo de un acercamiento a los principios teóricos que sustentan sus propuestas artísticas. Se trata de cuatro videos: Complejidad Sistémica, El Libro de La Vida, El Momento del Lobo y Contra el Viento. Los tres últimos aparte de consistir en videos, también implican sistemas especiales de proyección, que a manera de una instalación artística, están conformados como conjuntos escultóricos en el espacio de la sala.

Su arte comparte con la ciencia, la búsqueda de respuestas que los científicos han tratado de responder, sin mucho éxito, en las ultimas décadas, acerca de las causas que determinan el orden que rige los procesos en la naturaleza. Sin embargo, comprender la esencia de dichas causas, supera el entendimiento humano.

Al buscar las respuestas que son prácticamente imposibles de responder, por lo mismo que superan el entendimiento humano, Rauhala se acerca a la naturaleza para observarla y partiendo de esa observación, trata de plantear hipótesis o al menos formular preguntas. Esta actitud con la naturaleza, propia de occidente, dio origen al método científico, e influyó en el arte, sobre todo durante la cultura griega y en el Renacimiento.

Lo que se conoce normalmente como orden, son las posiciones de elementos de un conjunto dentro de un marco de referencia. Estos conjuntos son conocidos como sistemas cuando los elementos se relacionan e interactuan. Para comprender el trabajo de Rauhala hay que tener en cuenta que la realidad es un gigantesco sistema, formado por un sinnúmero de otros menores.

Cuando en un sistema cualquiera surgen propiedades nuevas, como consecuencia de las relaciones entre los elementos, más que de las características de los elementos mismos, entonces estamos hablando de un sistema complejo.

Un sistema complejo se caracteriza por que aparentemente esta gobernado por un control central, sin embargo, cada elemento del conjunto es autónomo. Existe un orden que regula todo el sistema gracias a la armonía lograda entre los elementos del conjunto. Estos sistemas abundan en la naturaleza, por ejemplo una bandada de pájaros volando, donde cada ave es independiente pero al tener que supeditar su independencia y autonomía de movimiento a las demás, todo el conjunto se mueve en una sola dirección como si tuviera un control único que lo dirige.

Un ejemplo de lo dicho, es Complejidad Sistémica. El vídeo describe a un grupo de pájaros que empiezan a volar. En el comienzo están parados alineados sobre un cable, supeditados a un orden impuesto por el hombre. De repente empiezan a volar y a los primeros minutos, sus movimientos parecen caóticos hasta que de alguna manera desconocida, alcanzan la armonía que permite al grupo volar como una unidad.

Rauhala como artista, no sólo contempla la naturaleza sino que construye propuestas y elabora diseños. En su propuesta El Libro de La Vida, que consiste en la proyección de un vídeo en la pared a través de un cilindro traslúcido, para dividir la proyección en dos áreas, el artista interviene simbólicamente la constitución del ADN (acido desoxirribonucleico) el portador de nuestro material genético como seres biológicos. Dicho ácido esta formado químicamente por cuatro compuestos: Adeina, Citosina, Guanina y Tiamina, (A,C,G y T) . La combinación de estas sustancias es la responsable de los genotipos (características genéticas de los seres vivos), y el número de combinaciones puede llegar a ser casi infinito. Es esta posibilidad combinatoria que el artista representa en su trabajo, como un libro que contiene el secreto de la vida y que la ciencia actual está muy lejos de descifrar.

En Contra el Viento, imágenes de animales son proyectadas a varios vidrios colgados del techo que se mueven por el aire de ventiladores. Esto genera un conjunto de imágenes que rompe con el orden de sucesión de las mismas en el vídeo, generando uno nuevo orden, donde estas se combinan en un número casi infinito de posibilidades, prácticamente imposibles de predecir, como también lo son el movimiento en la naturaleza de los flujos del aire y del agua. Sin embargo, muchos animales en su medio ambiente son capaces de leer anticipadamente estas corrientes y adaptarse a los cambios. Así, este trabajo representa esos procesos naturales, que están fuera de la capacidad humana de predecirlos. Como también es una reflexión sobre el orden en los procesos naturales y en los discursos de factura humana. En estos últimos, el orden narrativo de los discursos audiovisuales, en este caso el vídeo.

Otro ejemplo, que redefine el orden de las imágenes de un vídeo, es El Momento del Lobo, donde las imágenes de un lobo son proyectadas dentro de un ambiente cerrado por láminas de vidrio y un a cortina translúcida. Las imágenes del lobo se reflejan en los vidrios y la tela dando la impresión, desde el exterior, que el lobo esta encerrado dentro de dicho espacio. Este trabajo es consecuencia del recuerdo del artista de un encuentro con un lobo, donde el animal a pesar de que lo pudo haber atacado, se fue libremente por el bosque, e incitó con el tiempo a la reflexión, por parte de Rauhala, acerca de la libertad que tiene los animales cuando son acosados por los humanos.

El artista muestra en esta exposición sus principales trabajos de los últimos años, en los que confluyen el arte contemporáneo, las nuevas tecnologías y una visión científica.

Osmo Rauhala nació en 1957 en una familia campesina en Siuro en el interior de Finlandia es uno de los artistas finlandeses de mayor prestigio. Posee tres grados académicos, que acreditan una sólida formación tanto en arte y como en ciencias. Ha expuesto en más de 100 muestras colectivas en 20 países Sin embargo, la mitad de cada año deja de lado sus compromisos con el mundo del arte y regresa a la granja familiar para labrar la tierra siguiendo la tradición de sus ancestros.

AÑO 2025 - SEPARE SU PASAJE LIMA SHANGHAI CON TIEMPO POR FAVOR

2007-09-28T13:46:00.000-07:00

Es posible que usted lector, escuche esta frase dentro de 18 años en la terminal de pasajeros del puerto del Callao, o en el megapuerto que se piensa construir en la isla San Lorenzo. Quizás usted sea un empresario, que por vacaciones está por embarcarse en un viaje a China y como no tiene prisa, ha decidido cambiar el avión por un novísimo transporte que combina las características del barco y del avión, es más lento, pero más barato, y resulta económico en los largos viajes intercontinentales.

Este nuevo transporte es la versión moderna de los ekranoplanos, esas naves voladoras mitad avión mitad barco que vuelan sobre el agua, por encima de las olas. Construídas en la antigua Unión Soviética, ahora, versiones actuales de estos vehículos, llamados naves WIG (Wing-in - ground craft), están siendo probados en países como Alemania, China, Irán, etc. En los Estados Unidos la empresa Boeing ha desarrollado un prototipo llamado Pelikan, capaz de llevar casi 700 toneladas de carga.

Entre el avión y el barco en costos y velocidad, los WIGs son insuperables sobre todo para transportar grandes cantidades de alimentos perecibles como frutas. Más rápido que el barco y más barato que el avión, ofrece grandes oportunidades para el comercio internacional, entre los países de la Cuenca del Pacífico.

Dado el crecimiento económico de los países del este asiático, para el 2020 cualquier nuevo sistema de transporte prestará servicios no sólo entre América y Europa sino también, más que seguro, entre los países de la Cuenca del Pacifico, pues esta zona, se perfila como la principal área económica, para las primeras décadas del s. XXI.

Ya que se piensa en un tratado de libre comercio entre el Perú y la China, es una posibilidad que dentro de unas tres décadas, se utilicen este tipo de naves para transportar uvas a China por ejemplo, pues este tipo de transporte esta casi listo para entrar al mercado. Ya existen a la venta modelos pequeños para paseos recreativos con capacidad para pocos pasajeros.

Tanto los viajes a China a través del Pacifico, como de la características de los WIGs que son prácticamente hidroaviones que vuelan a pocos metros de la superficie, uno no puede dejar de lado la historia de los Clippers. A mediados de los años 30, la Pan Am estableció entre San Francisco y Shanghai, el servicio de vuelos de los Clippers, esos famosos hidroaviones que abrieron las primeras rutas aéreas comerciales intercontinentales y que llegaron a ser los aviones de mayor tamaño, en los años que prestaron servicio.

Aparentemente la era de los grandes hidroaviones como de los dirigibles gigantes (Zeppelines) no volverá, terminó con la Segunda Guerra Mundial. Después de la guerra, el proyecto inglés de construir hidroaviones gigantes para unir los puntos más lejanos del Imperio Británico, fracasó, al final, el mismo imperio se derrumbó. Sin embargo, construyeron el Princess, enorme hidroavión de dos pisos que hasta hoy es el avión más grande construido en Inglaterra. En cambio, el desarrollo del WIG es un proyecto con futuro para las próximas décadas.

Otro proyecto seria un remplazo del Concorde. Retirados de servicio, el mundo se ha quedado sin aviones supersónicos de pasajeros. Sin embargo, un consorcio franco japonés ha dado a conocer sus intenciones de poner en servicio un remplazo del Concorde para el 2020. Pero a diferencia de este de este avión supersónico, los WIGs son prácticamente una realidad.

Los WIGs para llevar carga son estupendos, pero también podría haber un servicio para pasajeros. Así que saquen sus pasajes con tiempo y nos vemos en el viaje.

Belleza Americana hecha por Peruanos

2007-09-24T16:49:00.000-07:00

Voy a aprovechar este espacio para escribir sobre dos artistas que tienen, por su creatividad, un lugar ganado en la historia del arte, uno más que el otro según distintos criterios. Ellos son el ilustrador arequipeño Alberto Vargas y el arquitecto Bernardo Fort-Brescia.

Ambos peruanos con su trabajo creativo, propuestas artísticas admirables, han contribuido a consolidar ciertos conceptos estéticos en los Estados Unidos.

Vargas, forma parte de esa generación que a comienzos del s. XX partió a Europa con el propósito de estudiar. Fort-Brescia es uno de los arquitectos latinoamericanos, entre los que destacan muchos cubanos, que han influido notablemente en el panorama del sur del estado de la Florida, alcanzando prestigio internacional.

Vargas, nacido en 1896, desde pequeño mostró actitudes artísticas. En 1911 siendo un adolescente, fundó junto con su hermano Max un conocido estudio fotográfico en Arequipa, cuya fama llegó hasta el Cuzco, Puno y Bolivia.

En 1913, a petición de su madre, viajó a Europa para perfecionarse en el arte fotográfico. Decidió volver la Perú tres años más tarde a causa de la Primera Guerra Mundial. En el viaje hizo una escala en Nueva York y se quedó a radicar en los Estados Unidos donde empezó su carrera como dibujante.

Empieza dibujando mujeres en tinta china, poco tiempo después cambia la tinta por las acuarelas desarrollando un estilo que nunca abandonará. En 1919 utilizando dicha técnica realizo su primera Vargas Girls influido por las imágenes de la French Girls, chicas francesas, de piernas largas y cintura de avispa, que los soldados traían en postales al regresar del frente europeo, convirtiéndose más tarde en uno de los más grandes dibujantes de las Pin Up, las famosas chicas con poca ropa de los calendarios.

En la década de los 30 influido por el Art Deco, recibe pedidos de varias publicaciones. Hollywood solicita sus servicios, la Paramount le pide dibujar a Marlene Dietrich, Ann Sheridan; la Metro a Greta Garbo; la Fox a Shirley Temple la niña actriz, así como también a Paullete Godard y Ann Sheridan, entre otras superestrellas del cine.

La revista de variedades dirigida a un público masculino Esquire, lo nombra en 1939 su principal ilustrador, cargo que lo lanzo hacia la consagración definitiva. Varios años después, en 1953 Hugh Hefner el fundador de Playboy, lo llama para ilustrar la nueva revista contribuyendo con sus dibujos a la revolución sexual de esos años.

Con la muerte de su esposa Ann Mae Clift, entra en un estado de gran depresión, decidiendo abandonar el arte. Es aquí donde decide escribir su autobiografía llamada Vargas. Libro donde afirma la relación entre sus dibujos y las imágenes de los grandes maestros del renacimiento como Botticelli.

Fallece cuando estuvo a punto de cumplir 87 años, seis semanas después de inaugurada una gran retrospectiva de su obra en Europa en diciembre de 1982.

Es innegable la influencia de la Chicas Vargas en el diseño de la muñeca Barbie, el juguete no hubiera llegado a ser lo que es, si no fuera por el aporte de Alberto Vargas.

La Barbie, la muñeca más famosa y vendida del mundo, dejó de ser una simple muñeca para convertirse en un icono vinculado a la cultura de los Estados Unidos, como la Coca Cola, o las motocicletas Harley Davidson. Pensar que en el diseño de este juguete influyó el trabajo creativo de un dibujante arequipeño.

Saltando de la ilustración a la arquitectura, pasamos a la obra de Bernardo Fort-Brescia. Peruano nacido en 1950 que radica en los Estados Unidos. Apenas graduado, ingresó en 1976 a la firma Arquitectonica que dirige actualmente. Esta empresa fundada en 1975 ha logrado ganarse un lugar entre los mejores equipos de diseño a nivel internacional.

En sus primeros trabajos Arquitectonica mostró cierta influencia del arte surrealista de Giorgio de Chirico.

La base del trabajo de Arquictectonica, es la llamada arquitectura moderna, propia de mediados del s. XX, cuyos exponentes más difundidos son los edificios de condominios de apartamentos de bajo costo y que se caracterizan por diseños simples sin ornamentos, así como por una la utilización los más racional posible del espacio.

Fort-Brescia y su equipo, sin apartarse de los cánones de la arquitectura moderna, como lo han hecho los arquitectos postmodernos, se adaptaron al clima y al estilo de Miami usando elementos inusuales para este tipo de arquitectura, como colores cálidos y llamativos propios de un contexto tropical. Han creado una versión particular del diseño moderno en arquitectura, un look particular que caracteriza a la firma.

Arquitectonica saltó a la fama en 1982 con el Atlantis, edificio que con su fachada ahuecada con un patio, se convirtió en el símbolo de Miami a través de la difusión internacional de la serie de televisión Miami Vice.
Han realizado trabajos como la remodelación del aeropuerto de Miami, la sede del Ballet de la misma ciudad, el hotel Westin en Nueva York, así como edificios en Asia, Europa América. Han ganado importantes premios como el Award Excellent in Architecture, el American Architecture Award, etc..

En el Perú a fines de los 80, Fort-Brescia es llamado para diseñar el edificio del Banco de Crédito, siendo este su primer trabajo en el país. Diseño criticado por ser un proyecto pensado para Miami, pero realizado en Lima sin tener en cuenta el contexto limeño, según algunos académicos.

Después del Banco de Crédito, siguió la embajada de los Estados Unidos en el Perú donde se utilizó en el diseño referentes peruanos prehispánicos, el hotel Marriot, el Banco Wiese, la remodelación de una parte del aeropuerto Jorge Chaves, ...

Dos artistas peruanos que por su talento creativo han alcanzado el reconcomio mundial.

TENDENCIAS: NUEVAS PROPUESTAS EN LA GESTIÓN DE LOS MUSEOS

2007-09-24T12:38:00.000-07:00

MUSEOS Y MARKETING
Dos ejemplos de la Dra. Inés del Aguila.

Es interesante apreciar los logros de la doctora en la gestión de museos. Ella ha tomado en cuenta, que le museo en el s. XXI es una institución abierta con el objetivo de acercarse lo más posible a la comunidad y generar demanda de un público no habituado a visitar museos.

El Parque de las Leyendas
Hizo una labor pionera al darle valor a la zona arqueológica del Parque de las Leyendas, e integrar dicha zona al zoológico, en un conjunto donde se preserva tanto el patrimonio natural como el cultural. Para dicha labor se creó la oficina de arqueología, que hasta el día de hoy se mantiene en función gracias a su desempeño, a pesar del cambio en la administración del Parque.
Hay que destacar su visión pedagógica, cuya finalidad es educar al visitante, para que se identifique con el parque y así lo valore. Dentro de este proyecto pedagógico se rescató y se puso en valor el área arqueológica, para que tanto los visitantes como los empleados se identifiquen con ella, como parte de su propia historia.

El Museo Josefina Ramos de Cox
Igual que en el parque, este museo es otro ejemplo de la gestión orientada a abrir la institución lo más que se pueda, acercándola a la comunidad.
Según P. Drucker, para muchos el mayor especialista en el tema, el marketing consiste en la creación de la demanda. Actualmente no se pone en duda la importancia del marketing como una herramienta dentro de la gestión de museos, con el objetivo de aumentar el número de visitantes.
El museo de arqueología dirigido por la Dra. del Aguila es un caso interesante, sobre como proceder para aumentar la demanda de visitas, al construir y fortalecer relaciones con diversos sectores de la sociedad.
Entre dichas relaciones tenemos: el programa educativo el cual está dirigido tanto a los alumnos, como a los profesores a través de las llamadas tertulias pedagógicas (una serie de conferencias orientadoras dirigidas sobre todo a los maestros); el trabajo con una agencia para llevar turistas al Museo; la colaboración con los comerciantes del Jirón de la Unión y así como también el mantenimiento de un taller de restauración en textiles y cerámica para la formación de estudiantes.
Aparte de todas estas relaciones y aportes a la comunidad, el Museo no se desliga de la investigación, tarea que la Dra. considera fundamental para este tipo de institución. Como parte de los trabajos de investigación, el museo colabora con otras instituciones en proyectos de carácter arqueológico. Estas colaboraciones ha permitido realizar exposiciones de piezas prehispánicas halladas en diversas áreas de la costa limeña.
El museo aparte de presentar exposiciones secundarias, expone la muestra principal, llamada Hatun Maranga (Gran Batan), propuesta que cada cierto tiempo es mostrada con algún cambio, ahora está en su tercera versión, con el propósito de atraer nuevamente a los interesados.
De esta manera el Museo, por su apoyo a la investigación y su consolidación como una herramienta pedagógica, cumple con los objetivos, de preservar y hacer conocer a la ciudadanía y al turista el acervo prehispánico del departamento de Lima.

EL MUSEO NACIONAL UNA PROPUESTA DISFUNCIONAL

2007-09-13T07:31:00.000-07:00

Existe la tendencia desde un poco más de dos décadas, al menos en los países del primer mundo, que los museos aumenten el número de visitantes al funcionar más como lugares de entretenimiento que como centros culturales.
En el Perú no se da el caso, pues los museos están desarticulados de la comunidad. Me refiero sobre todo a los museos administrados por el Estado, pues entre los privados están los que realizan una labor interesante.
Desde los tiempos de la independencia existió la iniciativa de crear el Museo Nacional, un lugar que diga a los peruanos quienes somos como nación. El proyecto llevado a la práctica, por diversas razones, nunca dio buenos resultados.
En las dos décadas ultimas del siglo pasado, se tomo como modelo al gran Museo Nacional de Antropología de México, con la intención de construir el Museo Nacional que es país necesita, pero la propuesta quedó en una institución deficiente como lo es El Museo de Arqueología, Antropología e Historia de Pueblo Libre o en el capricho presidencial de Alan Garcia, conocido como el Museo de la Nación.
A continuación unas citas para reflexionar acerca de la problemática del proyecto sobre el Museo Nacional.

PARA REFLEXIONAR
El Museo Nacional fue concebido como institución que alberga el pasado para conocimiento y la difusión cultural, se remonta hasta la época de las luchas independentistas, sin que éste estuviera necesariamente reflejado como idea de unión o identidad nacional (Amalia Castelli).

El 2 de Abril de 1822, el gobierno emitió un Decreto Supremo que disponía que los objetos extraídos de las huacas se destinaran al "Museo Nacional", y que este era el lugar apropiado para conservarlos, asimismo, ese dispositivo legal prohibía la extracción de objetos de los lugares arqueológicos. Toma importancia la arqueología como una forma de rescatar el pasado autóctono, al cual se dio un papel importante en la construcción de la república y la identidad nacional (Castelli).

La difícil pero importante tarea de conducir una institución cultural se encomendó a funcionarios administrativos que no siempre estuvieron preparados o carecían de la vocación para realizar dichas funciones, esto se hace evidente en la falta de interés por la conservación y preservación del patrimonio sea éste arqueológico, histórico o natural (Castelli).

La historia de los museos nacionales esta ligada a la política de turno pero también al destino de una burguesía criolla que al no poder imitar a los museos europeos, no se intereso por crearlos con objetos de la cultura nativa, con la cual no se sintió identificada (Alfonso Castrillón).

El museo, se define en el artículo 2, párrafo 1, de los Estatutos del Consejo Internacional de Museos (ICOM), como "una institución permanente, sin fines de lucro, al servicio de la Sociedad y su desarrollo, que adquiere, conserva, investiga, difunde y expone los testimonios materiales del hombre y su entorno para la educación y el deleite del público que lo visita". Muchos museos del Perú no cumplen con esos requisitos (Castrillón).

En el Perú no se ha considerado el clima del lugar para diseñar o adaptar la arquitectura del edifico del museo con fines de conservación. En nuestro país no se ha dado la suficiente importancia a la climatización del museo, considerándola una sofisticación europea (Castrillón).

Un ejemplo de lo dicho lo tenemos el del Museo Tumbas Reales del Señor de Sipan, considerado uno de los mejores del mundo. La ciudad de Lambayeque en donde se sitúa el Museo tiene una temperatura promedio de 30 grados centígrados y esta realidad parece no haber sido contemplada en el planeamiento arquitectónico (Rodolfo Cortagana).

Estas citas son pruebas que nos falta mucho por hacer.

EL ARTE DE LA CALLE

2007-09-12T23:43:00.000-07:00

Cada vez consumimos más arte cuando salimos a la calle.

EL ARTE DE LA CALLE
El Graffiti Artístico en Lima (primera parte)
CIRCUNSTANCIAS HISTÓRICAS QUE

DIERON ORIGEN AL GRAFFITI

La globalización
En la última década se ha puesto en boga el término globalización, palabra usada para describir la expansión de un mismo sistema económico a nivel mundial y sus consecuencias, como la influencia global de los medios de comunicación.
La llamada globalización puede ser descrita como una difusión de patrones culturales a nivel global, consecuencia de un proceso de intercambio de productos e información sin precedentes, entre regiones geográficas alejadas.
La cultura global actual puede ser definida como consecuencia del proceso de globalización de la hegemonía occidental sobre los demás pueblos. Este proceso es la suma de un conjunto de acontecimientos históricos a lo largo de cinco siglos, los cuales empezaron con el descubrimiento de América.
El descubrimiento del llamado Nuevo Mundo, así como la exploración y colonización del Oriente, sumadas a los viajes de circunnavegación, extendió los intereses europeos por todos los continentes, en América, desde la actual Canadá por el norte hasta la Patagonia por el sur, también en el África, así como en Asia y Oceanía. Se abrieron nuevas rutas al servicio del comercio, como por ejemplo el intercambio de los europeos con los árabes a través del Océano Índico y con los grandes reinos del Asia como la India y Catay, la actual China. Se unió el Oriente con América a través de la ruta de los galeones españoles creada a fines del s. XVI entre las Filipinas y México.
La América española se convirtió en la principal fuente de oro y plata para Europa, África en fuente de marfil, pieles y esclavos para el Nuevo Mundo, así como el Oriente en el abastecedor de seda y especies. El transporte de estas mercancías fue el inicio del comercio internacional actual de alcance global.
La difusión de la cultura europea fue lenta en sus primeros trescientos años, principalmente a causa del transporte, al no existir vehículos motorizados, así como por la falta de medios de comunicación rápidos.
Después del período mencionado de tres siglos, la modernidad propia del Occidente y sus consecuencias como la Ilustración y la Revolución Industrial, van a impulsar el desarrollo técnico de tal manera, que originan el inicio de una nueva etapa histórica, donde inventos como la máquina a vapor, el telégrafo, el ferrocarril entre otros, agilizaron enormemente el comercio a largas distancias, así como la difusión y la democratización de la información. Empiezan a consolidarse los cimientos de una sociedad global, cuyo desarrollo se vio facilitado por la formación de las naciones.
La Revolución Industrial marcó el inicio de las grandes migraciones de campesinos en busca de trabajo a los centros urbanos que empezaban un proceso de industrialización. Este fenómeno migratorio contribuyó a la expansión sin precedentes de las ciudades, que con el tiempo, se constituyeron en grandes metrópolis.
Estas nuevas urbes agruparon a miles de trabajadores fabriles, la mayoría de origen rural, en una gran masa social. Dicho sector de la sociedad, con el tiempo, modeló una cultura propia representativa de los trabajadores urbanos, fenómeno al que en el siglo XX se le dio el nombre de cultura de masas. Es la cultura de las mayorías, cuya dinámica social depende de la fabricación y comercialización en gran escala de productos y servicios, promovidos actualmente por el comercio internacional.
La cultura de masas que se consolidó en Occidente después de la segunda guerra mundial, es propia del hombre medio, no perteneciente a minorías o elites económicamente privilegiadas. Ortega y Gasset la llama muchedumbre: es la mayoría de la población, personas sin una cualificación especial, las cuales comparten generalidades, tales como el sistema educativo o patrones de consumo. Esta muchedumbre, en los últimos 200 años, gracias a los cambios sociales propios de las democracias republicanas, ha accedido a privilegios indispensables, antes sólo reservados a las minorías, como la condición de igualdad ante la ley. Esta masificación de la sociedad, fue otro de los factores que contribuyó al proceso de globalización.
En el siglo XX la globalización empezó una nueva etapa. Después de la segunda guerra mundial, con una Europa destrozada, Estados Unidos se convirtió en el ejemplo de modernidad para Occidente debido a su fuerte desarrollo industrial, ejemplo que alcanzó también a los países latinoamericanos cuyas burguesías, de origen europeo, no querían quedarse rezagadas. Dicha influencia fue favorecida por el hecho de que los Estados Unidos, en los años de la posguerra, fue el mayor fabricante de productos manufacturados al nivel mundial, gracias a la inmensa capacidad industrial que desarrolló durante la guerra y que le permitió salir del receso económico producido por la desastrosa caída de la bolsa de Nueva York en el año 1929.
En la segunda mitad del siglo XX, el capitalismo se expande gracias a que se internacionalizan las empresas norteamericanas. Como ejemplo de ello: entre 1946 a 1969 el valor de las inversiones de dichas empresas en el extranjero subió de 7,200 a 70,763 millones de dólares.
Esta rápida y fuerte expansión del capital en las últimas tres décadas del siglo XX, fue posible por las tecnologías de la información y telecomunicaciones, las cuales contribuyeron a la expansión de los medios de comunicación masivos de alcance mundial.
Los medios masivos de información, representativos de la moderna sociedad, han difundido patrones culturales a nivel mundial, donde muchos fenómenos locales no podrían interpretarse a cabalidad sin tenerse en cuenta su posición dentro de un marco mundial.

La cultura global
La expansión de las empresas norteamericanas, las impulsó a una gran búsqueda de mercados en todo el mundo. Esta expansión sustentada en el comercio, empezó a difundir, a partir de la década de 1950, valores culturales propios de una sociedad orientada hacia el consumo. Así, las empresas transnacionales, al motivar el consumo masivo, difundieron estándares culturales iguales en las ciudades más importantes del mundo, lo cual formó una cultura popular de origen estadounidense, que convive junto a las culturas populares autóctonas tradicionales. Dicha cultura, conocida como cultura global, adquiere cierta forma definida a partir de la década de 1960, con rasgos comunes a escala mundial.
Esta cultura, producto de la globalización, es la responsable por ejemplo, de que en lugares como Sudamérica o el Japón, a pesar de la fuerza de sus antiguas tradiciones, sus urbes cada vez más muestran signos semejantes. Es un ejemplo de la homogeneización que convierte, al menos en algunos aspectos, a la población mundial en una gran masa, donde sus principales expresiones son de origen estadounidense, como: Coca Cola, Mc Donalds, CNN, IBM, Kentucky Fried Chicken, etc.
La última etapa de la globalización se manifiesta con mayor fuerza en la década de 1990, a consecuencia de la caída del bloque socialista de la Europa Oriental y del fortalecimiento del capitalismo en todo el planeta, hechos que aumentaron la imposición de patrones culturales iguales en sociedades de tradiciones distintas, a través de los medios masivos de comunicación y estrategias de mercado, donde la televisión comercial cumple quizás el papel más importante para persuadir a las mayorías y controlar la opinión publica. El ejemplo lo tenemos en la caída del bloque socialista de Europa del Este, donde la influencia de un poderoso medio como la televisión, contribuyó a que las mayorías se unan a las protestas contra las dictaduras socialistas, al enterarse de ellas; ya que tanto el gobierno Soviético, como los gobiernos de los países de Europa del Este no fueron capaces de controlar las emisiones independientes, como las que llegaban desde Europa Occidental. Se las llamó "las revoluciones televisivas".

La postmodernidad
En los últimos 20 años del siglo XX, cuando la globalización alcanzó un nivel sin precedentes y empezó a ser tema de debate, ciertos cambios sociales fueron considerados como los síntomas del final de la modernidad como período histórico, dando paso a la posmodernidad.
El término postmodernismo surge en la década de los 1930 en España con Federico de Onís, como categoría estética para describir un reflujo conservador dentro de la poesía modernista.
La idea de un mundo postmoderno, que sucedería a Occidente, es usada por Charles Olson en los años cincuenta en los Estados Unidos. Más tarde, el egipcio Ihad Hassan emplea el término en 1971 para nombrar a las nuevas tendencias que habían radicalizado o rechazado los rasgos de la modernidad, en una configuración que abarca tanto el arte como la tecnología.
Pocos años después, Charles Jencks, partiendo de un análisis de la relación de la arquitectura con el público, elabora las definiciones principales de la arquitectura postmoderna, definiciones que le sirven para describir a la última etapa de la sociedad occidental, donde las polaridades sociales clásicas, como la burguesía y el proletariado, perdían sentido; este hecho, junto con una superabundancia de bienes y servicios, daba forma a una sociedad global, donde la información es considerada el bien de mayor valor económico.
En los países industrializados, las características sociales de la sociedad postmoderna de Jencks empiezan a aparecer en la década de 1950, sobre todo por el incremento del consumismo, lo cual ha acelerado ciertos cambios como el empequeñecimiento familiar y el fortalecimiento del individualismo en las relaciones humanas. La vida cotidiana tanto en Norteamérica como en Europa empieza a moverse alrededor del culto al consumo, al tiempo libre y al placer. Esta nueva sociedad, al parecer ha terminado con el continuo progreso típico de la modernidad, caracterizado por la expansión de la cultura occidental europea en los últimos quinientos años; así mismo proclama un estancamiento histórico donde la democracia liberal junto al capitalismo, es el único modelo económico social que funciona, después del fracaso de las monarquías absolutistas, de las dictaduras y del socialismo, tal como lo afirma Francis Fukuyama.
En las democracias liberales actuales, las actividades comerciales se hallan condicionadas por un capitalismo de alcance global. La economía postmoderna se distingue más por grandes empresas que realizan operaciones financieras multinacionales dentro de un mercado mundial, que por la producción industrial para atender mercados regionales. Ésta es, precisamente, la coyuntura económica que ha condicionado la producción cultural y artística en las tres últimas décadas del siglo XX, contribuyendo al fortalecimiento de la cultura global.
Una de las características más resaltantes de la postmodernidad es el planteamiento de una cultura global, la cual además de mantener ciertos patrones mundiales, también adquiere características que varían según la región o el sector social, debido a la influencia de manifestaciones culturales de diverso origen, fenómeno cultural que se manifiesta sobre todo en países con un alto índice de inmigrantes. Tal es el caso de los Estados Unidos, que por su condición cosmopolita multicultural, ha dejado de ser una nación Estado para convertirse en una sociedad postmoderna. En este contexto, donde coexisten diversas tradiciones, las humanidades y las artes al interior de las instituciones académicas, se han alejado de la tradición racionalista propia de Occidente, aceptando sólo a la imaginación, como paradigma. Como consecuencia, al no existir normas estéticas definidas, todo tiene cabida en el arte actual, tanto lo erudito como lo popular, lo pasado como lo presente: todo es válido en el arte postmoderno. En el mencionado contexto se empieza a usar el concepto de contracultura o anticultura como una alternativa crítica a lo oficial, rompiendo con la separación tradicional entre lo culto e intelectual y lo popular. La anticultura surgió dentro del contexto de la resistencia en contra de la hegemonía del discurso europeo occidental burgués, el cual empieza a perder influencia, dando paso a la tolerancia y diversidad actual. Es en este contexto donde el graffiti pudo alcanzar el reconocimiento de arte propiamente dicho.

La cultura juvenil
Como ejemplo de la convivencia de diversas expresiones culturales de origen distinto, en las ciudades posmodernas y globalizadas, están las urbes latinoamericanas, donde conviven tradicionalismos locales junto a diversas modernidades importadas, que se unen en hibridaciones, como la mezcla de música étnica con géneros como el rock o el rap.
Puede percibirse de una manera general, dos realidades al interior de las ciudades, sobre todo en Latinoamérica: por un lado, una cultura urbana popular vinculada a la tradición oral y por otro lado, una cultura de la imagen, audiovisual e informática conformada especialmente por jóvenes. De manera general, se puede concebir la cultura juvenil como un todo, pero en el fondo no todos los jóvenes comparten las mismas actitudes, por eso más que una juventud existen diversas juventudes.
Según una de las definiciones más difundidas, el joven, es la persona entre la adolescencia y la edad donde se adoptan criterios propios de los adultos, sea los 20, los 30 o los 40 años, según la estabilidad emocional o la previsión del futuro.
La cultura juvenil actual tiene sus antecedentes en el movimiento juvenil de la década de los sesenta, el cual se opuso al mundo de los adultos, a manera de un movimiento crítico contra la sociedad oficial burguesa o establishment. Este movimiento fue posible gracias a la consolidación de la juventud como un sector de la sociedad con identidad propia.
Este espíritu critico juvenil, nació como consecuencia del culto a la libertad sin frenos, difundido por los escritores de la generación Beat, la rebelión estudiantil en contra del consumismo vinculada a las ideas del pensador Herbert Marcuse, así como por la influencia de ideologías socialistas y de la música y el Pop Art.
La juventud de los sesenta entró en conflicto con el mundo de los adultos por diversos motivos, entre los cuales hay que destacar la inseguridad que enfrentaron, a diferencia de las generaciones pasadas. Al final del

s. XX los jóvenes empezaron a tener un futuro incierto a consecuencia de los cambios en la economía y en los medios de producción.
Los jóvenes antiguamente eran capacitados para ejercer tareas en su comunidad, sin embargo en las sociedades modernas la educación se especializa y se separa de la vida productiva y cívica de los mayores.

La educación se abstrae del hogar, del taller, de la granja, etc.; los jóvenes son diferenciados de resto de la población, los niños y adultos. Consecuencia de los cambios en los procesos productivos, la juventud es una realidad histórica, una construcción social.
Al entrar en conflicto con lo establecido, el movimiento juvenil de los Estados Unidos atacó los intereses burgueses, oponiéndose a la intervención económica y militar de los Estados Unidos en los países del tercer mundo, a la guerra de Vietnam y la discriminación de todo tipo. Este rechazo dio origen al movimiento Hippy, y sirvió como aliciente para el consumo de drogas y la liberación sexual.
La industria y los medios de comunicación se percataron de la capacidad de consumo de la juventud y de su aparente necesidad de productos con los cuales pueda identificarse. Apareció toda una gama de productos juveniles como motocicletas, blue jeans, etc… La industria del disco se vio favorecida con el nacimiento del Rock 'n Roll, la producción del cine se orientó hacia un gran público juvenil. Nació el primer establecimiento de modas para jóvenes con Mary Quant, la creadora de la minifalda. En los últimos 15 años del s. XX toma auge la industria de los videojuegos y de los videoclips. Los jóvenes se convirtieron en la principal fuerza consumidora de la industria del entretenimiento.
Los jóvenes identificados como un sector social, apartados de los adultos, tienden a la formar grupos, lo cual les permiten en gran medida difundir el graffiti, esta tendencia responde, en parte, a que el adolescente es gregario. Al juntarse con otros afirman su identidad separándose del mundo de los padres, lo cual es imprescindible para dejar atrás la infancia.
Puede considerarse cuatro canales de integración social para la juventud: la educación, el empleo, la participación política y la cultura de masas. Para los jóvenes negros de los guetos neoyorquinos, a comienzo de la década de los setenta, los tres primeros canales estaban cerrados o eran de difícil acceso. Esto dio lugar a sentimientos negativos colectivos que se expresaron en fenómenos como las pandillas, o los grupos que empezaron a pintar en la vía pública desafiando a la autoridad. Los jóvenes trataron de reafirmar su identidad ante una sociedad que los marginó, a través del graffiti.

Actualmente no existe un movimiento político contestatario juvenil, sin embargo los jóvenes se expresan de maneras peculiares, una de la más importante tanto en Norteamérica como en Europa y relacionada con el graffiti artístico, es el Hip Hop.